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MITOLOGÍA GRIEGA: HEFESTO. En la mitología griega, Hefesto (en griego Ἥφαιστος Hêphaistos, quizá de φαίνω phainô, ‘brillar’) es el dios del fuego y la forja, así como de los herreros, los artesanos, los escultores, los metales y la metalurgia. Era adorado en todos los centros industriales y manufactureros de Grecia, especialmente en Atenas. Su equivalente aproximado en la mitología romana era Vulcano. Hefesto era bastante feo, lisiado y cojo. Incluso se dice que,al nacer, Hera lo vio tan feo que lo tiro del Olimpo. Tanto es así, que caminaba con la ayuda de un palo y en algunas vasijas pintadas sus pies aparecen a veces del revés. En el arte, se le representa cojo, sudoroso, con la barba desaliñada y el pecho descubierto, inclinado sobre su yunque, a menudo trabajando en su fragua. La apariencia física de Hefesto indica arsenicosis, es decir, envenenamiento crónico por arsénico que provoca cojera y cáncer de piel. El arsénico se añadía al bronce para endurecerlo y la mayoría de los herreros de la Edad de Bronce habrían padecido esta enfermedad.

Hefesto

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Vulcano forjando los rayos de Júpiter de Rubens.

En la mitología griega, Hefesto (en griego Ἥφαιστος Hêphaistos, quizá de φαίνω phainô, ‘brillar’) es el dios del fuego y la forja, así como de los herreros, los artesanos, los escultores, los metales y la metalurgia. Era adorado en todos los centros industriales y manufactureros de Grecia, especialmente en Atenas. Su equivalente aproximado en la mitología romana era Vulcano.

Hefesto era bastante feo, lisiado y cojo. Incluso se dice que,al nacer, Hera lo vio tan feo que lo tiro del Olimpo. Tanto es así, que caminaba con la ayuda de un palo y en algunas vasijas pintadas sus pies aparecen a veces del revés. En el arte, se le representa cojo, sudoroso, con la barba desaliñada y el pecho descubierto, inclinado sobre su yunque, a menudo trabajando en su fragua. La apariencia física de Hefesto indica arsenicosis, es decir, envenenamiento crónico por arsénico que provoca cojera y cáncer de piel. El arsénico se añadía al bronce para endurecerlo y la mayoría de los herreros de la Edad de Bronce habrían padecido esta enfermedad.

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Nacimiento [editar]

Hefesto era hijo de Hera, con o sin la cooperación de Zeus. En la Teogonía de Hesíodo,[1] Hera lo engendró sola, celosa porque Zeus había dado a luz a Atenea, que había brotado de su cabeza. En la versión de la Ilíada,[2] Homero afirma que Zeus fue padre de Hefesto.

La tensión entre ambas versiones era tal que aunque en ambas se narra que Atenea terminó naciendo de Zeus, en la que Hefesto era anterior se decía que fue él quien abrió la cabeza a su padre para liberar a su hermana, mientras la otra sostenía que fue Prometeo.

De cualquier forma, en el pensamiento griego los destinos de Atenea, diosa de la sabiduría y la guerra y Hefesto, dios de la forja que fabricaba las armas de la guerra estaban relacionados. Hefesto y Atenea Ergane (como patrona de los artesanos) se honraban en una fiesta llamada Calceia en el trigésimo día de Pianepsio. Hefesto también fabricó muchos de los pertrechos de Atenea.

Caída y regreso al Olimpo [editar]

Hera, mortificada por haber parido tan grotesca descendencia, no tardó en arrojarlo del Olimpo. Hefesto cayó durante nueve días y noches hasta el mar, donde como él mismo cuenta en la Ilíada[3] dos diosas del mar, la nereida Tetis (madre de Aquiles) y la oceánide Eurínome, lo recogieron y lo cuidaron en la isla de Lemnos, donde creció hasta convertirse en un maestro artesano.

Otras versiones afirman que fue su padre Zeus quien lo arrojó a causa de una conspiración de Hera y Hefesto para derrocarlo, y en La Ilíada[4] se narra que fue porque liberó a su madre, que estaba presa con una cadena de oro entre la tierra y el cielo tras una pelea con Zeus. Hefesto habría caído así en la isla de Lemnos, quedando cojo y lisiado.

Tras haber fabricado tronos de oro para Zeus y otros dioses, Hefesto se vengó elaborando uno mágico de diamante[5] que envió como regalo a Hera. Cuando ésta se sentó en él, quedó atrapada, incapaz de levantarse. Los demás dioses rogaron a Hefesto que volviese al Olimpo y la liberase, pero él se negó, enfadado aún por haber sido expulsado. Intervino entonces Dioniso, quien emborrachó a Hefesto y lo llevó de vuelta al Olimpo a lomos de una mula. Hefesto, contrariado por la treta y dueño de la situación, impuso severas condiciones para liberar a Hera, una de las cuales fue contraer matrimonio con Afrodita.

Hefesto y Afrodita [editar]

En el panteón olímpico, Hefesto estaba formalmente emparejado con Afrodita, a quien nadie podía poseer. Hefesto estaba contentísimo de haberse casado con la diosa de la belleza y forjó para ella hermosa joyería, incluyendo un cinturón que la hacía incluso más irresistible para los hombres.

Sin embargo, Afrodita se entregaba en secreto a Ares, el dios de la guerra, según se narra en la Odisea. Cuando Hefesto tuvo noticia de estos amores por Helios, el sol, que todo lo ve, tejió una red de plata irrompible casi invisible con la que atrapó en la cama a los amantes en uno de sus encuentros. Hesíodo cuenta que el suceso fue motivo de gran algarabía en el Olimpo, pues Hefesto llamó a todos los demás dioses olímpicos para burlarse de ellos; es más, Hermes, el Argifonte, el mensajero de los dioses comentó que no le habría importado sentir tal vergüenza. Hefesto no los liberó hasta que prometieran terminar su romance, pero ambos escaparon tan pronto como levantó la red y no mantuvieron su promesa.

Según algunos autores, su desgraciado matrimonio con Afrodita fue lo que le impulsó a asaltar a Atenea cuando ésta acudió a él por nuevas armas (véase más abajo).

Prometeo [editar]

Prometeo había creado al ser humano a semejanza de los dioses, pero tardó tanto que no le quedó con qué protegerlo. Apiadándose de su indefensa creación, robó el fuego del Olimpo para que la humanidad pudiera calentarse. Según algunas versiones, Prometeo robó el fuego del carro de Helios (en la mitología posterior, de Apolo) o de la forja de Hefesto. En otras (notablemente, el Protágoras de Platón), Prometeo robaba las artes de Hefesto y Atenea, llevándose también el fuego porque sin él no servían para nada. Obtuvo así el hombre los medios con los que ganarse la vida.

Para aplacar la furia de Zeus, Prometeo dijo a los humanos que quemasen ofrendas a los dioses, pero entonces le engañó de nuevo dándole los huesos y tendones del sacrificio en lugar de la carne. Para vengarse, Zeus ordenó a Hefesto que hiciese una mujer de arcilla llamada Pandora. Zeus le infundió vida y la envió a Prometeo, junto al ánfora que contenía todas las desgracias con las que quería castigar a la humanidad. Prometeo sospechó y no quiso tener nada que ver con Pandora por lo que fue enviada con Epimeteo, quien la desposó. Pandora terminaría abriendo la caja a pesar de las advertencias de su marido.

Zeus se enfureció al ver cómo Prometeo se libraba de Pandora, e hizo que le llevaran al monte Cáucaso, donde fue encadenado por Hefesto con la ayuda de Bía y Cratos. Envió entonces un águila para que se comiera el hígado de Prometeo. Siendo inmortal, su hígado volvía a crecerle cada día, y el águila volvía a comérselo cada noche.

La fragua de Hefesto [editar]

La fragua de Vulcano, de Velázquez (Museo del Prado, Madrid).

Según la Ilíada[6] la forja de Hefesto estaba en el monte Olimpo, pero lo habitual era situarla en el corazón volcánico de la isla egea de Lemnos. Hefesto era identificado por los griegos con los dioses-volcanes del sur de Italia Adranos y Volcanos. Escritores clásicos posteriores siguieron esta idea describiendo una forja del dios en las islas volcánicas de Lipari, cerca de Sicilia. Los colonizadores griegos de esta isla terminarían asociando la fragua de Hefesto con el Etna.

Hefesto fabricó muchos de los accesorios que lucían los dioses, y se le atribuye la forja de casi todos los objetos metálicos con poderes finamente trabajados que aparecen en la mitología griega: el casco y las sandalias aladas de Hermes, la égida de Zeus, el famoso cinturón de Afrodita, la armadura de Aquiles, las castañuelas de bronce de Heracles, el carro de Helios, el hombro de Pélope, el arco y las flechas de Eros, el casco de invisibilidad de Hades, el collar que regaló a Harmonía y el cetro de Agamenón. Así mismo también era el forjador de los rayos de Zeus.

Criaturas [editar]

Hefesto también creó diversas criaturas:

  • Según algunas fuentes, Talos, el gigante de bronce que Zeus dio a Europa para que fuese el guardián de Creta. Curiosamente, otros afirmaban que era Hefesto el hijo de Talos, que éste era hijo de Cres (o el último de una generación de hombres de bronce, surgidos de los fresnos). Pero, como señalaba Pausanias, «las leyendas de Grecia suelen tener diferentes formas, lo que es particularmente cierto en la genealogía.»
  • Las Kourai Khryseai (Κουραι Χρυσεαι, ‘doncellas doradas’) eran dos autómatas de oro con la apariencia de jóvenes mujeres vivas. Se decía que poseían inteligencia, fuerza y el don del habla.[6] Atendían a Hefesto en su palacio del Olimpo.
  • La primera mujer, Pandora.

Ayudantes [editar]

Hefesto trabajaba ayudado por:

  • Cedalión era aprendiz en la forja de la isla de Lemnos. Allí llegó el gigante Orión tras haber sido cegado por Enopión como castigo por violar a una de sus hijas. Hefesto se apiadó de él y le dio a Cedalión para que le sirviera de lazarillo sentado en su hombro.
  • Dos Cabiros, Alcón y Eurimedón, hijos gemelos de Hefesto, ayudaban a su padre en la forja de Lemnos. Análogamente, los Palicos, también sus hijos gemelos, le ayudaban en la forja de Sicilia.
  • Los tres Cíclopes inmortales y sus hijos trabajaban en la fragua de Hefesto en la isla Vulcano (cerca de Sicilia).
  • Las Kourai Khryseai (ver más arriba).

Consortes y descendencia [editar]

A pesar de estar casado con Afrodita, Hefesto no tuvo descendencia con ella, salvo que Virgilio hablase en serio cuando afirmaba que Eros era su hijo.[7]

Aglaya [editar]

En la Ilíada[8] de Homero la consorte de Hefesto era Caris, y Hesíodo afirmaba que era la más joven de las tres Cárites[9] Aglaya, ‘la gloriosa’. Según la tradición órfica, fueron padres de:

  • Eucleia (Ευκλεια), diosa de la buena reputación y la gloria.
  • Eufeme (Ευφημη), diosa del correcto discurso.
  • Eutenia (Ευθηνια), diosa de la prosperidad y la plenitud.
  • Filofrósine (Φιλοφροσυνη), diosa de la amabilidad y la bienvenida.

Atenea y Erictonio [editar]

Templo de Hefesto en Atenas (Grecia).

Según Apolodoro, Hefesto intentó violar a Atenea pero no lo logró. Su semen cayó al suelo, y así Gea engendró a Erictonio, uno de los reyes de Atenas. Atenea crió entonces al bebé como una madre adoptiva. Alternativamente, el semen cayó en la pierna de Atenea, y ésta lo limpió con un trozo de lana que tiró al suelo, surgiendo entonces Erictonio de la tierra y la lana. Aún otra versión dice que Hefesto quería que Atenea se casase con él, pero que desapareció en el lecho nupcial, y Hefesto terminó eyaculando en el suelo.

Higino propuso una etimología, según la cual Erictonio procede del ‘conflicto’ (Eri-) entre Atenea y Hefesto, y ‘de la Tierra’ (-ctonio). Algunos autores sugieren que una Atenea más antigua y menos virginal se oculta tras esta retorcida reelaboración del mito.

En cualquier caso, hay un Templo de Hefesto (llamado «Hefesteo» o también «Teseo») situado a los pies de la Acrópolis, cerca del ágora de la ciudad.

Se decía que Erictonio creó los carros para ocultar la deformidad de las piernas de Hefesto.

Otros descendientes [editar]

Inmortales [editar]

A veces se consideraba a Hefesto padre con Etna de los Palicos, los daimones ctónicos de los géiseres y los manantiales de aguas termales de la región de Palacia (Sicilia).

Hefesto estaba de algún modo conectado con la arcaica religión mistérica frigia y tracia de los Cabiros, que eran llamados los Hephaistoi (‘hombres de Hefesto’) en Lemnos. Éstos, hijos de Hefesto con la ninfa Cabiro, eran daimones que moraban en la isla de Samotracia (mar Egeo) junto con sus hermanas, las ninfas Cabírides.

También se cuenta entre su descendencia a Talía, la ninfa siciliana a la que amó Zeus.

Mortales [editar]

Hefesto fue también padre de los siguientes mortales:

Higino nombra también a Filoto y Espínter entre los hijos de Hefesto, sin dar más detalles.[10]

Notas [editar]

  1. Hesíodo, Teogonía 929.
  2. Homero, Ilíada i.578.
  3. Homero, Ilíada xviii.395.
  4. Homero, Ilíada i.590.
  5. Higino, Fábulas 166.
  6. a b Homero, Ilíada xviii.136.
  7. Virgilio, Eneida i.664.
  8. Homero, Ilíada xviii.382.
  9. Hesíodo, Teogonía 945.
  10. Higino, Fábulas 158.

Véase también [editar]

Enlaces externos [editar]

MITOLOGÍA: CRONO. En la mitología griega, Crono (en griego antiguo Κρόνος Krónos, transliterado también Cronus y Kronos) era el líder y —en algunos mitos— el más joven de la primera generación de Titanes, descendientes divinos de Gea, la tierra, y Urano, el cielo. Crono derrocó a su padre y gobernó durante la mitológica edad dorada, hasta que fue derrocado por sus propios hijos, Zeus, Hades y Poseidón, y encerrado en el Tártaro[1] o enviado a gobernar el paraíso de los Campos Elíseos.

Crono

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Chrono Trigger


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Obtenido de http://www.videogame-reviews.co.uk/articles/top-10-greatest-rpgs/

«Cronos» redirige aquí. Para otras acepciones, véase Cronos (desambiguación).
Rea entrega a Crono una piedra envuelta en pañales. Bajorrelieve romano.

En la mitología griega, Crono (en griego antiguo Κρόνος Krónos, transliterado también Cronus y Kronos) era el líder y —en algunos mitos— el más joven de la primera generación de Titanes, descendientes divinos de Gea, la tierra, y Urano, el cielo. Crono derrocó a su padre y gobernó durante la mitológica edad dorada, hasta que fue derrocado por sus propios hijos, Zeus, Hades y Poseidón, y encerrado en el Tártaro[1] o enviado a gobernar el paraíso de los Campos Elíseos.[2]

Como resultado de su asociación con la abundante y generosa edad dorada, Crono fue venerado como una deidad de la cosecha, supervisor de cultivos como el trigo, de la naturaleza, la agricultura y la progresión del tiempo en relación con los humanos en general. Se le solía representar con una hoz (normalmente de pedernal), que usaba para segar la cosecha y que también usó para castrar a su padre, Urano. En Atenas, el duodécimo día de cada mes (Hekatombaion) se celebraba una fiesta llamada Cronia en honor a Crono y para celebrar la cosecha. Crono también fue identificado en la antigüedad clásica con el dios romano Saturno.

La etimología del nombre es oscura. Podría estar relacionado con ‘astado’, sugiriendo una posible relación con el antiguo demonio indio Kroni o la deidad levantina El. En la época alejandrina y el Renacimiento hubo cierta confusión con la palabra y el concepto χρόνος Chronos (‘tiempo’), también personificado en un dios.

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En la mitología griega y los antiguos mitos [editar]

La mutilación de Urano a manos de Crono. Giorgio Vasari y Gherardi Christofano (Palazzo Vecchio, Florencia).

En los antiguos mitos griegos, Crono envidiaba el poder de su padre y gobernante del universo, Urano. Éste se había ganado la enemistad de Gea, madre de Crono y los demás Titanes, cuando escondió a sus hijos menores, los Cíclopes, gigantes de un solo ojo, y los Hecatónquiros, gigantes de cien brazos y cincuenta cabezas en el Tártaro, para que no vieran la luz. Gea creó una gran hoz de pedernal y reunió a Crono y sus hermanos para convencerles de que matasen a Urano. Sólo Crono estuvo dispuesto a cumplir sus deseos, así que Gea le dio la hoz y le hizo tender una emboscada. Cuando Urano se encontró con Gea, Crono le atacó con la hoz y le castró. De la sangre (o, según algunas pocas fuentes, del semen) que salpicó en la Tierra, surgieron los primeros indicios de vida. Crono arrojó al mar la hoz (que dio origen a la isla de Corfú) y el miembro amputado de Urano, que produjo una espuma de la que nacería Afrodita. Por esto, Urano juró venganza y llamó a sus hijos titanes (‘los que abusan’, según Hesíodo la fuente del nombre «Titán», pero esta etimología es discutible) por exceder sus límites y osar cometer tal acto.

En una versión alternativa, un Crono más benévolo derrocó a Ofión, el malvado Titán serpiente. Al hacerlo liberó al mundo de su esclavitud y por un tiempo gobernó justamente.

Tras derrotar a Urano, Crono volvió a encerrar en el Tártaro a los Hecatónquiros y los Cíclopes, a quienes temía, y los dejó bajo la custodia de la monstruosa carcelera Campe. Subió al trono junto a su hermana Rea como reyes de los dioses. Esta época del reinado de Crono se denominó la edad dorada, pues la gente de entonces no necesitaba leyes ni reglas: todos hacían lo correcto y no existía la inmoralidad.

Crono supo de Gea y Urano, poseedores del conocimiento del porvenir, que estaba destinado a ser derrocado por uno de sus propios hijos. Por ello, aunque fue padre con Rea de los dioses Deméter, Hera, Hades, Hestia y Poseidón, se los tragaba tan pronto como nacían. Cuando iban a nacer su sexto hijo, Zeus, Rea pidió a Gea que urdiese un plan para salvarlos y que así finalmente Crono tuviese el justo castigo a sus actos contra su padre y sus propios hijos. Rea dio a luz en secreto a Zeus en la isla de Creta y entregó a Crono una piedra envuelta en pañales, también conocida como Ónfalos, que éste tragó en seguida sin desconfiar creyendo que era su hijo.

Rea mantuvo oculto a Zeus en una cueva del monte Ida en Creta. Según diversas versiones de esta historia, Zeus fue criado:

  • Por una cabra llamada Amaltea, mientras una compañía de Curetes o Coribantes, bailarines armados, gritaban y daban palmadas para hacer ruido y que así Crono no oyese los llantos del niño.
  • Por una ninfa llamada Adamantea, que escondió al niño colgándolo con una cuerda de un árbol de forma que quedara suspendido entre la tierra, el mar y el cielo, sobre los que gobernaba su padre, Crono.
  • Por su abuela Gea.
  • Por una ninfa llamada Cinosura, a quien en agradecimiento Zeus subió entre las estrellas tras su muerte.
  • Por Melisa, quien lo alimentó con leche de cabra.

Cuando hubo crecido, Zeus usó un veneno que le dio Gea para obligar a Crono a regurgitar el contenido de su estómago en orden inverso: primero la piedra, que se le dejó a Pitón bajo las cañadas del Parnaso como señal a los hombres mortales, y después al resto de sus hermanos. En algunas versiones, Metis le dio a Crono un emético para obligarle a vomitar los niños, y en otras Zeus abrió el estómago de Crono. Tras liberar a sus hermanos, Zeus liberó del Tártaro a los Hecatónquiros y los Cíclopes, quienes forjaron para él sus rayos. En una gran guerra llamada la Titanomaquia, Zeus y sus hermanos y hermanas junto con los Gigantes, Hecatónquiros y Cíclopes, derrocaron a Crono y a los otros Titanes. Tras esto, muchos de los Titanes fueron encerrados en el Tártaro, si bien otros no (como Crono, Epimeteo, Menecio, Océano y Prometeo). Gea engendró al monstruo Tifón para vengar a los encarcelados Titanes, si bien Zeus terminaría venciéndolo.

Los relatos sobre el destino de Crono tras la Titanomaquia difieren. En la tradición homérica y hesiódica, fue encarcelado con los demás Titanes en el Tártaro (Ilíada xiv, 274; xv, 225; Teogonía 850ss). En los poemas órficos, fue encerrado por toda la eternidad en la cueva de Nix.[cita requerida] Una interpolación en Trabajos y días (169b-e ó 173a-e según las ediciones) indica que Crono fue luego liberado por voluntad de Zeus, y que desde entonces fue rey de las islas de los Bienaventurados.[3] Píndaro muestra la influencia de esta versión en algunos versos (Olímpica II, 70ss). También describe su liberación del Tártaro, siendo entonces coronado rey del Elíseo por Zeus.[cita requerida]

Crono es mencionado de nuevo en los Oráculos sibilinos, particularmente en el libro III, donde Crono, Titán y Jápeto, los tres hijos de Urano y Gea, reciben cada uno un tercio de la Tierra, y Crono es nombrado rey de todos. Tras la muerte de Urano, los hijos de Titán intentan destruir a la descendencia masculina de Crono y Rea tan pronto como nacen, pero en Dódona Rea da a luz en secreto a sus hijos Zeus, Poseidón y Hades, enviándolos a Frigia para ser criados al cuidado de tres cretenses. Tras saber de esto, sesenta hombres de Titán encarcelan a Crono y Rea, provocando que sus hijos declaren y libren la primera de todas las guerras contra ellos. Esta versión no menciona nada de la muerte de Urano a manos de Crono o del intento de matar a ninguno de sus hijos.

El Crono fenicio [editar]

Una versión atribuida por Eusebio al semilegendario historiador fenicio anterior a la Guerra de Troya, Sanconiatón, señala que Crono fue originalmente un gobernante cananita que fundó Biblos y fue posteriormente deificado. Esta versión da como nombre alternativo Elus o Ilus, y afirma que en 32.º año de su reinado, emasculó, asesinó y deificó a su padre Epigeo o Autoctón «a quien más tarde llamaron Urano». También afirma que tras la invención de los barcos, Crono, visitando el «mundo inhabitable», legó el Ática a su propia hija Atenea y Egipto a Tot, el hijo de Misor e inventor de la escritura.[4]

Para las colonias fenicias del Mediterráneo occidental, los templos dedicados a Moloch fueron convirtiéndose en templos a Cronos y posteriormente, con la conquista romana, en templos a Saturno.

Consortes y descendencia [editar]

En la mitología romana y la cultura posterior [editar]

Mientras los griegos consideraban a Crono una fuerza de caos y desorden, creyendo que los dioses olímpicos habían traído una época de paz y orden al arrebatar el poder a los primitivos y malvados Titanes, los romanos tenían una visión más positiva de este dios. Aunque la deidad romana Saturno se fundía fuertemente con Crono, los romanos favorecieron a Saturno mucho más que los griegos a Crono. Mientras Crono era considerado por los griegos un dios cruel y tempestuoso, su naturaleza se hizo más inocua bajo la influencia romana, con su asociación con la edad dorada haciendo que finalmente se convirtiera en el dios del «tiempo humano», es decir, los calendarios, las estaciones y las cosechas (aunque no debe ser confundido con Chronos, la personificación sin relación alguna del tiempo en general). Mientras los griegos desatendían a Crono en gran medida, considerándole una mera etapa intermedia entre Urano y Zeus, fue un aspecto mucho más importante de la mitología y la religión romanas: la Saturnalia fue una fiesta celebrada en su honor, y existió al menos un templo a él dedicado en la antigua monarquía romana.

Debido a la abundancia de ciudades aisladas en las épocas antigua y clásica, se desarrollaron numerosos mitos y se adaptaron a las regiones locales. A medida que la tecnología permitió que las culturas de ascendencia común se reuniesen, la gente hizo adaptaciones para crear un panteón o entendimiento unificado del universo.

Como resultado de la importancia de Crono para los romanos, su variante romana, Saturno, ha tenido una gran influencia en la cultura occidental. De acuerdo con la tradición de Oriente Próximo, el séptimo día de la semana judeocristiana también se llamaba en latín Dies Saturni (‘Día de Saturno’), en lo que supone la fuente del nombre de este día en idiomas como el inglés (Saturday). En astronomía, el planeta Saturno se llama así debido a la influencia romana: era considerado el séptimo y más externo de los objetos celestes visibles sin ayuda.

Notas [editar]

  1. Según la Ilíada de Homero y la Teogonía de Hesíodo.
  2. Según las Odas de Píndaro.
  3. Esta variante mítica es, al menos, posterior a Hesíodo. Cf. Mazón, Hésiode Théogonie; Les travaux et les jours; Le bouclier, p. 92, n. 1. Desde el punto de vista de la transmisión, el pasaje solo está presente en papiros, y ya Proclo los consideró espúreos. Cf. Paola Vianello de Córdova, Trabajos y días, p. CLXVI nota a 173a-e. Verdenius los considera también como interpolación (A commentary to Hesiod, Works and Days, vv 1-382, p. 103 comm. a 169.
  4. Eusebio de Cesarea, Praeparatio Evangelica i.10.

Véase también [editar]

Enlaces externos [editar]

RELIGIÓN Y RELIGIONES3: PERIPLO POR LA HISTORIA. GRECIA. DIOSES GRIEGOS: ¿QUÉ RELIGIÓN LE GUSTARÍA ENTRE LAS MUCHAS QUE HAY?. En la mitología griega, los dioses olímpicos eran los principales dioses del panteón griego, que moraban en la cima del monte Olimpo, el más alto de Grecia. Hubo, en diferentes épocas, catorce dioses diferentes reconocidos como olímpicos, aunque nunca más de doce a la vez. De ahí que a veces se haga referencia a ellos como los doce olímpicos.

Dioses Griegos

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En la mitología griega, los dioses olímpicos eran los principales dioses del panteón griego, que moraban en la cima del monte Olimpo, el más alto de Grecia. Hubo, en diferentes épocas, catorce dioses diferentes reconocidos como olímpicos, aunque nunca más de doce a la vez. De ahí que a veces se haga referencia a ellos como los doce olímpicos.

Los ayudantes de los dioses olímpicos, detalle de un bajorrelieve, sarcófago griego, c. 240 a. C. (Museo de Vallecas).

Zeus, Hera, Poseidón, Ares, Hermes, Hefesto, Afrodita, Atenea, Apolo y Artemisa son siempre considerados dioses olímpicos. Hestia, Deméter, Dioniso y Hades son los dioses variables que completaban la docena. Perséfone pasaba tres meses al año en el inframundo (provocando así el invierno) y se le permitía volver al Olimpo los otros seis meses para poder estar con su madre, Deméter. Y, aunque Hades siempre fue uno de los principales dioses griegos, su morada en el mundo subterráneo de los muertos hacía su relación con los olímpicos más delicada.

Los olímpicos ganaron su supremacía en el mundo de los dioses gracias a que Zeus llevó a sus hermanos a la victoria en la guerra contra los Titanes. Zeus, Poseidón, Deméter, Hestia, Hades y Hera eran hermanos, y esta última era también la esposa de Zeus. Todos los demás olímpicos son normalmente considerados hijos de Zeus: Ares y Hefesto con Hera, Artemisa y Apolo con Leto, Afrodita con Dione, Hermes con Maia, Dioniso con la mortal Sémele y Atenea con Metis, aunque a veces se considera que esta última nació sólo de Zeus y, como venganza, Hera engendró sola a Hefesto. Cuando Afrodita no es incluida entre los olímpicos, se considera que nació de la espuma provocada en el mar (el dios Ponto) por la sangre que derramó Crono al castrar a Urano, su padre.

Árbol genealógico de los dioses olímpicos. En los casos de Afrodita, Ares, Dioniso, Atenea, Hefesto y Urano existen otras versiones acerca de su genealogía; para este gráfico se ha tomado como modelo la versión de la Teogonía de Hesíodo. En azul, los que siempre se consideran olímpicos, en amarillo los variables, y en negro, los demás personajes. La línea continua indica relación ‘padre-hijo’ y la discontinua ‘pareja’.[1]
  • Zeus es el dios del cielo y el rayo, es el de mayor rango y el más poderoso, regidor del monte Olimpo.
  • Poseidón controla los mares y océanos, provoca los terremotos.
  • Hades es el dios del inframundo y de los muertos sobre los que el reina.
  • Atenea es la diosa de la sabiduría, la educación y la guerra; es la protectora de los héroes y patrona de los artesanos.
  • Ares es el dios de la guerra, la crueldad y del asesinato.
  • Artemisa es la diosa de la caza, la fertilidad, los animales, la castidad y las amazonas.
  • Hefesto es el dios del fuego, la fragua, el trabajo manual, los artesanos y las armas.
  • Apolo es el dios de la danza, las artes, la música, la arquería, la prudencia, las profecías, la medicina y la belleza masculina.
  • Hermes es el dios mensajero; también de la orientación, los viajeros, los pastores, los ladrones, el consuelo, las reuniones y el guía de las almas al Inframundo.
  • Afrodita es la diosa del amor, la belleza femenina y la atracción sexual.
  • Hera es la consorte de Zeus, reina de los dioses, la diosa del matrimonio y la fidelidad.
  • Hestia es la diosa del fuego, del hogar y la familia.
  • Deméter es la diosa de la tierra, las flores y las plantas, la comida, y la agricultura.
  • Dioniso es el dios más joven del panteón, y el dios del vino, la naturaleza en estado salvaje y la sexualidad abierta.
  • Crono es el Titán de los tiempos humanos, el calendario, las estaciones, etc. (no confundir con Khronos). Es el padre de Zeus, Poseidón y Hades, pero estos le derrotaron arrojándole en pedazos al Tartaro junto a los otros Titanes, para gobernar en el Olimpo

Hechos dignos de mención:

  • Artemisa es a menudo asociada con la luna, aunque Selene es la diosa de la luna.
  • Apolo es a menudo asociado con el sol, aunque Helios es el dios del sol.

Véase también [editar]

Referencias [editar]

  1. Martin, René (2004). Diccionario de Mitología Clásica. Espasa Calpe. ISBN 84-670-1536-5.

Enlaces externos [editar]

MÚSICA3: WISIN Y YANDEL. SOLO TU. Wisin & Yandel son un dúo puertorriqueño de reggaeton, que consiste en Llandel Veguilla Malavé Salazar (Yandel) y Juan Luis Morera Luna (Wisin). Comenzaron su carrera en 1997 en el disco NO Fear 3 y han estado juntos desde entonces, ganando varios premios durante ese tiempo.

Wisin & Yandel

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Wisin & Yandel.
Información personal
Nombre realWisin: Juan Luis Morera
Yandel: Llandel Veguilla Malavé
NacimientoWisin: 19 de diciembre de 1978
Yandel: 14 de enero de 1977
OrigenBandera de Puerto Rico Cayey, Puerto Rico
Cónyuge(s)Wisin: Yomaira
Yandel: Edneris
Hijo(s)Wisin: Yelena y Dylan
Yandel: Adrian y Derek
Ocupación(es)Cantantes
Información artística
AliasDoble U (W)"
"I Griega (Y)"
W con Yandel
"Los Extraterrestres"
Los Revolucionarios
Género(s)Reggaeton
R&B
Pop
Electroflow
Instrumento(s)voz
Período de actividad1998– presente
Discográfica(s)WY Records
Machete Music
Universal Music Group
Artistas relacionadosFranco "El Gorila"
Jayko
Gadiel y Tico
Jowell & Randy
Yomo
Nelly Furtado
Luis Fonsi
Enrique Iglesias
Ednita Nazario
Ivy Queen
Yaviah
50 Cent
T-Pain
Alexis & Fido
Cosculluela
Tego Calderon
Aventura
Web
Sitio webwww.wisinyandelpr.com
Miembros
Juan Luis Morera (Wisin)
Llandel Veguilla (
Yandel)

Wisin & Yandel son un dúo puertorriqueño de reggaeton, que consiste en Llandel Veguilla Malavé Salazar (Yandel) y Juan Luis Morera Luna (Wisin). Comenzaron su carrera en 1997 en el disco NO Fear 3 y han estado juntos desde entonces, ganando varios premios durante ese tiempo.

Han colaborado con artistas como R. Kelly, Lenny Kravitz, Don Omar, Nelly Furtado, Tony Dize, Franco "El Gorilla", Franco De Vita, Akon, 50 Cent, Aventura, David Bisbal, T-Pain, Enrique Iglesias, Daddy Yankee, Alexis & Fido .

Contenido

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Discografía

Álbumes De Estudio

Álbumes Con WY Records

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Wisin Yandel


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HISTORIA6: LA CAZA DE BRUJAS. La caza de brujas es la búsqueda de brujas o evidencias de brujería, que llevaba a acusar a la persona afectada de brujería, a un juicio y finalmente a una condena. Muchas culturas, tanto antiguas como modernas, han reaccionado de forma puntual a las acusaciones de brujería con miedo supersticioso y han castigado, o incluso asesinado, a los presuntos o presuntas practicantes. Investigaciones recientes muestran que frecuentemente se sospechaba de brujería en mujeres viejas y en los socialmente más débiles. A menudo bastaban rumores o denuncias para poner en marcha la maquinaria judicial, que llevaba a conseguir confesiones falsas a través de la tortura.

Caza de brujas

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Para la persecución de intelectuales y políticos en EE.UU. durante la década de 1950, véase Macarthismo.
Hoja relatando la quema de una bruja que en 1531, con ayuda del Demonio, quemó la ciudad de Schiltach.

La caza de brujas es la búsqueda de brujas o evidencias de brujería, que llevaba a acusar a la persona afectada de brujería, a un juicio y finalmente a una condena. Muchas culturas, tanto antiguas como modernas, han reaccionado de forma puntual a las acusaciones de brujería con miedo supersticioso y han castigado, o incluso asesinado, a los presuntos o presuntas practicantes.

La caza de brujas como fenómeno generalizado es característica de la Europa Central a inicios de la Época Moderna. Base para la persecución masiva de mujeres (puntualmente también menores y hombres e incluso animales) por la Iglesia y sobre todo por la justicia civil, fue la idea, extendida entre teólogos y juristas, de una conspiración del Demonio para acabar con la Cristiandad.

Las cazas de brujas todavía ocurren en la actualidad y suelen clasificarse dentro del llamado pánico moral. De forma general, el término ha llegado a denotar la persecución de un enemigo percibido (habitualmente un grupo social no conformista) de forma extremadamente sesgada e independiente de la inocencia o culpabilidad real.

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Antecedentes [editar]

La Antigüedad [editar]

La creencia en magos se puede documentar en las grandes culturas del pasado. Las artes mágicas eran observadas de cerca en la época y a menudo se temía que fueran magia negra. Tanto en el Código de Hammurabi (la prueba del agua) de Babilonia como en el Antiguo Egipto se castigaba a los magos. Sin embargo nunca llegó a una persecución masiva de presuntas brujas, como se realizaría más tarde a comienzos de la Época Moderna.

La Biblia, sobre todo el Antiguo Testamento, prohíbe la magia: «No realizaréis adivinación ni magia» (Levítico 19,26; Deuteronomio 10,10). Además llama a la persecución de la magia: «Los magos no los dejarás vivir» (Éxodo 22,17). Esta formulación fue traducida, de forma gramaticalmente correcta, más tarde por Lutero como «Las magas no las dejarás vivir». Pero brujas, en el sentido moderno, no aparecen en la Biblia, lo que no evitó que los teóricos de la brujería usaran estas menciones como prueba de su existencia y para su condena.

En otros lugares de la Biblia, encuentros con magos y adivinadores se relatan de forma algo más positiva. El rey Saúl busca consejo en la Bruja de Endor (I Samuel 28,5-25), a pesar de que él mismo había prohibido la adivinación, por su desesperación ante los filisteos. En cambio, los Reyes Magos que rinden homenaje al niño Jesús (Evangelio de Mateo 2,1-2), no son realmente hechiceros o adivinos; el original griego utiliza la palabra magi, que en ese entonces designaba más bien a sabios y científicos, más que a brujos.

La Iglesia primitiva en general no participa de estas persecuciones. Sin embargo existen casos aislados, como el martirio de la filósofa neoplatónica Hipatia por una turba cristiana en el año 415, confundida en su ignorancia ante los vastos conocimientos de la filósofa[cita requerida]. Este hecho fue condenado oficialmente por la Iglesia como una gran vergüenza. No había entonces una persecución explícita, aunque ya la Iglesia primitiva rechazaba las prácticas y el pensamiento de las brujas como una superstición (Canon episcopi).

La Edad Media [editar]

Los germanos antes de su conversión al cristianismo conocían la quema de los magos que realizaban encantamientos perjudiciales. Sin embargo en la Baja Edad Media carolingia no hubo caza de brujas. De hecho, el Concilio de Paderborn del año 785 castigaba tanto la creencia en brujas como su persecución:[1]

Quien, cegado por el Demonio, cree como los paganos que alguien es una bruja y come a personas, y la queme por ello o deja comer su carne por otros, será castigado a pena de muerte.

Carlomagno lo validó con una ley, probablemente relacionada con las prácticas paganas de los sajones contra las que el rey luchaba en la década de los años 80 del siglo VIII.

En Alemania, las primeras pruebas de la existencia de la palabra bruja, Hexe, aparecen en los Frevelbüchern (leyes) de la ciudad de Schaffhausen de finales del siglo XIV (1368/87) como ha demostrado Oliver Landolt. En Lucerna aparece la palabra por primera vez en 1402.

Inquisición [editar]

Las primeras condenas de brujas se realizan en el siglo XIII, con la aparición de la Inquisición, cuya actividad principal no es la brujería, sino los herejes.

La brujería no resultaba inicialmente un peligro tan grande como las demás herejías medievales. La cuestión aparece aclarada en las instrucciones del Papa Alejandro IV del 20 de enero de 1260 a los inquisidores, de forma que las brujas no deben ser perseguidas de forma activa, sino sólo bajo denuncia. Los procesos contra brujas deberán ser relegados sin falta tiempo: la lucha contra las herejías tiene prioridad. Más tarde, la Inquisición incluso condenaría los procesos a brujas.

La caza de brujas en la Europa moderna [editar]

La llamada caza de brujas por excelencia se realizó a comienzos de la Época Moderna sobre todo en Europa Central. Se basaban en la denuncia a supuestos seguidores de la llamada ciencia de las brujas. En la persecución de 1450 – 1750 (con un máximo entre 1550 y 1650) se trataba sólo en parte de una acción eclesiástica contra la herejía, principalmente se trataba de un fenómeno de histeria colectiva contra la magia y la brujería, que convirtió la magia en un delito y tuvo como consecuencia recriminaciones, denuncias, procesos públicos en masa y ejecuciones.

Investigaciones recientes muestran que frecuentemente se sospechaba de brujería en mujeres viejas y en los socialmente más débiles. A menudo bastaban rumores o denuncias para poner en marcha la maquinaria judicial, que llevaba a conseguir confesiones falsas a través de la tortura.

De parte de las iglesias católica y protestante hubo críticas aisladas a la caza de brujas: Johannes Brenz, Johann Matthäus Meyfart, Anton Praetorius, Friedrich von Spee.

La imagen de la bruja [editar]

A finales de la Edad Media empezó a configurarse una nueva imagen de la bruja, que tiene su principal origen en la asociación de la brujería con el culto al Diablo (demoniolatría) y, por lo tanto, con la idolatría (adoración de dioses) y la herejía (desviación de la ortodoxia). Si en fechas anteriores los principales interesados en el castigo de los delitos de brujería habían sido los propios convecinos de las brujas, que sufrían directamente sus supuestas acciones maléficas, una vez que se estableció la relación de la brujería con el culto diabólico pasó a ser un asunto de interés directo tanto para la Iglesia, encargada de mantener la ortodoxia, como para las autoridades civiles.

Aunque el primer proceso por brujería en que están documentadas acusaciones de asociación con el Diablo tuvo lugar en Kilkenny, Irlanda, en 1324-1325,[2] solo hacia 1420-1430 puede considerarse suficientemente consolidada la imagen de la bruja presente en la inmensa mayoría de las "cazas de brujas" de la Edad Moderna en Europa. Aunque existen variantes regionales, pueden ser descritas una serie de características básicas, reiteradas tanto en las actas de los juicios como en la abundante literatura culta sobre el tema que se escribió en Europa durante los siglos XV, XVI y XVII.

Se atribuía a los acusados de brujería un pacto con el diablo. Se creía que al concluir el pacto, el Diablo marcaba el cuerpo de la bruja, y que una inspección detenida del mismo podía permitir su identificación como hechicera.[3] Mediante el pacto, la bruja se comprometía a rendir culto al Diablo a cambio de la adquisición de algunos poderes sobrenaturales. Entre estos poderes estaba, lógicamente, la capacidad de causar maleficios de diferentes tipos, que podían afectar tanto a las personas como a elementos de la naturaleza; en numerosas ocasiones, junto a estos supuestos poderes se consideraba también a las brujas capaces de volar (en palos, animales, demonios o con ayuda de ungüentos), e incluso el de transformarse en animales (preferentemente lobos). No todos los teólogos de la época creyeron en la realidad física de los vuelos y metamorfosis de brujas: algunos los atribuían a ilusiones o ensueños inducidos por el Diablo.

Según estas creencias, las brujas acudían en determinadas fechas a reuniones nocturnas denominadas "aquelarres", o más generalmente "sabbats", a las que se desplazaban en ocasiones por medios ordinarios y otras veces de forma sobrenatural. En los aquelarres tenían lugar ceremonias que eran básicamente una inversión sacrílega de aspectos de la liturgia cristiana, reinaba la promiscuidad sexual, y se realizaban actividades repulsivas (las acusaciones más frecuentes eran las de infanticidio y canibalismo infantil). El Diablo (descrito de muy diferentes formas: a veces con forma humana, pero también frecuentemente de macho cabrío u otro animal), era adorado por las brujas (con ceremonias como el llamado "osculum infame"), y a veces se unía sexualmente a ellas.

No todos los sospechosos de brujería eran mujeres (hubo un significativo porcentaje de hombres procesados y ejecutados por delitos de brujería), pero se consideraba a la mujer más inclinada al pecado, más receptiva a la influencia del Demonio, y, por tanto, más proclive a convertirse en bruja. El concepto de brujería en la Edad Moderna tiene un fuerte carácter misógino.

Este estereotipo negativo de la bruja tiene estrechos puntos de contacto con las imágenes igualmente negativas adjudicadas históricamente a herejes y a judíos. Muy revelador es el nombre de "sabbat" (el sábado hebreo) para designar las reuniones de brujas.

De gran significado era la idea de una confabulación de brujas. De la transformación de prejuicios que se había tendido contra los judíos durante siglos, se formó la imagen de una «Synagoga Satanae», Sinagoga de Satanás, que más tarde se llamaría sabat de las brujas o aquelarre. Se pensaba que se trataba de una reunión orgiástica en la que se escarnecía a Dios y a su Iglesia. La misma existencia de la Cristiandad estaría amenazada por esta secta de brujas.

Este concepto de brujería se difundió por toda Europa mediante una serie de tratados de demonología y manuales para inquisidores que se publicaron desde finales del siglo XV hasta avanzado el siglo XVII. El primero en alcanzar gran repercusión, gracias a la reciente invención de la imprenta, fue el Malleus Maleficarum ("Martillo de las brujas", en latín), un tratado filosófico-escolástico desapasionado y racional publicado en 1486 por dos inquisidores dominicos, Heinrich Kramer (Henricus Institoris, en latín) y Jacob Sprenger. El libro no solo afirmaba la realidad de la existencia de las brujas, conforme a la imagen antes mencionada,[4] sino que afirmaba que no creer en brujas era un delito equivalente a la herejía: «Hairesis maxima est opera maleficarum non credere» (La mayor herejía es no creer en la obra de las brujas). El Malleus llegaría a ser el manual más utilizado en la caza de brujas en los estados católicos del Sacro Imperio Romano Germánico, a pesar de que constaba en el Index de libros prohibidos por la Iglesia Católica.

Gran importancia tuvo también el Tractatus de Hereticis et Sortilegiis, publicado en 1524 por Paulus Grillandus.

La bula Summis desiderantes [editar]

La bula papal contra las brujas redactada por Heinrich Institoris en 1484 y firmada por el Papa Inocencio VIII, la Summis desiderantes, sólo tuvo una influencia duradera en los territorios católicos, pero fue apoyada y aceptada por las demás iglesias occidentales: luteranos, reformados, anglicanos y puritanos. Sólo las iglesias orientales no participaron en la caza de brujas.

La posición de Lutero frente a la caza de brujas [editar]

Lutero y Calvino estaban convencidos de la posibilidad del pacto con el Diablo, de tener sexo con el Demonio y de la magia negra, y apoyaba la persecución judicial de magos y brujas.

La afirmación del Antiguo Testamento «las magas no deberás dejarlas con vida» tenía toda validez para Lutero. La cuestión está clara en su prédica del 6 de mayo de 1526 sobre la frase en la que muestra su profundo rechazo al mal de la brujería y justifica el implacable enjuiciamiento de las mujeres sospechosas:[5]

Es una ley muy justa, que las brujas sean muertas, porque producen muchos daños, lo que ha sido ignorado hasta el presente, pueden robar leche, mantequilla y todo de una casa... Pueden encantar a niños... También pueden generar misteriosas enfermedades en la rodilla, que el cuerpo se consuma... Daños los producen a cuerpo y alma, dan pociones y encantamientos, para generar odio, amor, tormentas y destrozos en las casas, en el campo, que nadie puede curar... Las magas deben ser ajusticiadas, porque son ladronas, rompedoras de matrimonios, bandidos, asesinas... Dañan de muchas formas. Así que deben ser ajusticiadas, no sólo por los daños, sino también por que tratan con Satanás

Lutero era un claro partidario de la pena de muerte para la magia negra, con un fuerte acento misógino. En su prédica del 6 de mayo de 1526, Lutero afirma cinco veces «deben ser ajusticiadas».[6] Sin embargo, Lutero no era un cazador de brujas celoso.

Innumerables teólogos, predicadores y juristas luteranos se refirieron más tarde a las contundentes afirmaciones de Lutero. Hasta la actualidad existen referencias a la brujería y a la magia en el Pequeño Catecismo de Lutero y en Catecismo reformado de Heidelberg.

Desarrollo de los procesos [editar]

La persecución de las brujas se realizaba, al contrario que en el caso de la Inquisición, por juzgados civiles y en muchos casos por denuncias populares. Un ejemplo conocido es el de la madre de Johannes Kepler, que fue denunciada por brujería por una vecina en 1615 a causa de un disputa entre ambas. Estuvo presa más de un año, amenazada de tortura, pero fue finalmente liberada gracias a los esfuerzos del hijo.

Los procesos en caso de brujería se hacían según el siguiente sistema:

  1. Acusación. A menudo precedía a la acusación una fase de rumores que podía durar años. La acusación podía ser debida a una denuncia de una bruja que ya había sido detenida, posiblemente bajo tortura. Rara vez se permitía a las presuntas brujas una defensa.
  2. Detención. Las cárceles, en el sentido moderno, todavía no existían, por lo que se mantenía a los presos en mazmorras o torres. Las llamadas torres de brujas que todavía se conocen en muchos lugares, no eran exclusivamente para brujas, sino eran para todo tipo de prisioneros. A menudo eran simples torres de las murallas de la ciudad.
  3. Interrogatorio. Normalmente se distinguían tres fases: el interrogatorio por las buenas, el interrogatorio con explicación y muestra de los instrumentos de tortura y el interrogatorio doloroso, en la que se empleaba la tortura. En los casos de procesos a brujas, la limitación a una hora no era respetada, ya que se trataba de crimen exceptum (crímenes excepcionales), lo que exigía una dureza especial. A menudo se empleaban las empulgueras, la rueda, el potro y la bota española. Tampoco se respetaba la regla habitual de que sólo se podía torturar a un preso tres veces y, si hasta ese momento no se había producido una confesión, liberar al preso. En el Malleus maleficarum se recomendaba declarar la retoma ilegal de la tortura son pruebas nuevas como una continuación.
  4. Pruebas a las brujas. Los procesos oficiales no prevían las pruebas de brujas, de hecho estaba prohibido su uso. Sin embargo muchos tribunales en diversos lugares emplearon este elemento. La valoración de las pruebas era tan distinta como su empleo. A veces se empleaban como prueba fuerte, a veces como prueba débil. Las siguientes son las más conocidas:
    • Prueba del agua (judicium aquae, también llamada baño de la bruja), de la que existían dos variantes. Con agua caliente, la bruja debía sacar un objeto del agua hirviendo. Con agua fría, se descendía a la bruja atada a un pozo y si se hundía resultaba inocente (proceso en el que podía morir ahogada).
    • Prueba del fuego (empleada rara vez) agrupa a diversas pruebas en las que la bruja tenía que andar sobre o transportar hierro candente o meter la mano en el fuego.
    • Prueba de la aguja. Si se encontraba una marca del Demonio, se pinchaba con un hierro. Si la zona sangraba se consideraba buena señal.
    • Prueba de las lágrimas, puesto que se creía que las brujas no podían llorar.
    • Prueba del peso, porque se afirmaba que una bruja no podía pesar más de 5 kg., ya que tenía que poder flotar (prueba del agua) y volar.
  5. Confesión. A comienzos del Renacimiento, nadie podía ser juzgado sin confesión – lo que también era válido para las brujas. Pero, debido a que se ignoraban las habituales reglas durante la tortura, la probabilidad de obtener una confesión se multiplicaba enormemente con respecto a los procesos normales.
  6. Interrogatorio para obtener cómplices. Ya que según la ciencia de las brujas, las brujas debían encontrarse en aquelarres y por lo tanto una bruja debía conocer a otras. En un segundo interrogatorio se preguntaba a las acusadas por los nombres de otras brujas o brujos, a veces bajo nuevas torturas. Así se alargaba siempre más la lista de sospechosas, ya que, bajo tortura, siempre se acusaba a más personas. El resultado eran procesos en cadena.
  7. Condena.
  8. Ajusticiamiento. Al delito de brujería le correspondía muerte por fuego, es decir, la hoguera, en la que eran quemadas vivas. Como acto piadoso se consideraba el cortar la cabeza o ahogar antes o colgar un saco de pólvora al cuello.

Procesos célebres [editar]

  • En Friul, en el norte de Italia, tuvieron lugar entre los años 1575-1580, varios procesos por brujería a miembros de una secta conocida como los "benandanti", que afirmaban que, mientras dormían, sus espíritus salían a combatir contra las brujas. Los benandanti se consideraban a sí mismos buenos cristianos. Sus prácticas, sin embargo, según su principal estudioso, Carlo Ginzburg, parecen estar relacionadas con antiguos ritos de la fertilidad.

Las víctimas [editar]

El número total de víctimas de la caza de brujas no puede ser establecido de modo completamente fiable, debido a que una gran cantidad de actas de juicios se han perdido, y muchos procesos no se registraron nunca de forma oficial.

Los primeros cálculos que se hicieron eran muy exagerados, tanto porque tomaban literalmente algunas declaraciones de los cazadores de brujas en que se vanagloriaban del número de brujas que habían enviado a la muerte, como por la difusión, gracias a la literatura y luego también al cine, de una imagen del fenómeno que buscaba acentuar su carácter negativo.[7] En la actualidad existe un cierto consenso, basado en las cifras parciales de que se dispone, en que el número total de procesos en Europa para toda la Edad Moderna debió de rondar los 110.000, que habrían producido unas 60.000 ejecuciones.[8]

La cuestión de si las brujas ejecutadas eran o no culpables de los delitos de los que se les acusaba es objeto de debate. Dejando aparte el hecho de que muchos de los delitos que se les achacaban son imposibles según las leyes de la Naturaleza, es posible que cierto número de brujas sí practicaran la magia negra, tomaran parte en reuniones nocturnas y tuvieran una verdadera intención de dañar. No obstante, es muy probable que la mayoría de las víctimas fuera absolutamente inocente de practicar la magia, y su acusación respondiera únicamente al hecho de haber sido delatadas por otros procesados sometidos a tortura, o a la reacción de la comunidad ante un hecho aparentemente inexplicable.[9] Se debate actualmente hasta qué punto algunas de las actividades atribuidas a las brujas, como la asistencia a los aquelarres, tuvieron lugar en realidad, o son producto de la aplicación sistemática de la tortura a los acusados.

La inmensa mayoría de las personas procesadas por brujería fueron mujeres. En la mayoría de las regiones de Europa, la proporción de mujeres sobrepasó el 75%, y en algunas llegó incluso al 90%. Esto se explica en gran medida por el fuerte carácter misógino de muchos de los tratados sobre la brujería escritos en la época (como el antes mencionado Malleus maleficarum), que consideraban a las mujeres moralmente más débiles y presa más fácil para el Diablo. Muchas de estas mujeres eran curanderas, aunque también cocineras y comadronas, así como las encargadas de cuidar niños, fueron objeto de la caza de brujas. Gran parte de ellas eran de edad avanzada, mayores de 50 años, lo que se ajusta al estereotipo tradicional de la bruja. La mayoría de las mujeres acusadas de brujería eran solteras o viudas, y en general pertenecían a los niveles más bajos de la sociedad.

No quiere esto decir que todas las personas ejecutadas en las cazas de brujas se ajustaran a este perfil. Muchos hombres fueron también ajusticiados bajo las mismas acusaciones, y en algunas regiones (en España, por ejemplo) el número de víctimas masculinas y femeninas fue bastante parejo, y en otros (como en Rusia) los hombres fueron mayoría.

En Suiza hubo dos casos en los que se acusó y se llevó ante el juez a grupos de niños. En el primer proceso, los niños no fueron liberados hasta que intervinieron inquisidores de Roma. En el segundo, el tribunal civil obligó a los padres a elegir entre expulsar de casa a los niños y presentar un certificado de su muerte o envenenar ellos mismos a sus hijos. Parece ser que muchos padres efectivamente envenenaron a los hijos.

Sobre todo durante la Guerra de los Treinta Años (1618-1648) causó estragos la caza de brujas. La guerra, que se dirigía hacia su punto máximo, había devastado los campos, destruido las casas y decimado a la población. El hambre y las enfermedades cobraban muchas vidas. Precisamente en este tiempo de guerra, mucha gente sospechaba de brujas y las denunciaba ante tribunales.

Una de las últimas mujeres acusadas de brujería fue Anna Schnidenwind, que fue ajusticiada el 24 de abril de 1751 en Endingen am Kaiserstuhl. Posiblemente la última muerte de una bruja en territorio del Sacro Imperio fue en 1756 en Landshut. El 4 de abril de 1775 se procesó a Anna Schwegelin en la colegiata de Kempten en el Allgäu. La sentencia del príncipe abad Honorius von Schreckenstein, al que gracias a un privilegio imperial le correspondía sentenciar en temas religiosos y civiles, no se llevó a cabo por razones desconocidas. En Suiza, la última bruja, Anna Göldin, fue ajusticiada en junio de 1782.

La última muerte documentada de una bruja en Centroeuropa fue en 1793 en la el Gran Ducado de Posen. Pero aun en 1836 una presunta bruja fue sometida a la prueba del agua por los pescadores de la península de Hel. Ya que la bruja no se hundía, la ahogaron a la fuerza.

Distribución geográfica [editar]

Los territorios que sufrieron con mayor intensidad la caza de brujas fueron los sometidos a la autoridad del Sacro Imperio Romano Germánico, para los cuales se barajan cifras de entre 20.000 y 30.000 ejecuciones,[10] lo que supone un altísimo porcentaje del total (alrededor de un 40%). Dentro del Imperio, la persecución se centró fundamentalmente en los estados del sur y del oeste, en una zona de unidades políticas muy fragmentadas, que incluye lugares como Würzburg, Bamberga, Eichstätt, Württemberg y Ellwangen, entre otros. Se trata de estados de pequeño tamaño, que gozaban de una alta autonomía jurisdiccional: un ejemplo muy significativo es la Fürtspropei de Ellwangen, un territorio diminuto en el que fueron ejecutadas 400 personas solo entre los años 1611 y 1618.[11] Los estados de mayor tamaño, como Austria, Baviera o Bohemia, fueron, en cambio, bastante más moderados en la caza de brujas.[12] Un territorio del nordeste de Alemania que sufrió intensamente la persecución de la brujería fue el Ducado de Mecklemburgo, protestante, donde tuvieron lugar aproximadamente 4.000 juicios, que causaron unas 2.000 ejecuciones.[13]

La Confederación Helvética fue otro de los lugares en los que se realizó una caza de brujas particularmente intensa. Se ha calculado que dentro de sus fronteras fueron ejecutadas unas 10.000 brujas.[14] Solo en el cantón de Vaud el número de ejecuciones superó las 3.000 (se trata, además, del lugar de Europa en el que se ha constatado un porcentaje más alto de ejecuciones con respecto al total de procesados (alrededor de un 90%).

La persecución fue también muy intensa en algunos territorios que nominalmente formaban parte del Imperio, pero que en la práctica gozaban de un elevado grado de autonomía: el Ducado de Lorena, el Franco Condado y los Países Bajos. En Lorena, Nicolas Rémy envió a la muerte a 800 brujas entre 1586 y 1595, y a más de 2.000 a lo largo de toda su carrera. En los Países Bajos existen importantes diferencias entre aquella parte del territorio que estaba bajo dominio español, en la que la caza de brujas alcanzó bastante intensidad, y los Países Bajos independientes, donde se practicó con bastante más moderación.

En Francia, el número de ejecuciones, con ser elevado, fue significativamente menor que en los territorios del Imperio, aun cuando la población del país galo era solo ligeramente menor que la del Imperio. Levack sugiere una cifra de alrededor de 4.000 ejecuciones para los territorios efectivamente sometidos a la autoridad real,[15] de las cuales la mayoría tuvieron lugar en la fase inicial de la caza de brujas, durante el siglo XVI. Debe tenerse en cuenta que en Francia las zonas más afectadas por la caza de brujas fueron regiones periféricas que se distinguían también por su resistencia al centralismo de la monarquía absoluta, lo cual se ha explicado de dos formas: bien porque la caza de brujas fue un modo de consolidar el poder central, bien porque la mayor independencia de estos territorios con respecto a la autoridad estatal posibilitó una mayor libertad en la actuación de los tribunales locales.[16]

En las Islas Británicas (Inglaterra, Escocia e Irlanda) y en las colonias inglesas de América la caza de brujas conoció una intensidad bastante menor que en los territorios alemanes. Su incidencia fue bastante menor que en los territorios centroeuropeos, e incluso que en Francia. Para el conjunto de estos territorios, las cifras oscilan entre las 1.500 y las 2.500 ejecuciones. Debe destacarse, sin embargo, el caso particular de Escocia, donde hubo dos grandes cazas de brujas en los períodos 1590-1592 y 1661-1662. En Irlanda apenas hubo persecuciones. En cuanto a las colonias americanas, solo en Nueva Inglaterra puede hablarse de una auténtica caza de brujas, ya que en el resto de las colonias apenas hubo ejecuciones o no se produjeron en absoluto. La mitad de las 234 víctimas[17] en Nueva Inglaterra corresponde al año 1692, fecha de los conocidos juicios de Salem.

Para Escandinavia, Levack calculado un número total de alrededor de 5.000 procesos, de los cuales habrían resultado entre 1.700 y 2.000 ejecuciones.[18] La parte del león corresponde a Dinamarca, donde hubo, según los cálculos más fidedignos, un total de 2.000 procesos y unas 1.000 ejecuciones.[19] Bastante menor fue la cifra de ejecuciones en Suecia (unas 300), Noruega[20] (sobre 350) y Finlandia (115),[21] que en la época formaba parte de Suecia. La incidencia de la caza de brujas en Escandinavia fue bastante menor que la que tuvo en Centroeuropa; es bastante superior, en cambio, a la de los territorios británicos, si tenemos en cuenta que en los países escandinavos la población era algo menos de la mitad que en éstos.

En el este de Europa, el fenómeno de la caza de brujas fue bastante tardío (la mayor parte de los procesos tuvo lugar en el último tercio del siglo XVII y el primer cuarto del XVIII). En líneas generales, puede decirse que la mayoría de los procesos tuvo lugar en zonas fronterizas con Alemania, o con una importante población alemana. La inmensa mayoría de las cazas de brujas de los países del este de Europa se concentró en Polonia. Aunque los procesos de Polonia no están todavía bien estudiados, algunos especialistas han cifrado las ejecuciones en 10.000,[22] de las cuales la mayoría corresponden a la parte occidental del reino, con una fuerte influencia de Alemania, por lo que Levack se inclina a considerar la caza de brujas en Polonia como una extensión tardía de la alemana. En Hungría hubo un total aproximado de 1.500 procesos, de los cuales al menos 450 terminaron en ejecuciones.[23] La mayor parte de los procesos se llevaron a cabo en el siglo XVIII. En cuanto a Rusia, la persecución de la brujería parece haberse desarrollado al margen de las teorías predominantes en Europa acerca de la asociación de las brujas con el Diablo, y el número de víctimas no parece haber sido tan elevado. Algo similar ocurrió en Transilvania y en las regiones de Valaquia y Moldavia, entonces bajo el dominio del Imperio otomano. En líneas generales, puede decirse que en el Este de Europa la incidencia de la caza de brujas fue bastante menor en los territorios de religión ortodoxa. En los territorios europeos del Imperio Otomano, a excepción de los casos antes citados de Valaquia y Moldavia, no se llevaron a cabo cazas de brujas.

Si exceptuamos estos últimos, la zona de Europa en la que hubo menos ejecuciones por brujería fue la región mediterránea. Si se excluyen las regiones alpinas de lengua italiana, entre Italia, España y Portugal (incluyendo los territorios ultramarinos en América de estos últimos) la cifra es muy baja: alrededor de 500.[24] Esto no quiere decir que la brujería no se persiguiese en estos territorios: el número de procesos fue bastante elevado, pero el porcentaje de ejecuciones sobre personas encausadas fue muy bajo. Esto significa que en los países mediterráneos los procesos de brujería fue tratada con bastante templanza, a diferencia de lo que ocurrió en otros lugares de Europa. La mayoría de los delitos juzgados en España, por ejemplo, fueron castigados con penas menores. Destaca especialmente la templanza con que la Inquisición llevó a cabo estos juicios, ya que la proporción de ejecuciones en procesos juzgados por los tribunales inquisitoriales es bastante menor que la de los juzgados por tribunales civiles. Además, en España no llegaron a existir cazas masivas, con la posible excepción de los procesos de Zugarramurdi (1610), en los que fue precisamente la Inquisición la que extinguió la psicosis que se había desencandenado por la intervención de los tribunales ordinarios.

La lucha contra la caza de brujas [editar]

Las críticas a la caza de brujas comenzaron prácticamente al mismo tiempo que las persecuciones de la Édad Moderna. Al principio había sobre todo recelos por parte de los jueces y la administración por la creación de un sistema de juicios extraordinarios paralelo a los órganos jurídicos estatales.

La crítica contra la superstición que representaba la creencia en brujas apareció más tarde. Anterior a la Ilustración fue el jesuita Friedrich Spee von Langenfeld, catedrático en la Universidad Alma Ernestina en Rinteln, que escribió Cautio Criminalis en 1631. Fue el más influyente, aunque no el único, entre los que atacaron los procesos de brujas. Su libro era la respuesta a la obra estándar de la teoría de la brujería Processus juridicus contra sagas et veneficos, escrita por su colega en la universidad Hermann Goehausen en 1630.

El cura reformado Anton Praetorius, predicador en la corte del Príncipe en Birstein, se comprometió en 1597 con la causa de las brujas y abogó por su liberación. Atacó de tal forma a los torturadores que paralizó el proceso y la última presa que seguía viva fue liberada. Es el único caso documentado en el que un religioso haya conseguido paralizar un proceso y la tortura a una bruja. En las actas aparece en antiguo alemán[25] porque el cura local se ha opuesto de forma contundente que se torture a las mujeres, se ha abandonado esta vez.

Como primero cura reformado, Praetorius publicó bajo el nombre de su hijo Johannes Scultetus en 1598 el libro Von Zauberey vnd Zauberern Gründlicher Bericht (Informe exhaustivo de magia y magos) contra la locura de la caza de brujas y las torturas inhumanas. En 1602 se atrevió a poner su propio nombre en la segunda edición. En 1613 apareció la tercera edición con un prefacio escrito por él.

En 1635, el cura Johann Matthäus Meyfart, catedrático en la facultad de Teología luterana de Érfurt, se opuso a la caza de brujas y a la tortura con su libro Christliche Erinnerung, An Gewaltige Regenten, vnd Gewissenhaffte Praedicanten, wie das abscheuwliche Laster der Hexerey mit Ernst außzurotten, aber in Verfolgung desselbingen auff Cantzeln vnd in Gerichtsheusern sehr bescheidlich zu handeln sey (Recuerdo cristiano a poderosos regentes y predicadores con conciencia de como eliminar en serio la falta de la brujería, pero cuya persecución en cancillerías y juzgados debe ser manejada con modestia).

El Hochnötige Unterthanige Wemütige Klage Der Frommen Unschültigen (Muy necesaria y sumisa lamentación de los piadosos inocentes) de Hermann Löher se editó en 1676, al finalizar la ola más dura de la persecución. Es relevante porque el autor ejerció en las décadas de 1620 y 1630 como voluntario en el sistema de persecución y a través de esa experiencia llegó a oponerse a la caza de las brujas. Por ello da la visión desde dentro del proceso y las luchas de poder que lo acompañan, lo que no se encuentra en textos de otros opositores.

En 1700, cuando los procesos a brujas ya se habían hecho escasos, el estudioso de Halle Christian Thomasius publica sus escritos contra la creencia en brujas. Sin embargo, el conocido médico Friedrich Hoffmann también de Halle estaba convencido todavía a principios del siglo XVIII en la posibilidad de que brujas pudiese causar enfermedades con encantamentos, en relación a los poderes sobrenaturales que les daba el Demonio.

Historiografía [editar]

La caza de brujas ha sido tratada una y otra vez tanto en los círculos de historiadores como en los políticos.

Durante el Kulturkampf (lucha cultural) de los prusianos se acusó a la iglesia católica como única culpable de la persecución de las brujas y se daba como número de muertos 9 millones, cifra a todas luces exagerada.

Durante el Tercer Reich, la NSDAP y otros estamentos estimulaban los estudios sobre la brujería. Se intentaba convertir a las brujas en representantes de la primitiva religión germana, que había sido atacada por la Iglesia. Pero, sobre todo en las SS, se formó un núcleo de oposición, para el que las brujas eran Volksschädlinge, parásitos sociales, que habían sido eliminadas por una liga de hombres con la que se identificaban ellos mismos.

Bajo el manto del feminismo se trató el tema de forma intensa en la década de 1980. En el siglo XXI, el estudio histórico se centra principalmente en la historia local y regional del fenómeno.

La caza de brujas en la actualidad [editar]

También en regiones no cristianas o que han sido cristianizadas recientemente aparece una y otra vez la persecución de brujas, la brujería o de la magia.

Han saltado a la actualidad los casos de los niños brujos del Congo. En el norte de Sudáfrica, sobre todo en regiones de religiones tradicionales, se acusa cada año a cientos de hombres y mujeres de brujería, personas que son a menudo asesinadas por las masas enfurecidas. En Tanzania se acusa cada año a cientos de mujeres de brujería, que son asesinadas o mutiladas. El caso también se da en Kenia.[26] En algunos estados africanos existen incluso leyes específicas contra la brujería.

También se conocen casos de caza de brujas en América del Sur.

En México y en algunos otros países Latinoamericanos el término "Cacería de Brujas" se utiliza de manera coloquial y popular al referirse a la especial observación de una o varias personas con el fin de detallar sus actividades con el objetivo de mostrar alguna falla referente a alguna temática en particular, sin que esto signifique algún tipo de actividad en brujería. El uso de este término se debe a la influencia norteamericana referente al Macarthismo.

Referencias [editar]

  1. Traducción propia de la cita de Soldan/Heppe:[]er vom Teufel verblendet nach Weise der Heiden glaubt, es sei jemand eine Hexe und fresse Menschen, und diese Person deshalb verbrennt oder ihr Fleisch durch andere essen lässt, der soll mit dem Tode bestraft werden."
  2. Levack, p. 70.
  3. La creencia en la marca de la bruja se desarrolló tardíamente, a partir del siglo XVI, y fundamentalmente en el ámbito protestante (ref: Levack, p. 80)
  4. Al tratarse de un libro relativamente temprano, algunas características propias de la imagen de la bruja no están todavía reflejados en él. No hay referencias, por ejemplo, al osculum infame o a la marca del diablo (ref: Levack, p. 84)
  5. Traducción propia del original alemán: Es ist ein überaus gerechtes Gesetz, dass die Zauberinnen getötet werden, denn sie richten viel Schaden an, was bisweilen ignoriert wird, sie können nämlich Milch, Butter und alles aus einem Haus stehlen… Sie können ein Kind verzaubern… Auch können sie geheimnisvolle Krankheiten im menschlichen Knie erzeugen, dass der Körper verzehrt wird… Schaden fügen sie nämlich an Körpern und Seelen zu, sie verabreichen Tränke und Beschwörungen, um Hass hervorzurufen, Liebe, Unwetter, alle Verwüstungen im Haus, auf dem Acker, über eine Entfernung von einer Meile und mehr machen sie mit ihren Zauberpfeilen Hinkende, dass niemand heilen kann... Die Zauberinnen sollen getötet werden, weil sie Diebe sind, Ehebrecher, Räuber, Mörder… Sie schaden mannigfaltig. Also sollen sie getötet werden, nicht allein weil sie schaden, sondern auch, weil sie Umgang mit dem Satan haben.
  6. Prédica: Predigt 6. Mai 1526, WA 16, 551f.
  7. En 1786 Gottfried Christian Voigt llegó a cifrar nueve millones el número total de brujas ajusticiadas, un dato completamente irreal.
  8. Levack, p. 49
  9. Según Levack (p. 37): "La mayoría de las personas acusadas de brujería no practicó ninguna clase de magia, pero fueron acusadas de provocar daños por medios mágicos cuando alguna desgracia inexplicable golpeaba a uno de sus convecinos o cuando eran mencionadas como cómplices de otras brujas durante alguna gran caza."
  10. La cifra de 20.000 ejecuciones es la calculada por Behringer, en "Erhob sich das ganze Land". Schormann, en Hexenprozesse in Deutschland, p. 71, estima en un mínimo de 30.000 el total de procesamientos (ambos autores citados en Levack, p. 246). Levack sugiere que la cifra pudo ser aún más elevada.
  11. Levack, p. 247
  12. Levack menciona las siguientes cifras: 1.000 ejecuciones en Bohemia, 900 en Austria y unas 300 en Baviera (ref: Levack, p. 248).
  13. HEXENFORSCHUNG archives - February 2006 (#7)
  14. Levack, p. 249. Otros autores (Bader, Hexenprozesse in der Schweiz, pp. 211 ss.)cifran el total de ejecuciones en 5.417.
  15. Levack, p. 253
  16. Levack, p. 252
  17. Si bien la cifra puede parecer insignificante en comparación con la de otros territorios, debe tenerse en cuenta que la población de Nueva Inglaterra en esa época era de unas 100.000 personas, por lo cual el número de ejecuciones por habitante es bastante elevado.
  18. Levack, p. 260.
  19. Henningsen, "Witchcraft in Denmark", citado en Levack, p. 262.
  20. Uno de los casos más célebres de la caza de brujas en Noruega fue el de Anna Pederstotter Absalon, que fue quemada en Bergen en 1590. La historia de este proceso se narra, con bastantes libertades, en la película Dies irae de Carl Theodor Dreyer
  21. Estas cifras están tomadas de este informe de Rita Volmer, y coinciden, grosso modo, con las ofrecidas por Levack (pp. 260-269)
  22. Levack, p. 270
  23. Klaniczay, "Hungary", p. 222. Citado en Levack, p. 274.
  24. Levack, p. 279
  25. Traducción propia del original: „weil der Pfarrer alhie hefftig dawieder gewesen, das man die Weiber peinigte alß ist es dißmahl deßhalben underlaßen worden.“
  26. AFP (21 de mayo de 2008). «11 mujeres quemadas vivas en Kenia acusadas de brujería». ELPAIS.com. Prisacom. Consultado el 2 de mayo de 2008.

Bibliografía [editar]

  • Behringer, Wolfgang: Hexen. Glaube, Verfolgung, Vermarktung. Tercera edición. Beck, Munich 2002, ISBN 3-406-41882-1
  • Beier-de Haan, Rosmarie (Ed.) (2002) Hexenwahn - Ängste der Frühen Neuzeit. Deutsches Historisches Museum, Berlin edición en línea modificada
  • Decker, Rainer: Hexen. Magie, Mythen und die Wahrheit. Darmstadt, Ed. Primus 2004, ISBN 3-89678-247-9
  • Hammes, Manfred: Hexenwahn und Hexenprozesse. Frankfurt, S.Fischer, 1977
  • Hansen, Joseph: Quellen und Untersuchungen zur Geschichte des Hexenwahns und der Hexenforschung im Mittelalter. Mit einer Untersuchung der Geschichte des Wortes Hexe von Johannes Franck. Nachdruck Olms, Hildesheim 1963 (fuente de información básica, pero la representación del desarrollo está anticuada)
  • Levack, Brian P.: La caza de brujas en la Europa moderna. Madrid, Alianza Editorial, 1995. ISBN 84-206-2814-X.

Fuentes históricas [editar]

Ficción [editar]

Véase también [editar]

Enlaces externos [editar]

Fuentes [editar]

MÚSICA3: SHAKIRA. SI TE VAS. Shakira Isabel Mebarak Ripoll[1] (Barranquilla, Colombia; 2 de febrero de 1977), conocida como Shakira, es una cantautora y productora colombiana del género pop rock en español e inglés. En 1996 debutó con éxito en el mercado discográfico hispanoamericano después de que se publicara su álbum Pies descalzos. Su fama creció a nivel mundial cuando en el año 2001 lanzó el álbum Servicio de lavandería. La artista ha vendido al rededor de 50 millones de discos en toda su carrera discográfica.[2] Ha sido ganadora en dos ocasiones del Premio Grammy y siete veces ganadora del Grammy Latino.[3] La empresa Live Nation considera a Shakira la artista más importante de su generación por su impacto global claramente consolidado, y la ubica con este contrato dentro de los artistas más importantes del mundo. [3] Actualmente, superó los cien millones de dólares en ganancias. Según la revista Forbes, es una de las cantantes que más dinero gana.[4]

Shakira

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Shakira

Información personal
Nombre realShakira Isabel Mebarak Ripoll
Nacimiento2 de febrero de 1977 (33 años)
OrigenBandera de Colombia Barranquilla, Colombia
Ocupación(es)Cantautora, compositora, productora, arreglista, coreógrafa y bailarina
Información artística
Tipo de vozContralto
Género(s)Pop latino, pop rock, dance
Instrumento(s)Voz, guitarra, armónica y batería
Período de actividad1991 – presente
Álbum más exitosoServicio de lavandería
(2001)
Sencillo más exitosoLa tortura
(2005)
Discográfica(s)Sony BMG Music
Epic Records
Artistas relacionadosJuanes, Alejandro Sanz, Wyclef Jean, Carlos Santana, Beyoncé
Web
Sitio webwww.shakira.com

Shakira Isabel Mebarak Ripoll[1] (Barranquilla, Colombia; 2 de febrero de 1977), conocida como Shakira, es una cantautora y productora colombiana del género pop rock en español e inglés. En 1996 debutó con éxito en el mercado discográfico hispanoamericano después de que se publicara su álbum Pies descalzos. Su fama creció a nivel mundial cuando en el año 2001 lanzó el álbum Servicio de lavandería. La artista ha vendido al rededor de 50 millones de discos en toda su carrera discográfica.[2] Ha sido ganadora en dos ocasiones del Premio Grammy y siete veces ganadora del Grammy Latino.[3] La empresa Live Nation considera a Shakira la artista más importante de su generación por su impacto global claramente consolidado, y la ubica con este contrato dentro de los artistas más importantes del mundo. [3] Actualmente, superó los cien millones de dólares en ganancias. Según la revista Forbes, es una de las cantantes que más dinero gana.[4]

Contenido

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Primeros años

Shakira nació el 2 de febrero de 1977 en Barranquilla, Colombia; es hija de Nidia del Carmen Ripoll Torrado (barranquillera de ascendencia española e italiana) y William Mebarak de ascendencia libanesa. A la edad de ocho años comenzó a escribir y componer canciones.[cita requerida] Participó por primera vez en el concurso televisivo Buscando artista infantil en el año 1988 (de la cadena regional de la costa colombiana Telecaribe), concurso que ganó durante tres años consecutivos.[cita requerida]

A los diez años, Shakira fue rechazada para el coro de su escuela por su pronunciado vibrato que la hacía resaltar entre sus compañeras.

Carrera artística

Inicios

Entre los diez y los trece años, Shakira se convirtió en una celebridad local tras participar en distintos festivales.[cita requerida] Como consecuencia de ello, conoció a una productora de teatro[cita requerida], quien la ayudó a darse a conocer fuera de Barranquilla. Conoció también a un ejecutivo de Sony Colombia, quien tras una prueba decidió promover a la cantante dentro de su productora. La audición de unas cintas no convenció en principio a los dirigentes de la misma,[cita requerida] pero tras escucharla en directo, Shakira fue contratada para grabar tres álbumes.

Shakira se trasladó a Bogotá (Colombia), y con catorce años de edad lanzó su primer álbum en 1991, titulado Magia, con canciones escritas por ella misma, entre las que se destacan "Magia", "Esta noche voy contigo" y "Tus gafas oscuras", sin embargo el álbum no alcanzó el éxito esperado, vendiendo solamente mil ejemplares.[cita requerida] Su segundo disco, Peligro lanzado en 1993, fue editado por la interprete, ya con 16 años. Este segundo disco resultó ser otro fracaso para Shakira en cuanto a ventas y por ello decide tomar un receso musical para terminar sus estudios.[cita requerida]

El despegue artístico

En 1995, el sello discográfico decide lanzar al mercado un disco de éxitos de artistas colombianos. Es así como piensan en Shakira y le comentan que incluirán una canción de alguno de sus trabajos discográficos anteriores, Magia y Peligro, a lo que Shakira se niega y ofrece componer una canción especialmente para dicho disco recopilatorio. Es así como nace "¿Dónde estás corazón?", convirtiéndose en un éxito solicitado en las radios. La canción también comienza a escucharse fuera de su Colombia natal.

Es así que en 1996 publicó el disco Pies descalzos (grabado en 1995), que gracias al trabajo de producción de Luis Fernando Ochoa la convertiría en una figura en el ámbito musical hispanoamericano. Dándose a conocer con el sencillo"¿Dónde estás corazón?", canción que apareció en el recopilatorio "Nuestro rock" y que llevó a encontrar a los oyentes "Estoy aquí". Las canciones "Pies descalzos, sueños blancos", "Antología", "Un poco de amor" y "Se quiere, se mata" fueron también éxitos populares. El disco alcanzó ventas superiores a los 5 millones de ejemplares, pies descalzos sold over 5 million copies [5] que aumentaron todavía más con las remezclas de Pies descalzos. En su primer álbum de remezclas titulado The Remixes también incluyó algunas versiones en portugués de sus canciones más conocidas, y vendió alrededor de 500.000 unidades[5] a nivel mundial.

Consolidación

Shakira en uno de sus famosos movimientos de danza del vientre

Shakira graba ¿Dónde están los ladrones?, disco que fue lanzado en septiembre de 1998, con un coste de producción cercano a los tres millones de dólares estadounidenses,[cita requerida] y se estima que ha vendido hasta el momento mas de 7 millones de copias ¿dónde están los ladrones? album information extendiendo su fama a otros mercados y países como Francia, Suiza, Canadá y, especialmente, a los Estados Unidos, solo en ese país vendió más de 1 millón de ejemplares.[6] Fueron especialmente exitosos los sencillos "Ciega, sordomuda", "Inevitable" y "Ojos así"

Debido al éxito del ´´album, Shakira fue invitada por MTV en 1999 para producir su primer álbum en directo, titulado MTV Unplugged, el cual incluye todas las canciones de ¿Dónde están los ladrones? (excepto Que vuelvas).[cita requerida] Su desenchufado o unplugged fue el primero en transmitirse en los Estados Unidos siendo interpretado por una artista latina y en castellano.[cita requerida] El álbum vendió más de 5 millones de unidades a nivel mundial.[7] Fue lanzado al mercado en el año 2000.

En marzo de 2000 inició una gira de tres meses denominada Tour Anfibio, que incluyó conciertos en América Latina y los Estados Unidos. La gira comenzó en Perú y concluyó en Argentina. En agosto siguiente, ganó un MTV Video Music Award en la extinta categoría de Premio Internacional del Público con la canción "Ojos así".[cita requerida]

Incursión en el mercado anglosajón

El disco "bilingüe" Servicio de lavandería fusionó pop y rock con elementos de la música latina (por ejemplo, tango y música andina) o elementos árabes.[cita requerida] El álbum también incluyó cuatro canciones en español, entre ellas Que me quedes tú y Te dejo Madrid, las únicas que no fueron traducidas del inglés al español.[cita requerida] Aun con críticas con respecto a su adecuación a la lengua inglesa, Laundry Service fue un éxito comercial, con ventas que, paulatinamente, superarían las 13 millones de unidades en todo el mundo,[5] como se dice en la página oficial de Shakira. Fue especialmente exitoso su primer sencillo, Whenever, Wherever (su versión en español se tituló Suerte) que ocupó el número uno en las listas de éxitos de varios países, y fue número seis en el Billboard Hot 100,[8] igualmente el sencillo tuvo éxito en Europa, en países como Francia donde fue sencillo de diamante, con más de 970.000 unidades vendidas[9] o en Suiza, donde la canción se mantuvo en el primer lugar durante 17 semanas seguidas.[10] El segundo sencillo, Underneath Your Clothes, fue también exitoso en varios países de Europa, América y Asia, en Estados unidos el sencillo ocupó el puesto número 9 en el Billboard Hot 100.[8] Para los países de habla hispana lanzó Te dejo Madrid como segundo sencillo.

Meses después, Objection (Tango) (en español, Te aviso, te anuncio (tango)) se convirtió en el tercer sencillo del álbum con éxito moderado. Finalmente, para Europa y Australia se lanzó la canción The one, que no tuvo demasiada repercusión. Mientras tanto, para los países de habla hispana se lanzó Que me quedes tú.

En 2002 Shakira publicó un disco compacto con sus mayores éxitos en español hasta el momento, que contenía canciones de Pies descalzos, ¿Dónde están los ladrones?, MTV Unplugged y Servicio de lavandería y cuyo título fue simplemente Grandes éxitos. Logró ventas de más de 3,5 millones de ejemplares.[11]

El Tour de la Mangosta

Shakira en concierto

Debido al éxito de Servicio de Lavandería, entre el 2002 y 2003 se realizó el Tour de la Mangosta con el cual Shakira realizó 61 presentaciones internacionales.[cita requerida] El nombre de la gira proviene según la propia Shakira de que "La mangosta es el único animal que es inmune al veneno de la cobra. Para mí, la cobra simboliza todo el odio, enfermedad y negatividad en el mundo. Deberíamos ser más como la mangosta y atacar la cabeza de la cobra".[cita requerida] En los conciertos, haciendo referencia a esto, aparecía una proyección donde se mostraba cómo la mangosta derrotaba a la cobra.[cita requerida] El video estaba dividido en dos secciones y terminaba al final del concierto con la leyenda "Muerdan el pescuezo del odio. Maten a la muerte".

Shakira publicó en el 2004, un DVD recopliatorio como documento de esa gira, junto con un disco de audio, titulado Live & Off The Record (En vivo y en privado). El DVD contenía quince canciones en directo y un documental; y en el CD de audio sólo se incluían diez canciones. Las ventas llegaron a los 4 millones de unidades.[12]

Consolidación a nivel mundial

Las fijaciones

Shakira tardó año y medio en preparar este proyecto.[cita requerida] La decisión de sacar dos álbumes simultáneamente no estaba premeditada, sin embargo, el exceso de material compuesto le hizo tomar esta decisión.[cita requerida] Shakira considera este proyecto como su "tesis de grado".[cita requerida] Entre los dos álbumes han vendido alrededor de 12 millones de copias mundialmente, según la página oficial de la cantante.[5]

Fijación oral vol. 1

Cuatro años después del lanzamiento de Servicio de lavandería, Shakira lanzó Fijación oral vol. 1 durante el mes de junio de 2005 en Europa, Norteamérica, Australia y Latinoamérica. El álbum llegó al primer lugar de ventas en México, Colombia, Argentina, España y varios países de Latinoamérica.[cita requerida] Dentro de los Estados Unidos Fijación oral vol. 1 debutó en el número cuatro dentro del Billboard 200.[cita requerida] Hasta la fecha, el disco casi supera la cifra de 4 millones de unidades vendidas en todo el mundo según la biografía de la página oficial de Shakira.[5]

El primer sencillo se tituló La tortura con la contribución del cantante español Alejandro Sanz. La canción es básicamente pop latino pero con ciertas influencias del dance-hall jamaicano.[cita requerida] Esta canción la llevó a ocupar los primeros lugares en las listas musicales en varios países y se mantuvo durante 25 semanas consecutivas en el puesto número uno de Hot Latin Tracks de Billboard.[5] El segundo sencillo fue No, una balada que no tuvo tanta presencia internacional como su predecesora.[cita requerida] Día de enero (lanzada sólo en Latinoámerica) y La pared se convertirían en los dos siguientes sencillos. La pared fue número uno en España durante 4 semanas y Día de enero tuvo bastante éxito en Latinoamérica.[cita requerida]

En 2005, Shakira se convirtió en la primera cantante latina en interpretar un tema musical en español durante la ceremonia de los MTV Video Music Awards y en ser nominada a dichos premios por un vídeo de una canción en español.[13]

En 2006 fue galardonada con su segundo premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum Latino Rock/Alternativo (Best Latin Rock/Alternative Album).[cita requerida] En ese mismo año, ganó cuatro premios Grammy Latino por este álbum.[cita requerida]

Shakira en Rock in Rio 2006

Como tema principal de la entonces nueva campaña de automóviles SEAT, Las de la intuición empieza a sonar en España en 2007, país donde este tema se convirtió en el segundo tema más popular de Fijación oral vol. 1,[cita requerida] después de La tortura, y se mantuvo en el primer puesto de la lista de éxitos de la emisora "Los 40 Principales" durante ocho semanas no consecutivas.[cita requerida] En ciertos lugares de Europa tuvo algo de presencia su versión inglesa, Pure Intuition.[cita requerida] Fue el último single de Fijación oral vol. 1.

Fijación oral vol. 2

El 28 de noviembre de 2005, lanzó su primer álbum de estudio completamente en inglés titulado Oral Fixation Vol. 2, una continuación de Fijación oral vol. 1. Debutó en la posición número cinco en los Estados Unidos dentro del Billboard 200 pero rápidamente se hundió en el listado,[cita requerida] precipitando una re-edición seis meses más tarde.[cita requerida] Aun así el disco remontó llegando a la posición 23 como uno de los discos más vendidos del 2006 en EE.UU.[14] Hasta la fecha, según la página web oficial de Shakira, el álbum ha vendido alrededor de 8 millones de copias mundialmente.[5]

A principios de 2006, recibió la certificación de trece discos de oro de distintos países (Canadá, México, España, Argentina, Chile, India, Alemania, Austria, Italia, Portugal, Noruega, Hungría y su país natal Colombia).[15]

Su primer sencillo fue Don't Bother que logró un éxito moderado en Europa, pero no tuvo el éxito esperado en el mercado anglosajón, lo que condujo a una reedición, medio año después, que se reforzó con la adición de Hips Don't Lie a Oral Fixation Vol. 2 que fue el segundo single. En esos seis meses, no hubo ningún sencillo de Oral Fixatión Vol. 2.

Hips Don't Lie, que alcanzó gran éxito a nivel mundial convirtiéndose en la canción más descargada por Internet[16] es una canción con una mezcla de cumbia, pop latino, reggaetón, salsa y hip hop, escrita originalmente por el rapero y productor Wyclef Jean y cuyo título era "Dance Like This". Shakira decidió versionarla con ayuda del propio Jean. El sencillo se ha convertido en la canción más exitosa en inglés de Shakira. Con el lanzamiento de Hips Don't Lie como una canción extra del álbum, incrementó las ventas de Oral Fixation Vol. 2 aún más alrededor del mundo, pero especialmente en los Estados Unidos donde dio un salto de la posición número 98 a la número 6 en el Billboard 200,[16] lo que generó que se le otorgara la certificación de disco de platino el 4 de abril de 2006 al haber superado el millón de unidades vendidas en los Estados Unidos.[17]

Shakira en Madrid.

Shakira fue la elegida para cantar una versión especial de Hips Dont Lie(versión Bamboo) en la ceremonia de clausura de la Campeonato mundial de fútbol Alemania 2006, siendo ésta la primera vez en la historia que una cantante femenina latina canta en este evento.[cita requerida]

En noviembre de 2006 lanzó como último sencillo Illegal. Es una balada que cuenta con la participación de Carlos Santana.[cita requerida] Tuvo un éxito moderado en Europa y su salida como single fue cancelada en los Estados Unidos.

En noviembre del 2006 se colocó una estatua de Shakira en las afueras del estadio Metropolitano de fútbol de su ciudad natal Barranquilla, Colombia, donada por el artista de origen alemán Dieter Patt.[cita requerida]

Tour Fijación Oral

En verano de 2006 arrancó el Oral Fixation World Tour, gira que la llevó a recorrer distintos países en cinco continentes, siendo esta la más exitosa de la colombiana, quien con su Tour de la Mangosta recorrió 61 locaciones.[cita requerida] El tour fue presentado en 125 lugares alrededor del mundo,[cita requerida] en varios de los cuales rompió récords de asistencia.[cita requerida] Europa ha sido el continente en que más éxito ha cosechado esta gira,[cita requerida] gracias sobre todo a dos importantes plazas, España con 15 presentaciones y Alemania con 10.[cita requerida] En Latinoamérica, México fue el país con mayor cantidad de presentaciones (21 en total), 10 de ellas en una primera visita en 2006 y las restantes en su regreso de cierre en el 2007 dio un concierto en el Zocalo donde tuvo una audiencia de más de 210.000 personas el concierto más grande en la historia de México,[18] seguido por Colombia y Puerto Rico, con tres cada uno. La gira terminó oficialmente el 14 de julio de 2007 en Nigeria, dentro del Thisday Festival. Pero en diciembre de 2007 realizó un último concierto en Georgia, que fue gratuito.[cita requerida]

Aunque no formaba parte de la gira, Shakira se presentó en el Live Earth en Alemania, dónde interpretó cuatro canciones, una de ellas con la colaboración del músico argentino Gustavo Cerati.[cita requerida]

2007: banda sonora de El amor en los tiempos del cólera

She Wolf (2009)

"She Wolf" es el sexto álbum de estudio de Shakira, lanzado el 12 de octubre de 2009. Según las propias palabras de la cantante colombiana, el álbum es "electrónico, con mucha fusión y muy bailable". El 29 de junio de 2009 se estrenó la versión en español del primer sencillo de Shakira titulado "Loba" ("She Wolf" en inglés). Loba fue escrita por Shakira (en la versión en español colaboró Jorge Drexler) y coproducido entre la barranquillera y John Hill.[19] El 31 de julio del 2009 se estrenó el vídeo de “She Wolf” que fue dirigido por Jake Nava y grabado en LA en junio.[cita requerida]

La portada del álbum fue develada el día 9 de agosto del 2009.[20]

Vida personal

En el año 2000 comenzó a salir con Antonio de la Rúa, hijo del entonces Presidente de Argentina Fernando de la Rúa, un romance que hizo noticia en toda América Latina. En marzo de 2001, De la Rúa le propuso matrimonio. Ha habido muchos rumores sobre la pareja en los últimos años. En junio de 2007, los medios especularon que la pareja se había separado. Días antes, Shakira y Antonio fueron visto en un restaurante de Nueva York, donde negaron los rumores[21] . La futura suegra de Shakira, Inés Pertiné reveló que la boda tendría lugar en septiembre de 2007 en la mansión que Shakira tiene en la República Dominicana. También dijo que Shakira ya habia ordenado a la diseñadora argentina María Pryor diseñar su vestido de novia[22] . Todo esto fue negado por la misma Shakira en México[23] .

En septiembre de 2009 Shakira declaró en su página de Twitter "Ni nos casamos, ni nos peleamos. Estamos muy juntos y muy bien"[24] . Shakira tambien ha declarado que su relación ya funciona como una pareja casada, y que no necesitan papeles para eso[25] . Entre los intereses de Shakira está la historia mundial, y con frecuencia estudia la historia y la lengua de los países que visita[26] . Shakira es prima de la modelo y Miss Colombia 2005, Valerie Domínguez[27] .

Activismo social

Shakira y Alejandro Sanz, como miembros de ALAS se reunieron con el rey de España en la Cumbre de Presidentes de El Salvador.

Shakira también ha dedicado a la fundación que creó en 1995, llamada Pies Descalzos con el fin de ayudar a niños de Colombia y de países del tercer mundo.[cita requerida] La cantante colombiana, gracias a su labor con esta fundación fue escogida por la UNICEF como embajadora de buena voluntad.[cita requerida] En abril de 2006, Shakira recibió una mención honorífica en una ceremonia de la Organización de las Naciones Unidas por la creación de la fundación Pies Descalzos. En el acto de entrega declaró: "No olvidemos que al final de día cuando todos se vayan a casa, 960 niños habrán muerto en Latinoamérica."[cita requerida]

La marca española de automóviles SEAT se unió con Shakira para crear un auto que lleva como nombre Pies Descalzos y se subastó en 2007 entre quienes donaron dinero a la fundación.[cita requerida] También ese año la cantante colombiana participó en la iniciativa Clinton, donde ella, en nombre de los miembros de la Fundación ALAS (América Latina En Acción Solidaria), donó más de 40 millones de dólares a la gente de Perú y de Nicaragua por los hechos ocurridos en ambos países y 5 millones más para proyectos de educación en Latinoamérica.[cita requerida] Además, en mayo de 2008 participó en uno de los conciertos benéficos de la ALAS.

A principios de 2009, se inauguró la Institución Educativa y Centro Comunitario Fundación Pies Descalzos. Este está focalizado en dar una mejor educación a las personas que viven en La Playa, a las afueras de Barranquilla, los cuales son en su gran parte artesanos y pescadores. Este colegio comenzó labores el día en que Shakira cumplió 32 años.[1]

Colaboraciones

  • En 2007, colabora con su colega y amigo Alejandro Sanz, en el ábum El tren de los momentos en la canción Te lo agradezco, pero no.
  • En 2007 también participa en una canción y vídeo musical titulado Beautiful Liar para la cantante estadounidense Beyoncé, correspondiente a su álbum "B'Day". Shakira no participa en la versión en español, titulada Bello embustero.
  • En ese mismo año además colabora con el tema Si tú no vuelves para el cantante español Miguel Bosé, correspondiente a su álbum Papito.
  • Shakira colaboró junto a otras artistas, entre ellas Pink, Madonna, KT Tunstall y Joss Stone, en una canción benéfica que aparece en el disco de Annie Lennox, titulada Sing. El álbum salió a la venta en octubre de 2007.
  • También un dueto junto a Wyclef Jean titulado King and Queen. El álbum salió a la venta en diciembre de 2007.

Discografía

Artículo principal: Anexo:Discografía de Shakira

Giras musicales

Premios

Artículo principal: Premios de Shakira

Referencias

Enlaces externos

MÚSICA3: PAULINA RUBIO. NI ROSAS NI JUGUETES. Paulina Susana Rubio Dosamantes (n. Ciudad de México; 17 de junio de 1971), es una cantante y actriz mexicana que ha vendido aproximadamente más de 20 millones de discos en toda su carrera discográfica.[2] El 30 de abril de 2007, contrajo matrimonio con el empresario español Nicolás Vallejo-Nájera "Colate". Fue conocida en su país natal con la banda musical Timbiriche, en 1981, y se separó del grupo en 1991 después de haber grabado casi 10 álbumes de estudio con la banda. En 1992 lanzó La chica dorada, siendo su debut discográfico como solista con la compañía EMI Music. Tiempo después lanzó sus siguientes álbumes: 24 kilates, El tiempo es oro y Planeta Paulina, este último en grabar con EMI Music. Más tarde, Paulina Rubio se convirtió en una de las artistas mexicanas con más proyección de México.

Paulina Rubio

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Paulina Rubio
Información personal
Nombre realPaulina Susana Rubio Dosamantes
Nacimiento17 de junio de 1971 (38 años)
OrigenCiudad de México, Bandera de México México
Cónyuge(s)Nicolás Vallejo-Najera (2007-)
Información artística
Tipo de vozContralto
AliasLa chica dorada
Género(s)Pop latino, Pop, Dance, Pop-rock
Instrumento(s)Voz
Período de actividad1981 - presente
Álbum más exitosoPaulina
(2000)
Discográfica(s)EMI (1992-1999)
Universal Music (2000-)
Sony/ATV Music Publishing [1] (2009)
Artistas relacionadosJuanes, Susana Dosamantes, Timbiriche, Coti Sorokin, Thalía, Julieta Venegas, Shakira
Web
Sitio webPaulinaRubio.com

Paulina Susana Rubio Dosamantes (n. Ciudad de México; 17 de junio de 1971), es una cantante y actriz mexicana que ha vendido aproximadamente más de 20 millones de discos en toda su carrera discográfica.[2] El 30 de abril de 2007, contrajo matrimonio con el empresario español Nicolás Vallejo-Nájera "Colate".

Fue conocida en su país natal con la banda musical Timbiriche, en 1981, y se separó del grupo en 1991 después de haber grabado casi 10 álbumes de estudio con la banda. En 1992 lanzó La chica dorada, siendo su debut discográfico como solista con la compañía EMI Music. Tiempo después lanzó sus siguientes álbumes: 24 kilates, El tiempo es oro y Planeta Paulina, este último en grabar con EMI Music. Más tarde, Paulina Rubio se convirtió en una de las artistas mexicanas con más proyección de México.

En el año 2000, firmó un contrato con Universal Music Group, una compañía que la llevaría a ser conocida internacionalmente. En ese mismo año lanzó el álbum de Paulina. El disco se colocó en las listas de los álbumes más vendidos del año 2001, además de que le entregaron 2 Discos de Diamante por haber recaudado más de 2.000.000 millones de unidades vendidas solamente en México. En España se consagró como la primera artista mexicana en conquistar el público español gracias al tema "Vive el verano". El álbum Paulina se editó en países como Italia, Turquía, Brasil, Reino Unido y Portugal debido a los sencillos como "Lo haré por ti", "Y yo sigo aquí", "Yo no soy esa mujer y "El último adiós". El álbum ha logrado vender más de 5.000.000 copias a nivel mundial. Para ese tiempo los medios la denominaban el "Huracán Mexicano debido al éxito que produjo con su carrera.

En 2002, Universal Music y Paulina Rubio decidieron que era tiempo de dar un paso internacional con el álbum Border Girl, álbum que consiguió Disco de Oro en Estados Unidos, Canadá, Italia y Japón. El primer sencillo, "Don't say goodbye" "(Si tú te vas)", rápidamente se filtró en varios países de Latinoamérica; el video y canción gusto al público nipón y fue ahí cuando hizo su gira en dicho país. En 2004 publicó su tercer álbum internacional Pau-latina, con sencillos como "Te quise tanto" y "Dame otro tequila", los cuales ocuparon los primeros lugares de las listas de sencillos de América Latina y Estados Unidos, lo que le valio ser considerada como la cantante mexicana con mayor proyección a nivel internacional.

Le seguieron Ananda en 2006 y Gran City Pop en 2009. Paulina ha logrado vender más de 20 millones de discos y un millón de descargas digitales a lo largo de su carrera, la cual comprende un período que va de 1992 hasta 2008.

Contenido

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Inicio artístico

A los cuatro años de edad, Paulina tomó clases de canto, actuación, jazz, pintura y danza en el Centro de Educación Artística (CEA), en México. Después de dos años de haber estudiado ahí, Pedro Damián y Martha Zavaleta contactaron a los padres de Paulina para que aceptaran que ella estuviera en una banda de niños, debido a su alta capacidad artística.

El 30 de abril de 1981, un poco antes de cumplir ocho años, comenzó su carrera bajo la guía de Miguel Bosé. Ingresó a la banda infantil de pop Timbiriche. La banda original estaba compuesta por seis miembros: Alix Bauer, Benny Ibarra, Diego Schoening, Mariana Garza, Sasha Sökol y ella misma; dos años después ingresó Erick Rubín a la banda. Paulina Rubio grabó un total de 10 discos de estudio junto a Timbiriche. En 1985, Timbiriche participó en el musical Vaselina (la adaptación en español del musical Grease). Mientras estaba en Timbiriche, Paulina empezó a actuar en telenovelas de Televisa.

En su primer papel, en 1988, interpretó a una villana llamada Paulina Montenegro en Pasión y poder. En 1992, protagonizó Baila conmigo en el papel de Andrea. Ésta fue una de las telenovelas más exitosas del año. Se lanzaron dos bandas sonoras, Baila conmigo y Recuerdos de baila conmigo. Algunos miembros de esa popular telenovela aparecieron varias veces en el programa Siempre en domingo y otros programas de televisión.

Con EMI

1992-1993: La chica dorada

En agosto de 1991, Rubio abandonó a Timbiriche y se enfocó en sus grabaciones como solista. Viajó a España para poder trabajar en su primer proyecto como solista. EMI Music fue la discográfica que se encargó de lanzarla. En 1992, lanzó su primer álbum La Chica Dorada, con la ayuda de la compañía EMI Capitol. El título del álbum hizo que Paulina fuese conocida desde entonces como La Chica Dorada en Latinoamérica. "Mío", su primer sencillo, fue rápidamente al número uno de las listas en varios países, a pesar de que fue una canción polémica. Gracias a este imparable éxito recibió 3 Discos de Oro durante la promoción que se encontraba realizadon en México. Después haber seguido otras canciones como "Sabor a Miel", "Amor de Mujer" y "Abriendo las Puertas al Amor"', Paulina Rubio ya se convirtió además en un ícono en el Pop Latino. La Chica Dorada fue certificado Disco de Platino en el año de 1997, y se le entregó a Rubio el reconocimiento durante la promoción del álbum Planeta Paulina en el desaparecido programa que condujo Verónica Castro, La tocada. Después de varias reediciones en países como México, Estados Unidos y España, el álbum ha vendido desde su lanzamiento más de 500.000 copias en todo el mundo.

1993-1995: 24 kilates y El tiempo es oro

Tras La Chica Dorada, Paulina lanzó en 1993 su segundo disco con EMI Capitol, titulado 24 kilates, con el que vendió más de 150.000 copias en las tres primeras semanas de su lanzamiento, entregándole Disco de Oro en el programa Siempre en domingo, el cual condujo Raúl Velasco. Con sencillos como Nieva, nieva, Él me engañó, Asunto de dos, logró consolidarse en la música. En 1994 viajó a Chile para participar en el Festival Viña del Mar, logrando internacionalizarse un poco más por el sur de América. Ese mismo año debutó en el medio cinematográfico con la película Bésame en la boca, producida por Humberto Zurita, y compartiendo el escenario al lado de actores reconocidos como Charly Masso y Fernando Colunga. Más tarde, en 1995, compartió créditos con Victoria Ruffo en su tercera y desde entonces última telenovela Pobre niña rica. Ese mismo año lanzó su tercera producción discográfica con EMI Music, titulado El Tiempo Es Oro (álbum) (Latin en Brasil y Virgin en España), el cual fue editado en más de 18 países hispanos. El álbum no alcanzó la primera posición en listas de México pero se mantuvo en buenas posiciones. Para fin de año, El tiempo es oro ya era Disco de Platino y Disco de Oro en México, logrando más de 100.000 copias. Gracias a los principales sencillos del disco -"Te daría mi vida", "Nada de ti" y "Hoy te dejé de amar"- logró consolidarse como una de las baladistas jóvenes de mayor impacto a nivel nacional.

Para 1996 Paulina viaja a España al famoso festival Santa Cruz de Tenerife[3] para debutar en aquel país con su música. A pesar de que se dijo que la chica dorada se hizo famosa en el 2000, realmente su música ya había sido escuchada antes en España.

1996-1997: Planeta Paulina

Después de la promoción de su último álbum y la participación estelar en la telenovela Pobre Niña Rica, de la cual se lanzó un álbum titulado "Maxi Single", el cual contenía las versiones remezcladas de algunos éxitos anteriores y dos temas que fungieron como entrada y salida de dicha telenovela, cuyo nombre es el mismo, Paulina Rubio regresó a México después de 8 meses que dedicó a su cuarto material discográfico y último la disquera EMI Music.

Es en septiembre de 1996 cuando regresó como productora y autora de su mismo trabajo, mientras que tiempo antes lanzó su primer sencillo "Siempre Tuya Desde La Raíz", el cual logra ser número 1 en distinto países, incluyendo México. Rápidamente el disco se volvió Disco de Oro tras haber rebasado los 50.000 discos vendidos y se conviertio en número 1 en su país. Paulina ya no quería sólo hablar del amor y desamor, es en esta placa que grabó la canción sobre el medio ambiente y enfermedades mortales como el SIDA, en la canción "Una historia más" se muestra tal problema, y en "Solo Por Ti" habla un poco sobre el calentamiento global, a pesar de que no se hizo notar mucho. Justo esta canción es su sengundo sencillo. En mayo de 1997 Paulina dio datos sobre una versión en inglés del álbum y sale su tercero y uno de sus más famosos éxitos, "Enamorada".

La empresa de EMI Music había planeado el lanzamiento del disco en inglés para Estados Unidos y Europa, también Paulina había grabado canciones en portugués, sin embargo el álbum nunca se dio a la luz ya que Paulina se separó de la discográfica. En el año 2001 EMI Music lanzó I'm So In Love', con tres temas de [[Planeta Paulina]] en inglés. Debido a la novedad de las canciones el disco ha logrado ventas de 1.000.000 de copias en todo el mundo.

El Huracán Paulina

2000-2001: Paulina

Pau en Julio del 2000.
Véase también: Paulina (álbum)

Paulina Rubio regresó a los escenarios en el Festival Viña del Mar en febrero del año 2000, en donde después de su exitosa actuación se fue con la manos vacías a pesar de que el público chileno la aclamaba para que fuera galardonada pero el presentador simplemente se lo negó. A pesar de esto Paulina Rubio dijo que le gustan los desafíos y regresó en el 2002. A mediados de febreo lanza su primer sencillo –"Lo Haré Por Ti"– con el cual encanta al público y muestra su estilo musical. Además, Paulina empezó a dar información sobre su nuevo disco homónimo, pero no sólo estrenaría álbum: Rubio ya había firmado contrato con otra discográfica –Universal Music– y ritmos como el dance, el pop, la balada, el rock y hasta hip-hop, bolero y mariachi serían los nuevos retos de la artista. El 23 de mayo de 2000 lanzó su quinto álbum de estudio, Paulina, con el cual logró alcanzar la máxima posición en toda Latinoamérica, España y hasta en Italia, mientras que en la lista de Estados Unidos Billboard Top Latin Albums y Latin Pop alcanzó el número 1 en más de seis semanas continuas y al año siguiente volvió a estar entre las tres mejores posiciones de las listas.[4] El tan esperado proyecto contó con las colaboraciones de Juan Gabriel –"Cancún y Yo"– y Armando Manzanero –"Tal Vez, Quizá"–. Estéfano fue quien hizo casi todas las canciones, una de ellas fue "El Último Adiós", la cual escribió con la misma Rubio. Sus siguientes sencillos fueron tuvieron mucho éxito; el primero, "Y Yo Sigo Aquí", se reconoció como el éxito más internacional en español de esta artista, y además grabó la canción en tres idiomas incluyendo en portugués y en inglés. En enero del 2001 Paulina ya había sido certificado Disco de Oro, Disco de Platino y alcanza en México Disco de Diamante, y ya había vendido más de 1.000.000 de álbumes a nivel mundial. Sin lugar a duda el 2001 fue un año lleno de éxitos en los que galardones como Premios Lo Nuestro, Billboard, Ondas, Amigo, Eres, De La Música, De La Gente, entre otros no se hizierón esperar, además fue nominada al Grammy Latino en tres categorías ("álbum del año"/ "canción del año"/ "mejor artista pop"). En el verano del mismo año ya llevaba 3.000.000 de discos vendidos a nivel mundial, y en la actualidad rebasa los 5.000.000 de discos vendidos a nivel mundial, esto gracias a sencillos como "Yo No Soy Esa Mujer", "Tal Vez, Quiza" y "Vive el Verano" –el cual sono solamente en Europa–, Universal Music decidió que ya era tiempo de que La Madonna Latina grabase el famoso crossover.

2002-2003: Border Girl

La presencia de Paulina Rubio en el mercado anglosajón llegó en 2002. Don't Say Goodbye alcanzó la posición número 41 en la lista de Estados Unidos "Billboard Hot 100" y el video del sencillo también fue popular en el MTV Total Request Live. El 17 de junio de 2002, Border Girl fue lanzado, coincidiendo con la fecha de su cumpleaños número 31. El disco debutó en la posición #11 del U.S. Billboard 200, se le concedió el disco de Oro en Estados Unidos por superar las 8.000 copias. Su debut en inglés no tuvo tanto éxito en el mercado hispano. Rubio ya tenía reconocimiento internacional desde hacía años. El 21 de junio de 2002 en la estación de radio 104 KRBE de Houston fue declarado el "Día de Paulina Rubio". Rubio apareció en el Tonight Show con Jay Leno, The Late Late Show con Craigh Kilborn y en CD:UK, entre otros programas. Apareció en varios festivales internacionales, incluyendo el Wango Tango, el Festivalbar y el Festival di Sanremo en Italia. Con Border Girl, Rubio apareció en revistas importantes como Rolling Stone, Stuff y en Blender. A finales de 2002, Rubio realizó una gira junto a la estrella de pop latino Enrique Iglesias. 'Border Girl logró ventas superiores a los 3.500.000 de copias a nivel mundial.

2004-2005: Pau-latina

El álbum con el que Paulina regresó en el 2004, Pau-Latina, fue un éxito de inmediato. En él, aparte de poner la voz, colaboró en la composición del disco, haciendo suyos tres de las quince pistas que lo componen. El primer sencillo del disco, "Te Quise Tanto", es su sencillo más exitoso hasta la fecha, alcanzando la máxima posición en el Billboard "Hot Latin Tracks" durante varias semanas consecutivas. Pau-Latina fue el segundo disco de Rubio que debutó en el número 1 en el Billboard "Top Latin Albums". Otros sencillos lanzados del disco incluyen el número 1 de Dame Otro Tequila y los hits que llegaron al top ten Algo Tienes y Mia. Pau-Latina ganó varios premios durante el año y fue nominado al Grammy Latino por "Mejor Álbum Pop Femenino" en 2004. En 2005, fue nominada a los Grammy Awards por "Best Latin Pop Vocal Album" (Mejor Álbum de Pop Latino) y fue la única mujer en esa categoría en estar nominada, con Paulatina logró vender la cifra superior a los 300.000 de unidades y en total el disco ha vendido más de 2.500.000 millones de copias a nivel mundial.

Además, se le concedió en el Festival de Viña del Mar, Chile la Antorcha de Plata, uno de los premios más importantes en Iberoamérica y participó en el disco Esta mañana y otros cuentos, del también cantante y compositor argentino Coti, con el tema Nada fue un error, junto a la también mexicana Julieta Venegas.

El éxito de Pau-Latina le abrió muchas puertas a Paulina. Tanto fue así que se convirtió en la primera mujer en la historia en conducir los premios MTV Latinoamérica, a lo cual, ella tenía cierta duda pero su amigo Peewelf González le animó.

2006-2008: Ananda

Paulina Rubio lanzó el álbum Ananda el 19 de septiembre de 2006 en Estados Unidos. Alcanzó el número 1 en varios países de Latinoamérica y en el U.S. Billboard Top Latin Albums y número 25 en el U.S. Billboard 200. El primer sencillo de Ananda, Ni Una Sola Palabra, alcanzó el número 1 en varios países de Latinoamérica, España y en el U.S. Hot Latin Tracks y número 98 en el U.S. Billboard Hot 100. Los últimos tres discos de Paulina alcanzaron el número 1 en el U.S. Top Latin Albums. El primer sencillo del disco, Ni Una Sola Palabra llegó a la posición uno en varias estaciones de radio de Latinoamérica, al igual que en Estados Unidos y España. Éste alcanzó el número 1 en el U.S. Billboard "Hot Latin Tracks". Para este album Paulina Rubio cuenta con la colaboración del exitoso cantante colombiano Juanes en la sonada canción No Te Cambio.

El siguiente sencillo, titulado Nada puede cambiarme, contó con la colaboración del guitarrista de Velvet RevolverSlash, lo cual reitera el criterio abierto de la carismática Chica Dorada para fusionar raíces de distintos géneros musicales en búsqueda de sonidos frescos.

Paulina Rubio en Palau Sant Jordi, Barcelona en el 2007.

Ananda fue certificado multi-platino por las ventas de 250,000 copias en Estados Unidos, Puerto Rico y España, logrando vender desde entonces más de 2.500.000 de discos, confirmando a Paulina como una de las artistas más importantes de ámbito internacional. Muestra de ello es su gran aparición en la Gala de los Premios Nobel en Estocolmo, Suecia el 11 de diciembre de 2006 junto con las interpretaciones de Rihanna, John Legend y Lionel Richie, quienes rindieron honor al recibimiento de Muhammad Yunus por el Premio Nobel de La Paz.

Además, en 2007 Paulina es escogida por Miguel Bosé con el tema Nena, para ser la primera canción a promover el disco Papito que conmemora los 30 años de carrera del cantante español.

En 2008 participó en el mega evento ALAS, desarrollado simultaneamente en Mexico y Argentina. Paulina se presento en Buenos Aires ante 180.000 personas junto a Shakira, Calle 13, Mercedes Sosa, Alejandro Sanz y Gustavo Cerati.

En esta fase de su carrera surgió un rumor de que Paulina sería la nueva vocalista de La Oreja de Van Gogh, tras la partida de su ex vocalista, Amaia Montero, pero fué desmentido rápidamente por la misma banda española.

2009-presente: Gran City Pop

El noveno disco de estudio es Gran City Pop, y se lanzó el día 23 de junio de 2009. Su primer corte fue Causa y Efecto, con este sencillo logró la posición #1 en México, España,Colombia y demá paises de Latinoamerica, logrando tambien la posición #1 en U.S. Billobard "Hot Latin Tracks".

"Gran City Pop" ha sido certificado Disco de Platino por ventas superiores a las 100.000 unidades a una semana de su lanzamiento en países como E.U. Y Puerto Rico, a un mes de su lanzamiento, ya supera las 200.000 unidades. Se editó una versión deluxe con dos remixes de 'Causa y efecto' (uno de Banda y otro del Dj George Figares); dos videos del making off de la creación del disco y el videoclip del primer sencillo; y una canción extra llamada 'El tren de la vida'.

La versión del iTunes cuenta con las canciones de la edición básica añadiendo 'El tren de la vida' y un remix de Motor City de la canción 'Amanecí sin ti'. Sin embargo, no cuenta con 'Ya fue'.

A pesar de estar promocionando su disco Gran City Pop en España ,el 4 de agosto se dio un tiempo para inaugurar la tienda de descargas digitales iTunes México.

En la última entrega de Los Premios MTV 2009, Paulina Rubio gano la primera lengua de la noche en la categoría de “Mejor Solista” pasando por encima de artistas como Ximena Sariñana y Daddy Yankee, en la misma entrega Paulina canto junto al dúo estadounidense Cobra Starship un mashup de Good Girls Go Bad / Ni Rosas Ni Juguetes, y que se llevó la última lengua como "Mejor Presentación En Vivo".

Tras el éxito de Ni Rosas Ni Juguetes decidió hacer un remix con el rapero Pitbull.

Discografía

Artículo principal: Discografía de Paulina Rubio
Artículo principal: Videografía de Paulina Rubio

Álbumes

Compilatorios

  • 1996: Grandes Éxitos/Versiones Remix
  • 2000: Top Hits (EMI Latin)
  • 2001: I'm So In Love (EMI Latin)
  • 2002: Flashback: Greatest Hits (EMI Latin)
  • 2003: La Historia CD/DVD (EMI Latin)
  • 2004: Sin Pausa (EMI Latin)
  • 2006: Mío: Paulina y Sus Éxitos (EMI International)
  • 2007: Paulina Remixes (EMI)
  • 2008: Celebridades CD+DVD (Televisa EMI Music)
  • 2009: Gran Pop Hits 2CD/DVD (EMI Latin)

Otros Álbumes y DVD

  • 1995: Bésame En La Boca
  • 2007: Ananda Delux

Cine y televisión

A pesar de que ella misma ha dicho que actuar no es lo suyo y que lo hizo para poder esperimentarlo telenovelas como "Baila conmigo" y "Pobre niña rica" tuvieron gran aceptación en el público.

Pasión y poder

Paulina Rubio debuta en la actuación en 1988 bajo la dirección de escena de Alvino Corrales, en la dirección de cámaras ¡¡Pedro Damían¡¡ y producido por Carlos Sotomayor.[5] Más que nada Paulina Montenegro (papel de la cantante y actriz) era la hija de un empresario, destacando como una niña rica, preponente y sangrona. Sin duda este pequeño papel sería el gran paso a la actuación.

Baila conmigo

Es el 1992 después de salir de Timbiriche y antes de su debut como solista cuando Paulina Rubio graba su segunda telenovela de nombre Baila conmigo, dirigida por Manolo García, escrita por Susan Crowley y Gabriela Ortigoza y producida por Luis de Llano, también comparte créditos con Eduardo Capetillo, Bibi Gaitán y Rodrigo Vidal.[6] La novela fue un éxito, como los acostumbrados de Luis De Llano, y debido a eso, sacaron el primer disco llamado "Baila Conmigo" - en el que colabora Paulina -, y posteriormente, "Recuerdos De Baila Conmigo". Nuevamente Rubio jugaría un papel de una adolescente de fuerte caracter.

Pobre niña rica

La última telenovela de Paulina Rubio se editó en 1995, nuevamente obteniendo uno de los papeles importantes dentro del melodrama. Es con Pobre niña rica que "la chica dorada" decide no hacer más telenovelas. Victoria Ruffo, Laura Zapata y Roberto Palazuelos con quien Paulina compartiría créditos, mientras que en la producción se encontraba Enrique Segoviano.[7]

AñoNombreTipo
1983El día del compadrePelícula
1988Pasión y poderTelenovela
1992Baila conmigoTelenovela
1994Bésame En La BocaPelícula
1995Pobre niña ricaTelenovela
1995Emteveo"Telenovela" de MTV Latinoamérica
1997Especial: Planeta PaulinaTelevisa
1999Vive El VeranoConducción
2000Los 100 Videos Más PopMTV Latinoamérica
2004Premios MTV LatinoaméricaConducción MTV Latinoamérica
2008"Es.Cine"Productora
2009Locas de amorCameo "Causa y Efecto"
2009Atrévete a soñarparticipación estelar

Vida personal

Como dice ella misma “soy famosa desde que nací” – y es verdad, ya que es hija de una de las actrices más representativas de los años 70’s y 80’s –. Paulina Rubio es hija de la acriz mexicana Susana Rue Riesta mejor conocida como Susana Dosamantes y español Enrique Rubio, importante abogado de México. También tiene un hermano menor a ella, de nombre homónimo al de su padre.

Mantuvo sonadas relaciones amorosas, siendo la más polémica la que protagonizo junto a Ricardo Bofill, con quien comenzó a salir cuando este aun estaba casado con Chabeli Iglesias (hija de Julio Iglesias). Esto le valio muchas criticas. en especial en España, país donde residía. Aun así mantuvieron varios meses de relación hasta que finalmente se dio por culminada. Al poco tiempo Paulina hizo publico su romance con José María Torre, el cual duro muy poco tiempo.

Pocos meses después inicio una relación con el conocido picaflor Colate (quien entre sus exes cuenta a Patricia Pérez, Inés Sastre, Elena Tablada, Alejandra Conde, la duquesa de Montoro, Eugenia Martínez de Irujo, entre otras). La cual acabo en matrimonio poco más de un año más tarde.

Así, el 30 de abril de 2007, “la chica dorada” protagonizá una de las bodas más esperadas en México al contraer matrimonio con el empresario español Nicolás Vallejo-Nájera “Colate”. El evento fue llevado a cabo en Xcaret, parque temático ecológico situado en la Riviera Maya en Cancún, Quintana Roo.

De allí en adelante han llovido rumores de ruptura (el más reciente en agosto de 2009), infidelidad y rumores sobre supuestos embarazos que no han dejado en paz a la artista, a pesar de esto ha dicho que el día que este embarazada de verdad, o fuera a separarse, ella misma lo dirá.

A lo largo de 25 años, Paulina Rubio se ha convertido en una de las cantantes pop más cotizadas de México y muestra de ello fue su boda a la que asistieron personalidades de talla internacional como el español Alejandro Sanz, el argentino Coti Sorokin, y los mexicanos Juan Gabriel, Marco Antonio Solís y Ana Gabriel.[8]

Premios

Artículo principal: Anexo:Premios de Paulina Rubio

Referencias

Enlaces externos

HISTORIA6: ARTE Y CULTURA CLÁSICA. Arte y cultura clásicos son conceptos que incluyen la literatura clásica o grecorromana: las distintas formas de la literatura griega y la literatura latina (como la poesía, el teatro, la historia —historiografía clásica— y la filosofía —filosofía griega, filosofía helenística—); y en el ámbito del arte no sólo las denominadas bellas artes, sino también todas las artes menores (extendiéndose a veces a toda la cultura material). También forman parte de la civilización clásica o civilización greco-romana los demás rasgos de su cultura, creencias (mitología clásica —mitología griega, mitología romana—) e incluso de su vida cotidiana (Costumbres de la Antigua Grecia, Costumbres de la Antigua Roma), así como su economía, sociedad y organización política, militar y religiosa (religión griega, religión romana), especialmente las instituciones griegas y las instituciones romanas. Sus límites temporales son tan imprecisos como los de la edad que le corresponde: del siglo VIII a. C. al siglo V d. C.; o bien terminando en el siglo III d. C. (pues desde el siglo IV d. C. comenzaría la hegemonía cultural del cristianismo); o bien comenzando en el III milenio a. C. (incluyendo así la civilización minoica y la civilización micénica). Personalizando en dos autores, la cultura clásica incluiría desde Homero hasta Apuleyo; en dos obras, desde el palacio de Cnosos hasta la Columna Trajana. En Grecia, se reserva el nombre de periodo clásico al que se conoce como siglo de Pericles (de mediados del siglo V a. C. a mediados del siglo IV a. C., mientras que para Roma se hace lo propio desde los últimos siglos de la República Romana (siglo II a. C.) hasta los primeros siglos del Imperio romano, con los Antoninos (siglo II d. C.). En la periodización del Arte antiguo, específicamente para el arte occidental, se suele identificar el periodo pre-clásico (civilizaciones del Antiguo Oriente Próximo), el periodo clásico (arte griego y romano) y el periodo post-clásico (arte de la Antigüedad Tardía: tardorromano, paleocristiano y bizantino). El Partenón (del griego Παρθενών, que procede a su vez de la palabra griega Παρθενος Parthenos –Virgen–; uno de los adjetivos que servían de epíteto para Atenea) es el templo griego situado en la Acrópolis de Atenas dedicado a Atenea, diosa protectora –y epónima– de la ciudad de Atenas. Es el monumento más importante de la civilización griega antigua y se le considera como una de las más bellas obras arquitectónicas de la humanidad. El Partenón es uno de los principales templos dóricos que se conservan, construido entre los años 447 y 432 a. C., sus dimensiones aproximadas son: 69,5 metros de largo, por 30,9 de ancho; las columnas tienen 10,4 metros de altura.

Arte y cultura clásica 

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Partenón

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Fachada del Partenón, en la Acrópolis de Atenas.

El Partenón (del griego Παρθενών, que procede a su vez de la palabra griega Παρθενος Parthenos –Virgen–; uno de los adjetivos que servían de epíteto para Atenea) es el templo griego situado en la Acrópolis de Atenas dedicado a Atenea, diosa protectora –y epónima– de la ciudad de Atenas. Es el monumento más importante de la civilización griega antigua y se le considera como una de las más bellas obras arquitectónicas de la humanidad.

El Partenón es uno de los principales templos dóricos que se conservan, construido entre los años 447 y 432 a. C., sus dimensiones aproximadas son: 69,5 metros de largo, por 30,9 de ancho; las columnas tienen 10,4 metros de altura.

Contenido

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Historia [editar]

El Partenón sustituyó a un templo anterior en el mismo emplazamiento, conocido como el Pre-Partenón o Hecatompedón, construido antes de las Guerras Médicas, y destruido por los persas.

El Partenón visto desde el sur.

La construcción del monumento, realizada, casi exclusivamente en mármol blanco del monte Pentélico, fue iniciada por Pericles como agradecimiento a los dioses por su victoria contra los persas y se desarrolló entre los años 447 y 432 a. C. Los arquitectos encargados de la obra fueron Ictino y Calícrates y estuvieron, en la mayoría de los casos, bajo las órdenes del arquitecto y gran escultor ateniense Fidias, autor de la decoración escultórica y de la gran estatua criselefantina de Atenea Partenos que estaba situada como pieza central del templo (medía doce metros de altura y para su elaboración se necesitaron 1.200 kilogramos de oro).

El Partenón conservó su carácter religioso en los siglos siguientes y fue convertido en una iglesia bizantina, una iglesia latina y una mezquita musulmana. Pero en 1687, los turcos lo utilizaron como depósito de pólvora durante el sitio veneciano, bajo el mando del almirante Morosini. Una de las bombas venecianas cayó en el Partenón y causó una enorme explosión que destruyó gran parte de la edificación preservada en buenas condiciones hasta ese entonces.

Sin embargo el proceso de erosión no terminó ahí sino que siguió a principios del siglo XIX, cuando el embajador británico en Constantinopla, Elgin con la corte real, decidió quitar la mayor parte de la decoración escultórica del monumento (frisolo que ahora se conoce como dorico jonico y corintio, metopas, frontones) y trasladarla a Inglaterra para venderla al Museo Británico, en donde todavía se exhibe, siendo una de las colecciones más significativas del museo en la actualidad.

La fachada occidental del Partenón está conservada relativamente intacta.

Características del templo [editar]

Detalle del friso, actualmente en el Museo Británico.
Esquema del orden dórico en el Partenón de Atenas.
Réplica del Partenón en Nashville, Estados Unidos.

El diseño del Partenón estuvo condicionado inicialmente para albergar la imagen de oro y marfil de Atenea Parthenos, esculpida por Fidias. La colosal estatua de doce metros de altura precisaba de una inmensa cella de más de 18 metros de anchura, dividida en tres naves mediante una doble columnata conformada por dos órdenes superpuestos de estilo dórico. La nave central medía diez metros de anchura. Dentro de la cella del lado este, la columnata se dispuso en forma de "U" y estaba compuesta por nueve columnas con un entrepaño entre cada una de ellas, en los lados largos de la "U". Tres columnas con dos entrepaños formaban el lado corto.

En la zona oeste, al fondo del interior de la columnata de cuatro columnas, existía el basamento de la estatua, para el culto a Atenea Parthenos con un amplio estanque, poco profundo, que producía un efecto de brillo mediante el agua frente a ésta. Ambas cellas estaban cerradas por puertas de bronce.

La cella del este estaba dedicada a Atenea Polías (protectora de la ciudad), y la cella del oeste estaba dedicada a Atenea Párthenos, "la virgen", por lo cual todo el edificio acabó siendo conocido como el Partenón.

La decoración escultórica del Partenón es una combinación única de las metopas (esculpidas en altorrelieve extendiéndose por los cuatro lados externos del templo), los tímpanos (rellenando los espacios triangulares de cada frontón) y un friso (esculpido en bajorrelieve abarcando el perímetro exterior de la cella). En ellos se representan varias escenas de la Mitología griega. Además, las diversas partes del templo estaban pintadas de colores vivos. El Partenón es, sin duda, el máximo exponente del orden dórico, como se puede apreciar en el diseño del friso o sus columnas.

Las metopas representaban la gigantomaquia en el lado este, la amazonomaquia en el oeste, la centauromaquia en el sur, y escenas de la guerra de Troya en el norte. Cada tímpano del templo tenía una escena mitológica: al este, sobre la entrada principal del edificio, el nacimiento de Atenea, y al oeste, la lucha entre Atenea y Poseidón por el patrocinio de la ciudad de Atenas. El friso mostraba la representación de la procesión de las Panateneas, el festival religioso más importante de Atenas. La escena se desarrolla a lo largo de los cuatro lados del edificio e incluye figuras de dioses, bestias y de unos 360 seres humanos.

Esta construcción es uno de los ejemplos más claros del saber en geometría por parte de los matemáticos y arquitectos griegos. Es octástilo y períptero –que tiene columnas en todo su perímetro–, ocho en las dos fachadas más cortas y 17 en las laterales. Consta de una doble cella con pronaos y opistodomo, pero con próstilo de seis columnas.

Los arquitectos consiguieron que el efecto visual que mostrara el Partenón no permitiera apreciar la antiestética deformación que se percibe al situarse en las proximidades de los grandes monumentos. Lograron obtener el efecto visual más estético con certeras alteraciones en su construcción: columnas con éntasis, un poco curvadas hacia el centro, no equidistantes, y algo más gruesas en las esquinas; frontón levemente arqueado y estilóbato ligeramente convexo.

Véase también [editar]

Enlaces externos [editar]


Coordenadas: 37°58′13″N 23°43′21″E / 37.97025, 23.72247

Para otras civilizaciones o usos del término, véase Clásico.

Arte y cultura clásicos son conceptos que incluyen la literatura clásica o grecorromana: las distintas formas de la literatura griega y la literatura latina (como la poesía, el teatro, la historiahistoriografía clásica— y la filosofíafilosofía griega, filosofía helenística—); y en el ámbito del arte no sólo las denominadas bellas artes, sino también todas las artes menores (extendiéndose a veces a toda la cultura material).

También forman parte de la civilización clásica o civilización greco-romana los demás rasgos de su cultura, creencias (mitología clásicamitología griega, mitología romana—) e incluso de su vida cotidiana (Costumbres de la Antigua Grecia, Costumbres de la Antigua Roma), así como su economía, sociedad y organización política, militar y religiosa (religión griega, religión romana), especialmente las instituciones griegas y las instituciones romanas.

Sus límites temporales son tan imprecisos como los de la edad que le corresponde: del siglo VIII a. C. al siglo V d. C.; o bien terminando en el siglo III d. C. (pues desde el siglo IV d. C. comenzaría la hegemonía cultural del cristianismo); o bien comenzando en el III milenio a. C. (incluyendo así la civilización minoica y la civilización micénica). Personalizando en dos autores, la cultura clásica incluiría desde Homero hasta Apuleyo; en dos obras, desde el palacio de Cnosos hasta la Columna Trajana.

En Grecia, se reserva el nombre de periodo clásico al que se conoce como siglo de Pericles (de mediados del siglo V a. C. a mediados del siglo IV a. C., mientras que para Roma se hace lo propio desde los últimos siglos de la República Romana (siglo II a. C.) hasta los primeros siglos del Imperio romano, con los Antoninos (siglo II d. C.).

En la periodización del Arte antiguo, específicamente para el arte occidental, se suele identificar el periodo pre-clásico (civilizaciones del Antiguo Oriente Próximo), el periodo clásico (arte griego y romano) y el periodo post-clásico (arte de la Antigüedad Tardía: tardorromano, paleocristiano y bizantino).

Contenido

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Arte y cultura clásica como herencia cultural de Occidente [editar]

El arte y la cultura clásica son la herencia cultural de la civilización occidental, reivindicada conscientemente a partir del Renacimiento (siglo XV y XVI), el Clasicismo (siglo XVII) y el Neoclasicismo (siglo XVIII).

Durante los debates de la redacción del Proyecto de Constitución Europea (Tratado de Roma 2004, que finalmente no entró en vigor), uno de los asuntos que más se discutió fue cuáles son las raíces culturales y de civilización de Europa, y si convenía introducir en el texto del Tratado una cita expresa que pusiera o no al mismo nivel las raíces clásicas y las raíces cristianas del continente.[1]

Formación clásica [editar]

La posesión de una formación intelectual que incluyera a los clásicos griegos y latinos (poseer una cultura clásica) constituía tradicionalmente la prueba de una excelente educación, identificada con lo que se conocía como letras humanas, humanidades o humanística (véase también Humanismo). Sin embargo, la cada vez mayor separación entre la formación humanística y la científica a partir del siglo XIX, ha invalidado tal identificación, lo que ha terminado dando lugar, desde mediados del siglo XX, al denominado problema de las dos culturas.

En el sistema educativo español hay una asignatura denominada Cultura Clásica.

Estudios clásicos [editar]

Los estudios clásicos son un conjunto de disciplinas académicas, habitualmente con rango universitario, en la que se incluyen la arqueología clásica (la especializada en la Antigüedad clásica) y la filología clásica (filología griega y la filología latina, que a veces también incluyen organizativamente la filología semítica u otras. Antes muchos de estos estudios eran impropiamente denominados de lenguas muertas: latín, griego clásico, idioma hebreo y otras lenguas bíblicas, como el arameo, siríaco. Otras lenguas clásicas son el árabe clásico (para la lengua y civilización árabe y la civilización islámica) o el sánscrito (para la civilización india). Los estudios clásicos incorporan no sólo la lengua sino la cultura de esas civilizaciones, y son el heredero de los studia humanitatis del humanismo, que también dieron origen al concepto de letras humanas letras o humanidades.

Enlaces externos [editar]

Portales culturales y educativos:

Notas [editar]

  1. Diego B. Poole Derqui, Constitución Europea y raíces cristianas de Europa, Anuario de derecho eclesiástico del Estado, ISSN 0213-8123, Nº 22, 2006, pp. 67–94 (ficha en Dialnet).