HISTORIA8: ¿QUÉ OPINAS DE PONER A GENTE TAN GUAPA EN LAS REVISTAS Y EN EL CINE? ¿LA GENTE ES TAN GUAPA? ESOS CUERPOS 10 Y MAQUILLAJES, AUNQUE ES MARQUETING HAY MUY BUEN CINE HECHO POR GENTE NORMALITA, ¿NO TE PARECE? TAMPOCO UNO/A ADMIRA TANTO LA ESTÉTICA, ¿NO TE PARECE? HOY EN DÍA YA NO SE HABLA DE GÉNEROS EN CINE Y LUCEN ROSTROS BELLOS, QUIZÁS ESTAS CINTAS NO QUEDEN TANTO COMO CLÁSICOS ESTÁN BASADAS EN LA MODERNIDAD Y LA INNOVACIÓN, EN LA VANGUARDIA TECNOLÓGICA. PERO EN TODAS LAS REVISTAS DE MODA Y DE TENDENCIAS LUCEN ROSTROS BELLOS Y HERMOSOS Y CASI NO TIENE CABIDA LA GENTE NORMAL. AGRADABILISIMO A LA VISTA PERO NO SE CORRESPONDE CON LA REALIDAD. HAY UN GUSTO POR LO HERMOSO TAMBIÉN EN ROPAS Y COMPLEMENTOS, PERO LA GENTE OPTA POR LO NATURAL Y LA COMODIDAD CUANDO SE VISTE MÁS ACORDE CON SUS FACCIONES "NORMALES" QUE CON UN ESTEREOTIPO DE HOMBRES Y MUJERES "PERFECTOS", LAS TIENDAS NOS SIGUEN VENDIENDO ROPA 10 TAMBIÉN, ACORDE CON LOS MODELOS, QUIZÁS NO SE CORRESPONDA CON NUESTRAS FACCIONES. EL CINE POR SU PARTE RETRATA MAGNIFICAMENTE HOMBRES, PERSONAJES Y ÉPOCAS. PARA EXPRESARSE SE PRECISA DE ACTORES Y ACTRICES, CON UNAS CUALIDADES U OTRAS CLARO, EXPRESARSE NO SIEMPRE ES SENCILLO. ¿QUÉ CINTA TE GUSTA MÁS, "YO CLAUDIO", "CUATRO BODAS Y UN FUNERAL (1994)", "BLACKADDER", "EL COCHE FANTÁSTICO", "JAMES BOND, GOLDENEYE", O EL "MOULIN ROUGE" DONDE SE ADMIRA BASTANTE LA ESTÉTICA DE NICOLE KIDMAN Y DE LOS ESCENARIOS?. El cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.

Historia del cine

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Yo Claudio Capitulo 1

Yo Claudio en Español Capitulo 15

Four Weddings and a Funeral (1994)

Prince Blackadder - Blackadder - BBC

El coche fantastico intro español

James Bond: GoldenEye Music Video ~ Tina Turner

Moulin Rouge - Official Trailer (2001)

Saltar a navegación, búsqueda

Proyector

El cine fue oficialmente inaugurado como espectáculo en París, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales.

Contenido [ocultar] 1 Inicio del cine y fundación de la industria fílmica 1.1 Primeros pasos del cinematógrafo 1.2 Hollywood y el Star System 1.3 Cine mudo 1.4 El cine mudo europeo 1.5 La creación del lenguaje cinematográfico 2 Corrientes cinematográficas 2.1 El cine sonoro 2.2 Los géneros cinematográficos 2.3 Distribución de las películas 2.4 Cine fuera de Estados Unidos 3 Crisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine 3.1 Hollywood entra en crisis 3.2 Cine de autor contra cine de productor 3.3 La renovación del cine en Estados Unidos 4 El cine reciente 4.1 La llegada de los blockbuster 4.2 Cine comercial contra cine arte 5 Cine en el siglo XXI 5.1 Cine y Postmodernidad 5.2 El cine e Internet 6 Anexos 6.1 Referencias 7 Véase también 8 Enlaces externos

[editar] Inicio del cine y fundación de la industria fílmica

[editar] Primeros pasos del cinematógrafo

Artículo principal: Cine mudo

Los Hermanos Lumière

La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes en la cámara oscura, o el taumatropo. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del XIX. Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el kinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson, el cual, sin embargo, sólo permitía funciones muy limitadas. Inspirándose en éste, los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo. La primera presentación fue en el ya mencionado 28 de diciembre de 1895, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerda para la anécdota aquella en la que un tren parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante lo cual éstos reaccionaron con un instintivo pavor.

Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator (ver cine mudo). Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos (ciencia ficción, históricas o de época); el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.

También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.

[editar] Hollywood y el Star System

En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.

Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.

La mayor parte de los estudios fundados en aquella temprana época (Fox, Universal, Paramount) controlados por (Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, etcétera), y miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer) Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica. Así, no sólo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos. Esto marcó la aparición del star-system, el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Sólo Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue sólo crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de cine de productor, donde contaba más el peso del productor que conseguía el financiamiento, que el director encargado de plasmar una visión artística.

[editar] Cine mudo

Fotograma del film Intolerancia, de David Wark Griffith

Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.

[editar] El cine mudo europeo

Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense. Hasta 1914, Europa, con productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Así, el cine cómico francés, con André Deed y Max Linder o el colossal italiano, con grandes escenografías y participación de extras, en películas como Quo vadis? (1912) o Cabiria (1914) fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin y el cine cómico norteamericano o David W. Griffith que asumió los presupuestos del peplum en Judith de Betulia o Intolerancia. Más tarde Europa sufrió una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial, que marcó la pérdida de la preponderancia internacional de su cine.

Aun así, tras la guerra, se crearon obras maestras que iban a crear escuela. El movimiento más importante en estos años fue el Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película El gabinete del doctor Caligari (1919), y cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra, seguida después por Nosferatu, el vampiro (1922). También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es Un perro andaluz.

[editar] La creación del lenguaje cinematográfico

El acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein

En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez (Quo vadis? o Cabiria).

Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con El nacimiento de una nación e Intolerancia, cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Unión Soviética, otro tanto realiza Sergéi Eisenstein, con películas claves como El acorazado Potemkin u Octubre, entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montaje de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.

[editar] Corrientes cinematográficas

El cine, como manifestación artística, cuenta con diversos movimientos o corrientes a lo largo del siglo XX. Las escuelas estéticas constituyen un conjunto de movimientos expresivos innovadores de la historia del cine. En algunos casos, supone la ruptura con los estilos anteriores, sobre todo del cine clásico de Hollywood, y en otros casos suponen un desarrollo de los estilos predecesores. El cine de Vanguardia, supone una ruptura en la narrativa del cine convencional. Junto con la literatura y el arte dominaron el primer tercio del siglo XX. Las corrientes vanguardistas cuestionan los modos tradicionales de producción, difusión, exhibición y consumo de los objetos artísticos; y recurren a cuestiones relativas a la modernidad.

En cuanto al cine, se diferencian tres etapas en el movimiento vanguardista. En primer lugar, se encuentra el cine impresionista, representado por Abel Gance y René Clair. En segundo lugar está el cine surrealista francés y el cine abstracto alemán. Por último, se halla el cine independiente o documental.

• Impresionismo- Este estilo valora el naturalismo, el estilo directo, e ir más allá de los esquemas melodramáticos. El cine impresionista fue llamado así porque los autores pretendían que la narración representara la conciencia de los protagonistas, en otras palabras, su interior. Otorgan importancia a la emoción y a la narración psicológica, la expresión de sentimientos y los estados de ánimo de los personajes. Destacan en este ámbito los siguientes autores: Herni Ghomette, Marcel L'Herbier, Germanie Dulac y Jean Epstein. Una de las películas más representativas del movimiento es La Rueda (1922) de Abel Gance.

• Surrealista- Combina la imagen, con la búsqueda de sensaciones y la expresión de sentimientos. Predominan imágenes absurdas que rompen con la lógica temporal. El surrealismo se presenta como un medio de liberación del espíritu y una revolución que ataca al orden lógico, estético y moral. Así mismo, ataca los pilares de la sociedad burguesa y sus valores incuestionados. Se trata de hacer valer el lado oscuro de la vida, como el azar, lo esotérico y lo onírico, de forma que la realidad se define por el sueño libre y por la imaginación del subconsciente. Las dos películas de referencia del cine surrealista son Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), ambas dirigidas por Luis Buñuel, en colaboración con el pintor surrealista catalán, Salvador Dalí.

• Cine expresionista alemán-(1905) Grupo de producciones en contraste con el impresionismo en pintura, en el que prima la expresión subjetiva sobre la representación objetiva de la realidad. Es el cine que se realiza en la Alemania de Weimar. Se aprecia la expresión de sentimientos y la emoción por encima de la representación de la imparcialidad; para ello se utilizaba la deformación de las cosas, el mundo interior, la angustia y las alucinaciones del artista. Destaca la película El Gabinete del Doctor Caligari (1919).

Junto a estos movimientos ligados a las vanguardias históricas de principios del siglo XX existen otras manifestaciones cinematográficas, entre las que cabe destacar:

• Cine Ojo- (Años 20) Teoría cinematográfica creada por el documentalista soviético Dziga Vertov. Las características principales son la objetividad, el rechazo al guión y a la puesta de escena, y la utilización de la cámara como ojo humano.
• Cinéma Pur- (Años 20) Corriente francesa, que se centra en los elementos puros del arte cinematográfico, como la forma, el movimiento, el campo visual y el ritmo.
• Neorrealismo italiano- (Años 40) Movimiento de cine cuyas características fundamentales son la trama ambientada en sectores desfavorecidos, rodaje en exteriores y actores no profesionales. El objetivo de este estilo es representar la situación moral y económica de la Italia de posguerra.
• Underground estadounidense- (Años 40) Cine artesanal, no necesariamente narrativo con autoconciencia artística, y opuesto al cine clásico de Hollywood.
• Cinéma verité- (Años 50) Aparece en Francia paralelamente a la Nouvelle Vague. Tiene una tendencia documentalista y busca captar la vida tal como es.
• Nouvelle Vague- (Años 50) Corriente francesa crítica frente a lo establecido, y cuya máxima aspiración es la libertad de expresión y técnica.
• Free Cinema- (Años 50) Movimiento británico que implanta una estética realista en la ficción y en el documental. Además, retrata historias cotidianas y está comprometido con la realidad social de la época.
• Blaxploitation- (Años 70) Cine estadounidense cuyo tema protagonista es la comunidad afroamericana y en el que es recurrente el uso de bandas sonoras de conocidos artistas de la época.
• Nuevo cine alemán (Neuer Deutscher Film)- (Años 70) La industria alemana crea su propio star-system, en el que utiliza largos travellings que favorece a la improvisación de los actores y simplifica el montaje. Además, tiene cierto carácter documental, al estilo naturalista francés.
• New Queer Cinema- (Años 80) Cine independiente norteamericano caracterizado por su aproximación a la cultura homosexual.
• Dogma 95- (Año 1995) Movimiento fílmico cuya meta es producir películas simples, sin modificaciones en la post-producción y poniendo énfasis en el desarrollo dramático.
• Cine posmoderno - (años 80) Basado en el eclecticismo y mezcla las características de diferentes estilos ya creados.

[editar] El cine sonoro

El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.

Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de 1902. En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forhest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película. No obstante, por falta de financiación el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric apostó por él.

En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido. Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada Don Juan (1926) de Alan Crosland, así como en otra de sus películas, Old San Francisco (1927). En ésta incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo la película sonora más exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.

La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo. Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).

Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como Tiempos modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador". Así mismo, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov publicaron un manifiesto en 1928 manifestando su negativa al cine sonoro.

El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo. El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desconocido por el cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora.

[editar] Los géneros cinematográficos

La industrialización del cine hizo nacer también las llamadas convenciones de género, y por ende, los géneros cinematográficos propiamente tales.

El primer cine era documental: escenas de obreros saliendo de las fábricas y cosas así. Pero el cine documental en cuanto tal, recién vino a nacer en 1922, con el filme Nanook el esquimal. Aunque nunca demasiado popular, de tarde en tarde se rodarían algunos clásicos, como por ejemplo El mundo sumergido, de Jacques Cousteau.

El cine histórico y bíblico, por su parte, caminarían de la mano, en la búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se habían rodado películas sobre la vida de Cristo (por ejemplo, Del pesebre a la cruz (1912). Sin embargo, el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con hitos como Los diez mandamientos (versión original de 1923 y remake de 1956), Rey de reyes (1927) o Cleopatra (1934). Otro clásico de época es Lo que el viento se llevó, estrenada tras varias peripecias en 1939.

En la década de 1930 surgen también, estrechamente hermanados, el cine de gángsters y el cine negro. Hitos claves del cine gangsteril fueron el Scarface de 1932 o Hampa dorada, y un director clave fue Howard Hawks. Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929. Además, fueron campo de experimentos formales con la iluminación, con fuerte influencia de los cineastas europeos herederos del Expresionismo, muchos de los cuales habían llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich, por ese entonces ascendente. Quizás el actor más asociado con el género es Humphrey Bogart, con clásicos como Casablanca, El halcón maltés o El sueño eterno.

El cine fantástico y de ciencia ficción había también experimentado su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. Ya Méliès había diseñado una curiosa fantasía llamada De la Tierra a la Luna, vagamente basada en la novela de Julio Verne. La gran película del cine mudo de ciencia ficción fue Metrópolis, de Fritz Lang (1927), la cual marcó estéticamente a muchos cineastas posteriores, pero que en su tiempo fue un fracaso de taquilla, costoso para los cánones de la época, y que por lo tanto, relegó a la ciencia ficción fílmica al plano de mero entretenimiento, sin mayor trascendencia intelectual, estigma que pesaría sobre el género hasta 2001: Odisea del espacio (1968). En la década de 1930, coincidiendo con la Gran Depresión y el Nazismo, se puso de moda el cine de terror, con clásicos como Dracula (con Béla Lugosi, dirigida por Tod Browning, en 1931), o El doctor Frankenstein de James Whale, con Boris Karloff (1931). Con éstos y otros filmes, los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror.

La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la comedia musical, género harto más amable, incluso de evasión, en donde primaba el peso de los números musicales y canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de lucimiento para diversos bailarines. Los más importantes fueron la dupla conformada por Ginger Rogers y Fred Astaire. El gran clásico del género es Cantando bajo la lluvia (1952).

Un género típicamente norteamericano que se desarrolló en aquellos años, fue el Western, en particular gracias al trabajo de cineastas como John Ford. El gran actor de westerns de la época fue John Wayne. El género fue muy exitoso en Estados Unidos, por construir una mitología fílmica de carácter nacionalista.

Su importancia tuvieron también los filmes de aventuras y de capa y espada. Muy exitoso en ese tiempo fue el cine de piratas. Quizás el más recordado héroe posterior a Douglas Fairbanks sea Errol Flynn (Capitán Blood, 1935), quien más o menos tomó su relevo en la década de 1930.

En cuanto a la comedia, su edad de oro comenzó con los Keystone Cops, los alocados cortos con policías de Mack Sennett, que inventaron el concepto de gag, incluyendo uno clásico: lanzarle pasteles de crema a la cara de la gente. Pero el primer gran personaje cómico fue el vagabundo sin nombre que Charles Chaplin interpretara en numerosos cortos, y más tarde en largometrajes como The Kid (1921) o Luces de la ciudad (1927). Otro cómico importante fue Buster Keaton. Más tarde llegaron El gordo y el flaco, Los Tres Chiflados, y Jerry Lewis.

Por último se debe mencionar que con los largometrajes Blancanieves y los siete enanitos (1937) y Fantasía (1940), Walt Disney impulsó definitivamente la industria del cine de animación, aunque la primera película del género es El Apóstol (1917), producida en Argentina por Quirino Cristiani.

El director Orson Welles.

Posiblemente la cúspide de las posibilidades del cine de la época, en términos de lenguaje cinematográfico, haya sido alcanzada por el filme Ciudadano Kane, de Orson Welles, en 1941. Película polémica en su época, ha sido reconocida en retrospectiva como uno de los grandes hitos fílmicos de todos los tiempos, y sumó todos los experimentos conceptuales de la época, cerrando caminos y abriendo otros, razón por la cual figura regularmente como una de las mejores películas de todos los tiempos, en listados y reseñas críticas.

[editar] Distribución de las películas

Siendo el cine el único multimedia de la época, y estando su producción bien controlada por los grandes estudios, se desarrolló todo un mecanismo de producción industrial de películas. Así, se programaba no la exhibición de una película pura, sino de verdaderos rotativos que ofrecían, por el mismo precio, una serial y dos películas. A la película principal se sumaba una de menor costo, y producción barata y apresurada, que por su condición de relleno, pasó a ser llamada serie B. Posteriormente la serie B evolucionaría hasta ser un género por derecho propio, pero en aquel tiempo, iba adosada al cine normal.

Las llamadas seriales dominicales eran historias dirigidas al público infantil o juvenil, y que por ende, ofrecían historias de vaqueros, de aventuras o de ciencia ficción. Constaban de una docena de capítulos, de algunos minutos de extensión cada uno, y terminaban en cliffhangers que obligaban al espectador a acudir al cine el domingo siguiente, para saber cómo el protagonista saldría del peligro de muerte. Historias dominicales de matinée como por ejemplo Flash Gordon contra el universo no sólo le dieron carta de naturaleza en el cine a personajes por entonces recientes como Flash Gordon, Superman o Batman, sino que son la evidente fuente de inspiración para hitos fílmicos posteriores como Star Wars o Indiana Jones.

En la época comenzó también la relación entre el negocio del cine y el de la música. Personajes tan disímiles como Mario Lanza, Frank Sinatra, Marlene Dietrich, Jorge Negrete o Carmen Miranda, por mencionar unos pocos ejemplos casi al azar, desarrollaron carreras paralelas como cantantes y actores, con éxito variable según la época y el país.

[editar] Cine fuera de Estados Unidos

Fuera de Estados Unidos, florecieron varias cinematografías nacionales. Las más pujantes quizás correspondieran a los regímenes totalitarios, quienes comprendieron el enorme poder propagandístico que había en el cine. Así, la Unión Soviética fomentó un tipo de cine que ensalzaba la patria soviética y la Revolución de 1917, sea contra la antigua burguesía zarista, sea contra el invasor alemán durante la Segunda Guerra Mundial (por ejemplo, Alexander Nevski, de Eisenstein). En Italia, el régimen fascista de Mussolini ordenó a los estudios Cinecittà crear una serie de películas fastuosas, en la tradición del colossal italiano de la década de 1910, que sirvieran para ensalzar la antigua grandeza romana, de la que Mussolini se sentía heredero; el representante más fiel de este cine fascista es probablemente el Escipión el Africano rodado en 1937. En Alemania, si bien no hubo un fuerte control sobre el cine, sí se rodaron numerosos documentales ensalzando a los nazis, como por ejemplo El triunfo de la voluntad; varios cineastas contrarios al régimen, por su parte, prefirieron marchar al exilio, como por ejemplo Fritz Lang.

A la vez, en Latinoamérica hubo algunos intentos por crear una industria fílmica nacional en cada uno de los países independientes, frecuentemente con apoyo y subsidios del Estado. Sin embargo, con la probable excepción de México, en donde surgieron figuras como Jorge Negrete, María Félix o Cantinflas, estos esfuerzos tendieron a ser más bien infructuosos. Muchas de estas estrellas, apenas podían, tentaban hacer carrera en el extranjero, en particular en Hollywood, como fue el caso de Carmen Miranda, reina de las banana movies.

Mención aparte merece el surgimiento de Bollywood en la India. Ya en 1913 se había fundado un estudio dirigido por Dadahaseb Phalké, que produjo unas treinta películas en diez años. Sin embargo, fue con Alam Ara (1931), la primera película sonora de la India, la que marcó un antes y un después, al crear una de las más características tradiciones de Bollywood: el peso de los números musicales dentro de los filmes. A partir de entonces se diseminaron por la India varios centros de producción que se especializaron: cine histórico y superproducciones en Bombay, dramas románticos en Poona, fantasía en Calcuta. La barrera idiomática en un subcontinente con centenares de lenguas hizo que el cine occidental apenas llegara a dichas tierras, pero la gran población le permitió a este mercado cinematográfico ser prácticamente autosuficiente, de modo que Bollywood creció de manera paralela y autónoma al cine hollywoodense, europeo o soviético, desarrollando sus propios códigos y cánones, a veces sumamente extraños para el espectador occidental, pero que le confieren un sabor único dentro de la cinematografía mundial.^[1]

[editar] Crisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine

[editar] Hollywood entra en crisis

Para la Segunda Guerra Mundial, la maquinaria productiva de Hollywood estaba tan bien engrasada, que muchos estudios, pudieron prestar activos servicios creando filmes más o menos propagandísticos de apoyo a los Aliados, y en contra del Eje. Pero una vez terminada la conflagración, Hollywood experimentó problemas.

En primer lugar, hubo juicios contra los estudios por el monopolio que ejercían. En 1948, los tribunales de justicia les obligaron a desprenderse de las cadenas de cine, debiendo limitarse a la producción de las películas, perdiendo la distribución. Al mismo tiempo, los artistas, cada vez más célebres, empezaron a rebelarse contra las imposiciones de los estudios. Olivia de Havilland llevó su contrato a juicio, y tras un largo tiempo litigando, ganó. Con esto, el control que los estudios ejercían sobre actores y directores, se resquebrajó.

Para colmo, Hollywood debió afrontar un nuevo enemigo: la popularización de la televisión. Las series de televisión barrieron con las series de matinée, y los noticiarios televisivos reemplazaron a los cinematográficos. En un tiempo, se pensó que la televisión acabaría con el cine.

Hollywood respondió reforzando los aspectos en los cuales la televisión no podía competir, concretamente la espectacularidad. Así, el género épico experimentó un nuevo auge, con filmes como El manto sagrado, Sinuhé el egipcio o Ben-Hur. Todos ellos se beneficiaron de avances técnicos como la pantalla panorámica, gracias a innovaciones como el cinerama o el cinemascope.

En esta época se estandarizó el cine en color. Technicolor ya había nacido en el año 1917, aunque en un proceso más rudimentario que sólo utilizaba dos colores, que evolucionó a lo largo de los años 20 y primeros 30, hasta que en 1934 se estrenó la primera película con una escena de acción real en Technicolor de tres colores, El gato y el violín. Poco después Becky Sharp (1935) sería el primer largometraje íntegramente rodado a color. A pesar de todo ello, las complicaciones de rodar a color (se requería el triple de luz que con el sistema en blanco y negro y cámaras tres veces más grandes y pesadas) hizo que el cine en blanco y negro siguiera predominando una década y media más. Con la evolución y simplificación de Technicolor así como la aparición de otras compañías de cine a color como Eastmancolor entre otras que estimularon la competencia, el cine en blanco y negro quedó relegado a películas de bajo presupuesto o en las que era necesario por razones exclusivamente artísticas.

[editar] Cine de autor contra cine de productor

Mientras Hollywood bregaba por superar la crisis, en el resto del mundo se imponían nuevas ideas fílmicas. Impregnados del espíritu de las vanguardias artísticas de la primera mitad del XX, en Europa comenzó la experimentación formal, que llevó a la creación de nuevas formas fílmicas.

La primera de ellas, en la Europa posterior a la Segunda Guerra Mundial, fue el Neorrealismo. Nació en Italia, como reacción al cine fascista del régimen de Mussolini, y buscaba la máxima naturalidad, con actores no profesionales, iluminación natural, etcétera, y con un cine de fuerte crítica social. Se considera inaugurado el género con Roma, ciudad abierta (1945), aunque suele considerarse como su mayor representante el Ladri di biciclette de Vittorio de Sica (1948). El Neorrealismo se agotó pronto, pero muchos cineastas formados o desarrollados en éste, siguieron rodando después (Federico Fellini, Luchino Visconti, Roberto Rossellini, etcétera).

Esta tendencia hacia un cine más realista y menos espectacular fue recogida en otros lugares de Europa. En Francia, François Truffaut le dio el definitivo empuje a la nouvelle vague, con filmes como Los cuatrocientos golpes; los cineastas se agruparon en torno a la revista Cahiers du Cinéma, que utilizaron como vehículo de sus ideas sobre el cine. Destaca, aparte de Truffaut, J. L. Godard (Al final de la escapada). Este fenómeno encontró paralelo en el free cinema inglés, y después se proyectó en Latinoamérica, muy en particular en el cinema novo de Brasil, con filmes como Dios y el diablo en la tierra del sol.

Gran parte de la actividad intelectual en torno al cine se desarrollaba no en los estudios de productores, sino en los foros, en donde se proyectaban filmes, y se discutía sobre ellos entre el público interesado. Cahiers du Cinéma definió su propio cine como un cine de autor, o sea del director, frente al cine hollywoodense, el cual era considerado cine de productor, y por ende, reivindicaba la mirada artística y personal del director, por encima de las exigencias comerciales. Esto le abrió las puertas a cineastas con propuestas tan personales como Ingmar Bergman (El séptimo sello), Luis Buñuel (Los olvidados, Viridiana, Belle de jour), Stanley Kubrick (2001: Odisea del Espacio o La naranja mecánica), Pier Paolo Pasolini (Salò o los 120 días de Sodoma), Werner Herzog (Aguirre, la cólera de Dios ), o Andréi Tarkovski (Stalker), por ejemplo, además de allanar el camino para cineastas no europeos, como por ejemplo el japonés Akira Kurosawa (Rashōmon). También hubo filmes que trataron géneros considerados como típicamente hollywoodenses y los plantearon en sus propios términos, como por ejemplo Barbarella (la ciencia ficción), Los paraguas de Cherburgo (la comedia musical), El Evangelio según San Mateo (el cine bíblico) o El bueno, el malo y el feo (el western).

La ironía es que muchos actores y actrices de estos movimientos, con el tiempo se convirtieron en estrellas tan rutilantes como las hollywoodenses: fue el caso de Brigitte Bardot, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Jean-Paul Belmondo, etcétera. Parte de su encanto radicaba en que se permitían muchas libertades sexuales que las estrellas de Estados Unidos no podían o no querían por la censura imperante en Hollywood.

Tampoco desapareció en Europa el cine comercial. El despliegue de colosalismo por parte de Hollywood encontró respuesta en el desarrollo del peplum primero, y cuando éste se agotó, en el spaghetti western. Fuera de Europa también hubo otras manifestaciones fílmicas que se hicieron prontamente comerciales, como por ejemplo el cine de artes marciales procedente de Hong Kong. Todas estas productoras trabajaban artesanalmente, y no podían competir con la alta calidad técnica de Hollywood, por lo que se esforzaron en la cantidad, redefiniendo así el cine de serie B.

[editar] La renovación del cine en Estados Unidos

Artículo principal: Nuevo cine estadounidense

Todos estos cambios en el cine, que seguían de cerca a la sociedad, iban a golpear al cine de Estados Unidos. Así es como en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine hollywoodense. A pesar de sus muy dispares temáticas y preocupaciones, o quizás por eso mismo, todos tenían en común el privilegiar una mirada personal o autoral de sus películas, por sobre el cine comercial. Se suele considerar como el pionero de este movimiento a John Cassavetes, junto a otros nombres como Shirley Clarke, Barbara Loden, Paul Morrissey, Elaine May, Mark Rappaport y Robert Kramer. Directores como Woody Allen, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman o Peter Bogdanovich también contribuyeron a ese paso del cine americano, pero siempre más amparados por la industria y sin alcanzar los extremos de marginalidad que caracterizaron al grupo de Cassavetes.

Los nombres de Steven Spielberg y George Lucas son asociados con frecuencia al cine comercial que imperó desde la década de 1980 en adelante, pero no siempre se recuerda que en sus inicios, eran cineastas independientes cuyas propuestas (American Graffiti en el caso de Lucas, o Tiburón en el de Spielberg) eran consideradas como excéntricas.

También prendió con fuerza, en la serie B, el cine explotation, en respuesta al cine de bajo presupuesto que llegaba desde el extranjero. El género más autóctono en la serie B estadounidense de la época fue el Blaxploitation, que trataba historias de pandillas y maleantes negros, con altas dosis de violencia y sexo para la censura de la época.

[editar] El cine reciente

[editar] La llegada de los blockbuster

Marcado en parte por los sucesos de la década de 1970 (Watergate, Vietnam, el fin del movimiento hippie), el cine de ese tiempo se había vuelto más oscuro, con filmes como El padrino, Apocalypse Now o Cabaret, por mencionar ejemplos dispersos. En cuanto a películas de simple entretenimiento, se pusieron de moda las de catástrofes, como por ejemplo Aeropuerto e Infierno en la torre, con el productor Irwin Allen explotando el género hasta el agotamiento.

Sin embargo, en 1977, el cineasta George Lucas, con su película La guerra de las galaxias, cambió esto para siempre. Lucas hizo un trato con Fox, que los ejecutivos del estudio consideraron muy ventajoso, por el cual la Fox se llevaba las ganancias por la película, y Lucas por la mercadotecnia; por los resultados posteriores, mucho mejores para Lucas que para la Fox, los estudios entendieron que las películas podían ser explotadas económicamente de manera mucho más amplia que hasta la fecha. Surgió así el concepto moderno de blockbuster, una película que se vende como "estreno de la temporada", que supondrá un gran golpe de taquilla, y que será el vehículo principal para la venta de una extensa mercadotecnia, a través de la concesión de una franquicia sobre la película y sus personajes, a jugueterías que venderán figuras con el personaje, cadenas de comida rápida que harán promociones, etcétera. Algunos de estas primeras películas explotadas con mayor o menor habilidad como modernos blockbuster fueron Encuentros en la tercera fase de Steven Spielberg o Superman de Richard Donner; en 1981 George Lucas y Steven Spielberg unieron fuerzas para una nueva franquicia, la de Indiana Jones.

El concepto de la película como una franquicia desarrolló también el concepto de secuela. Existían algunas previamente (El Padrino II, La novia de Frankenstein, etcétera), e incluso una franquicia fílmica como James Bond había acumulado la respetable cantidad de una decena de entregas, pero con secuelas como Superman II, Rocky II o El imperio contraataca, el pensar las películas como eventos con posible continuación para explotar la franquicia dejó de ser algo excepcional, para pasar a ser la norma.

Una consecuencia de lo anterior es que el cine se hizo más liviano, perdiendo profundidad temática. Esto se debía a que el mayor público consumidor de cine eran los adolescentes, y por ende, las películas comerciales tendieron a volverse más banales con el paso del tiempo.

[editar] Cine comercial contra cine arte

A medida que las películas de Hollywood se hacían cada vez más gigantes en forma, y más escasas de contenido, el cine de otras regiones fue reaccionando a su vez. Así, se profundizó la grieta entre el llamado cine comercial, cuya principal factoría siguió siendo Estados Unidos, y el cine arte, elaborado en mayor abundancia en otras regiones del mundo. Esto se debió a varias razones. Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él (fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación, como lo prueban filmes europeos comerciales como los manufacturados por Luc Besson (Nikita, El quinto elemento), por ejemplo. En segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por completo de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como David Lynch (Terciopelo azul, Twin Peaks), el cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a capitales europeos.

Esta línea divisoria se observó en particular en el ámbito de los premios. Las películas "comerciales" aspiraban a ganar principalmente el Óscar, mientras que aquellas realizadas con vocación de "cine arte" tendían a buscar reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia. Aunque esto sigue sin ser una regla absoluta, ya que hubo películas "comerciales" que buscaron reconocimiento artístico en Cannes (por ejemplo, Shakespeare in Love), y cineastas "artísticos" que buscaron publicidad en Hollywood (por ejemplo, Pedro Almodóvar).

El movimiento más importante relacionado con el cine europeo de la época fue el movimiento Dogma 95. Planteándose como reacción al cine comercial, postulaban un cine naturalista, sin efectos de sonido ni banda sonora, con actuaciones más bien espontáneas, y filmadas con iluminación natural. Esto fue posible en buena medida gracias a la aparición de la cámara digital. Ideológicamente, Dogma 95 se inscribía en la línea intelectual de la crítica a la burguesía, tan cara al cine europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Nada de esto era nuevo, porque en su tiempo, el Neorrealismo había adoptado presupuestos muy parecidos, y por análogas razones. Y por similares motivos también, Dogma 95 tuvo una muy corta vida, y sus cultores volvieron lentamente a los usos del cine de siempre, aunque los cineastas formados a su alero ejercieron una marcada influencia cultural. El más conocido de ellos es Lars von Trier, quien de todos modos después se desmarcó del movimiento.

[editar] Cine en el siglo XXI

[editar] Cine y Postmodernidad

Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el Postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad, del reciclaje de viejos materiales. Hitos de este cine postmoderno serían filmes como Blade Runner (1982) o Pulp Fiction (1994), filmes armados a partir de la recreación de viejos códigos fílmicos y literarios que han perdido vigencia como tales, como por ejemplo el cine negro o el pulp. Contribuye a esta impresión, la dilución que las películas han ido experimentando debido al fenómeno del blockbuster, en el cual éstas se venden como parte de un gran paquete promocional de otros productos relacionados, como por ejemplo la banda sonora, la novela o el videojuego de la película. Estos ensamblajes multimedia han sido particularmente visibles en fenómenos como El proyecto de la bruja de Blair o Matrix, que buscaban ser no sólo películas, sino experiencias totales que abarcaran también Internet. Se considere al "cine postmoderno" como una categoría nueva de cine o no, el caso es que la experiencia de ver un filme a finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI, era radicalmente diferente a la de las generaciones anteriores.

[editar] El cine e Internet

La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante computadoras. La primera película con efectos digitales fue Tron (1982), pero desde ahí el desarrollo fue fulminante, hasta el punto que en 1995 la compañía Pixar pudo realizar el primer largometraje íntegramente realizado por computadora (Toy Story), y en 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo reales sólo los actores protagónicos, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul. Un paso muy simbólico lo dieron los Estudios Disney, cuando después del fracaso de su film en animación tradicional Vacas vaqueras, cerraron esta división y se concentraron en el mercado de la animación por computadora.

Internet supuso también un desafío mayúsculo para los grandes estudios, debido a que el brutal crecimiento de la capacidad de almacenaje en discos duros y portátiles (CD-ROM y DVD entre otros) llevó a que por primera vez se pudiera reproducir de manera virtualmente ilimitada una película íntegra, sin pérdida significativa de calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P ("peer to peer"), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiéndolas entre ellos.

Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio origina, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que muchos realizadores independientes hayan optado por el cine digital, grabando sus películas y editándolas por ordenador, para luego colgarlas en sitios de intercambio de información, como por ejemplo YouTube. También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. Todo lo anterior ha llevado a una fuerte democratización del cine. Todas estas tendencias son incipientes, y aún es demasiado pronto para determinar cómo será el nuevo mercado del cine que emergerá en un futuro cercano.

También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentran en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia de Internet. Prelinger Archives contenía, en 2005, 1.969 películas, todas ellas de libre uso, ya sea personal o comercial.

[editar] Anexos

[editar] Referencias

1. ↑ Ver artículo "El cine de Bollywood", firmado por Darío Lavia, en Televicio Webzine.

[editar] Véase también

• Surgimiento de las industrias nacionales de cine. Años veinte y treinta
• Estudios cinematográficos
• Corrientes cinematográficas
• Teoría cinematográfica

[editar] Enlaces externos

• Internet Movie Data Base
• Desde la invención del cine al asentamiento en Hollywood, con vídeos de las más míticas primeras películas

 

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_cine"

Categoría: Historia del cine

BIOLOGÍA. NATURALEZA: CYPRAEA TIGRIS. Los mesogasterópodos (Mesogastropoda ) son uno de los órdenes tradicionales de los gasterópodos prosobranquios, junto con Archaeogastropoda y Neogastropoda. Este orden fue introducido por J. Thiele en su trabajo de 1921. Hay cerca de 30.000 especies. Muchas se encuentran en el mar, numerosas especies en agua dulce, y algunas pocas sobre tierra. Muchos son herbívoros, pero unos pocos son parásitos o predatores. Los Mesogastropoda son, en muchos modos, más desarrollados que Archaeogastropoda. Aunque hay torsión de la masa intestinal, y movimiento en espiral del cuerpo, la ctenidia, el nefridio y el osfradium (= receptor sensorio, órgano olfactorio) han desaparecido del lado derecho. Y residen en el lado izquierdo.

Mesogastropoda

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Saltar a navegación, búsqueda

CYPRAEA TIGRIS

? Mesogastropoda
Cypraea annulus
Clasificación científica
Reino:	Animalia
Filo:	Mollusca
Clase:	Gastropoda
Subclase:	Prosobranchia
Orden:	Mesogastropoda
Familias
ver texto

Los mesogasterópodos (Mesogastropoda ) son uno de los órdenes tradicionales de los gasterópodos prosobranquios, junto con Archaeogastropoda y Neogastropoda. Este orden fue introducido por J. Thiele en su trabajo de 1921. Hay cerca de 30.000 especies. Muchas se encuentran en el mar, numerosas especies en agua dulce, y algunas pocas sobre tierra. Muchos son herbívoros, pero unos pocos son parásitos o predatores. Los Mesogastropoda son, en muchos modos, más desarrollados que Archaeogastropoda. Aunque hay torsión de la masa intestinal, y movimiento en espiral del cuerpo, la ctenidia, el nefridio y el osfradium (= receptor sensorio, órgano olfactorio) han desaparecido del lado derecho. Y residen en el lado izquierdo.

Contenido [ocultar] 1 Morfología general 2 Taxonomía y Sistemática 2.1 Clasificación de Orden Mesogastropoda 3 Registro fósil 4 Referencias 5 Enlaces externos 6 Notas

[editar] Morfología general

Los mesogasterópodos se caracterizan por presentar un sistema nervioso concentrado, sin comisura labial y los ganglios se conectan con diferentes órganos por redes nerviosas. Poseen un solo osfradio. El corazón presenta una sola aurícula y un ventrículo. Presentan una sola ctenidia nomopectinada, la cual esta unida al manto en toda su longitud, de igual forma presentan un solo nefridio que se abre directamente por una hendidura y por el que no se evacuan los gametos. La glándula genital posee su orificio y los machos poseen pene. Muchos miembros producen cápsulas de huevos, conteniendo uno a más de 1.000. El Aparato radular es de es de tipo teniogloso. Simetría bilateral disfrazada por la disposición de los órganos circulatorios, respiratorios y renales La concha de los Mesogastropoda son por lo general frágiles con textura de porcelana con la espira alta o en forma de torrecilla y presenta la columela lisa. Presentan opérculo. La mayor parte de ellos habitan en el ambiente marino auque los hay dulceacuícolas por ejemplo los Ampullariidae, y los Thiaridae. En su mayoría son herbívoros, aunque algunos son carnívoros e incluso parásitos.

Cyphoma gibbosum

.

[editar] Taxonomía y Sistemática

El orden Mesogastropoda fue introducido por J. Thiele en 1921. El orden esta constituido por diecisiete superfamilias y noventa y nueve familias, la gran mayoría con representantes marinos.

Descripción de las principales Superfamilia

• Superfamilia Ciclophoracea y Viviparacea: Caracoles terrestres operculados, pudiendo presentar o estar ausente las ctenidas, desarrollo de pulmón. Géneros típicos de la superfamilia Viviparus, Pomacea, Pila, Marisa (Viviparacea) y Valvata (Ciclophoracea).

• Superfamilia Littorinacea: Caracoles de tamaño pequeño habitantes del litoral rocoso. Son ejemplos genéricos: Littorina, Lacuna y Pomatias (terrestre).

• Superfamilia Rissoacea: Un grupo amplio de caracoles que presentan tamaño pequeño y conchas conicas. Habitan en ambiente marino, dulceacuícola y terrestre. Constituyen representantes de la superfamilia los géneros: Hydrobia, Bulimus, Rissoa, Alvania y Cingula.

• Superfamilia Cerithiacea: Caracoles con diversidad de formas de concha, estas pudiendo ser alta turriteladas, vermiformes u ovaladas. Con representantes marinos y dulceacuícolas. Son representante de la superfamilia los géneros: Marinos: Turritella, Vermetus, Serpulobis, Petalochonchus, Dentropoma, Siliquaria, C a. C.um, Cerithium, Bittium y Bitillatia. Dulceacuícolas: Goniobasis y Pleurocera.

Epitonium scalare

.

• Superfamilia Strombacea: Gastropodos en su mayoría de tamaño grande, con conchas fuertes y presentando canal sifonal, así como un labio muy desarrollado en forma de ala. Constituyen representantes genéricos de la superfamilia: Struthiolari, Aporrhais, Strombus y Lambis.

• Superfamilia Calyptreacea: Son un grupo de caracoles protándricos, los cuales presentan conchas bajas que parecen gorros o lapas. Son ejemplos genéricos: Crepidula, Capulus y Calyptraea.

• Superfamilia Cypraeacea: Presentan conchas porcelanadas de colores vivos, con la espira encerrada en la ultima vuelta de la concha. Son representante de la superfamilia: Cypraea, y Siphocypraea.

• Superfamilia Heteropoda: Grupo de caracoles pelágicos, cuyo pie presentan un ápice que asemeja una aleta y la concha muy reducida. Constituyen representantes genéricos de la superfamilia: Atlanta y Carinaria.

• Superfamilia Heteropoda: Conocidos como “Concha Luna”. Son un grupo de caracoles cavadores que presentan conchas globosas y un aparato excavador. Son ejemplos genéricos: Natica y Polinices.

Cypraecassis rufa

.

• Superfamilia Tonnacea: Constituida por un grupo de caracoles marinos que presentan conchas gruesas y voluminosa. Son representante de la superfamilia: Cassis, Cymathium, Cassidarius, y Tonna.

 

[editar] Clasificación de Orden Mesogastropoda

Phylum: Mollusca

Clase: Gastropoda

Subclase: Prosobranchia

Orden: Mesogastropoda

Superfamilia: CYCLOPHORACEA

Familia: Cyclophoriidae

Familia: Poteriidae

Familia: Megalostomatidae

Familia: Maizaniidae

Cassis madagascariensis

.

Familia: Maizaniidae

Familia: Diplomatinidae

Familia: Pupinidae

Superfamilia: VIVIPARACEA

Familia: Viviparidae

Familia: Ampullariidae(=Pilidae)

Familia:Bithyniidae

Superfamilia: VALVATACEA

Familia:Valvatidae

Archivo:Charonia tritonis.jpg

Charonia tritonis

.

Superfamilia: LITTORINACEA

Familia: Lacunidae

Familia: Littorinidae

Familia: Pomatiasidae

Familia: Chondropomidae

Familia: Eatoniellidae

Superfamilia: RISSOACEA

Familia: Hydrobiidae

Familia: Littoridinidae

Familia: Lithoglyphiidae

Cymatium pileare

.

Familia: Lithoglyphulidae

Familia: Btthinellidae

Familia: Mexithaumidae

Familia: Orygoceratidae

Familia: Pomatiopsidae

Familia: Truncatelidae

Familia: Sternothyridae

Familia: Iravadiidae

Familia: Baicaliidae

Familia: Benedictiidae

Cypraea tigris

.

Familia: Micromelaniidae

Familia: Emmericidae

Familia: Rissoidae

Familia: Assimineidae

Familia: Aciculidae

Familia: Skenopsidae

Familia: Omalogyridae

Familia: Trachymatidae

Familia: Rissoellidae

Familia: Trochaclididae

Familia: Lepyriidae

Familia: Cyngulopsidae

Familia: Orbitestellidae

Familia: C a. C.idae

Familia: Ctiloceratidae

Familia: Vitrinellidae

Cypraea cervus

.

Familia: Tornidae

Familia: Rastrodentidae

Superfamilia: LOXONEMATACEA

Familia: Abyssochrysidae

Superfamilia: CERITHIACEA

Familia: Thiaridae

Familia: Planaxidae

Familia: Melanopsidad

Familia: Modulidae

Familia: Cerithiidae

Familia: Campanilidae

Viviparus viviparus

.

Familia: Diastomidae

Familia: Potamididae

Familia: Syrnolopsidae

Familia: Delavayidae

Familia: Cerithiopsidae

Familia: Thiporiidae

Familia: Turritellidae

Familia: Vermetidae

Superfamilia: HETEROGASTOPODA

Familia: Architectonicidae

Familia: Mathildidae

Melanoides tuberculata

.

Familia: Triphoridae

Familia: Pyramidellidae

Superfamilia: EPITONIACEA

Familia: Epitonidae

Familia: Janthinidae

Familia: Aclididae

Superfamilia: EULIMACEA

Familia: Eulimidae

Familia: Styliferidae

Familia: Asterophilidae

Familia: Pelseneeridae

Pomacea (Effusa) glauca orinocensis

Familia: Paedophorodae

Familia: Entoconchidae

Superfamilia: STROMBACEA

Familia: Struthiolariidae

Familia: Aphorraidae

Familia: Strombidae

Superfamilia: HIPPONICAEA

Familia: Hipponicidea

Familia: Vanikonidae

Familia: Caledoniellidae

Lambis chiragra

Superfamilia: CALYPTRAEACEA

Familia: Calyptraeidea

Familia: Xenophoridae

Familia: Capulidae

Familia: Trichotropidea

Superfamilia: CYPRAEACEA

Familia: Cypraeidae

Familia: Ovulidae

Familia: Pedicularidae

Familia: Lamellariidae

Familia: Pseudosaculidae

Superfamilia: HETEROPODA

Familia: Atlantidae

Familia: Carinaiidae

Familia: Pterotrachidae

Superfamilia: NATICAEA

Familia: Naticidae

Superfamilia: TONNACEA

Strombidae

Familia: Cassidae

Familia: Tonnidae

Familia: Ficidae

Familia: Cymatiidae

Familia: Bursidae

[editar] Registro fósil

La biocronología del orden Mesogastropoda se manifiesta en el registro fósil desde el Carbonífero hasta la actualidad.

[editar] Referencias

• ABBOTT, T. R. 1954: “American seashell”. D. Van Nostrand Company, Inc. New York.

• ABBOTT, R. T, y S. P. DANCE. 1983. “Compendium of Seashells”. E. R Dutton, Inc., New York.

• ANDREWS, E. B. 1981: “Osmoregulation and excretion in prosobranch gastropods Part 2: Structure in relation to function”. Journal of Molluscan Studies 47:248-298.

• BARNES, R. D. 1984: “Zoología de los Invertebrados”. Cuarta Edición. Editorial Interamericana, S.A. México D.F.

• BIBLOGRAF. (Editor). 1980: “Diccionario monográfico del Reino Animal”. Biblograf S.A. Barcelona - España. 888p.

• BIELER, R., 1990. “Haszprunar's "clado-evolutionary classification of the Gastropoda - a critique”. Malacología. 31(2): 371-380

• BIELER, R., 1992. “Gastropod phylogeny and systematics”. Annual Review of Ecology and Systematics, 23: 311-338.

• BIELER, R. & MIKKELSEN, P. M. (eds.), 1992. “Handbook of Systematic Malacology, Part 1 (Loricata [Polyplacophora]; Gastropoda: Prosobranchia)”. Smithsonian Institution and National Science Foundation, xviii + 625 pp. Washington, D.C.
• BRUSCA & BRUSCA. 1990. “Invertebrates”. Sinauer Associates. Massachusetts. United States
• CAMACHO, H. H. 1966: “Invertebrados fósiles”. Editorial Universitaria de Buenos Aires. Buenos Aires - Argentina. 709p.
• COX, L. R. 1960:” General characteristics of Gastropoda”. IN: Pp 84 -165. “Treatise on invertebrate paleontology”. Geological Society of America, Inc. and University of Kansas Press. Lawrence, Kansas United States.
• DANCE, S. P. 1993. “Conchas Marinas”. Omega. Barcelona.
• GRACE, P. P., POISSON, R. A. Y TUZET. O. 1976: “Zoología”. Toray –Masson, S.A. Barcelona – España. 4 volúmenes.

• GONZÁLEZ V, L. M. 2005: “Guía ilustrada de los gasterópodos marinos de la bahía de Tenacatita, Jalisco, México”. Scientacucba. 7(1):1-84.

• HASZPRUNAR, G. 1988: “On the origin and evolution of major gastropod groups, with special reference to the Streptoneura”. Journal of Molluscan Studies. 54: 367-441.

• HYMAN, L. H. 1967: “The invertebrates”. Vol. 6. Mollusca. McGraw Hill. New York – United States.

• JEFFERY, P. 2001. “Suprageneric classification of class Gastropoda”. The Natural History Museum, London – United Kingdom.

• MARTÍNEZ E, R. 1980: “Phylum Mollusca”. En: Bodini, R y Rada D. “Biología Animal”. Editorial Ateneo de Caracas. Pp:191-200. Caracas - Venezuela

• MORRIS, P. A. 1973: “A field guide to shell of the Atlantic and Gulf coasts and West Indies”. Hougton Mifflin Company. Boston – United States.

• NICOL, J. A. C. 1967: “Biology of marine animals”. Pitman Paperbacks. London – United Kingdom.

• NOVIKOFF, M. M. 1976: “Fundamentos de la morfología comparada de los invertebrados”. Editorial Universitaria de Buenos Aires. Buenos Aires – Argentina.

• PARKER, S. P. 1982: “Synopsis and classification of living organisms”. McGraw Hill Book Company. New York. 2 volúmenes.

• SALVINI-PLAWEN, L. 1980: “A reconstruction of systematics in the mollusca (phylogeny and higher classification)”. Malacología. l9(2): 249-278.

• SWINNERTON, H. H. 1961: “Elementos de Paleontología”. Ediciones Omega S.A. Barcelona - España. 414p.

• THIELE, J. 1929-1935: “Handbuch der Systematischen Weichtierkunde”. 2 vols. 1154 p., 584 figs

• VILLEE, C. A., WALKER, JR. & BARNES, R. D. 1987: “Zoología”. Editorial Interamericana S.A. México D.F.

• WARMKE, G. L. & ABBOTT, R T. 1961: “Caribbean Seashells”. Livingston Publishing Company. Narbeth. Pennsylvania – United States.

• WEISZ, P. B. 1978: “La Ciencia de la Zoología”. Ediciones Omega S.A. Barcelona – España.

• WENZ, W. 1959: “Gastropoda”. Gebrüder Borntrager. Berlin – Germany. 3 Volúmenes.

[editar] Enlaces externos

• PÉREZ P, J. P. 2002: “Análisis de las estrategias adaptativas en los prosobranquios y su filogenia”
• Clasificación de Gastropoda
• The Apple Snail Site 2007: “Apple Snail (Ampullaridae)”

[editar] Notas

Como Mesogastropoda no es un taxón monofilético, no es grande en las modernas clasificaciones. Las taxa más bajas tradicionalmente contenidas en Mesogastropoda, están ahora en el superorden Caenogastropoda. (Véase: Orden Caenogastropoda)

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Mesogastropoda"

Categoría: Mesogastropoda

RAZAS HUMANAS: LOS ALAWA Y LOS INDIGENAS AUSTRALIANOS. Indigenous Australians are the original inhabitants of the Australian continent and nearby islands and the descendants of these peoples.[2] Indigenous Australians are distinguished as either Aboriginal people or Torres Strait Islanders, who currently together make up about 2.7% of Australia's population. The Torres Strait Islanders are indigenous to the Torres Strait Islands, which are at the northern-most tip of Queensland near Papua New Guinea. The term "Aboriginal" has traditionally been applied to indigenous inhabitants of mainland Australia, Tasmania, and some of the other adjacent islands. The earliest definite human remains found to date are that of Mungo Man, which have been dated at about 40,000 years old, but the time of arrival of the ancestors of Indigenous Australians is a matter of debate among researchers, with estimates ranging as high as 125,000 years ago.

Alawa

From Wikipedia, the free encyclopedia

Jump to: navigation, search

Alawa are an Indigenous Australian people from the Northern Territory, Australia.

The suburb of Alawa in the Darwin's north, is named in honour of the Alawa people.

 

This Indigenous Australians-related article is a stub. You can help Wikipedia by expanding it. v • d • e

Retrieved from "http://en.wikipedia.org/wiki/Alawa"

Categories: Indigenous peoples of Australia | Indigenous peoples of Australia stubs

 

Indigenous Australians

From Wikipedia, the free encyclopedia

Jump to: navigation, search

This article is about the original inhabitants of Australia. For the Australian definition in law, see Australian Aborigines.

Australian Aboriginals and Torres Strait Islanders

Albert Namatjira, Douglas Nicholls, Oodgeroo Noonuccal, Ernie Dingo, David Gulpilil, Jessica Mauboy, David Wirrpanda, Cathy Freeman, Christine Anu
Total population
550,000 (2001 data projected to 2010)[1] 2.7% of Australia's population
Regions with significant populations
New South Wales 148,200   Queensland 146,400   Western Australia 77,900   Northern Territory 66,600   Victoria 30,800   South Australia 26,000   Tasmania 16,900   Australian Capital Territory 4,000
Languages
Several hundred Indigenous Australian languages (many extinct or nearly so), Australian English, Australian Aboriginal English, Torres Strait Creole, Kriol
Religion
Majority Christianity, with minority following traditional animist (Dreamtime) beliefs
Related ethnic groups
see List of Indigenous Australian group names

Indigenous Australians are the original inhabitants of the Australian continent and nearby islands and the descendants of these peoples.^[2] Indigenous Australians are distinguished as either Aboriginal people or Torres Strait Islanders, who currently together make up about 2.7% of Australia's population.

The Torres Strait Islanders are indigenous to the Torres Strait Islands, which are at the northern-most tip of Queensland near Papua New Guinea. The term "Aboriginal" has traditionally been applied to indigenous inhabitants of mainland Australia, Tasmania, and some of the other adjacent islands.

The earliest definite human remains found to date are that of Mungo Man, which have been dated at about 40,000 years old, but the time of arrival of the ancestors of Indigenous Australians is a matter of debate among researchers, with estimates ranging as high as 125,000 years ago.^[3]

There is great diversity among different Indigenous communities and societies in Australia, each with its own unique mixture of cultures, customs and languages. In present day Australia these groups are further divided into local communities.^[4]

Although there were over 250–300 spoken languages with 600 dialects at the start of European settlement, fewer than 200 of these remain in use^[5] – and all but 20 are considered to be endangered.^[6] Aboriginal people today mostly speak English, with Aboriginal phrases and words being added to create Australian Aboriginal English.

The population of Indigenous Australians at the time of permanent European settlement has been estimated at between 318,000 and 750,000,^[7] with the distribution being similar to that of the current Australian population, with the majority living in the south-east, centred along the Murray River.^[8]

Contents [hide] 1 Terminology 1.1 Indigenous Australians 1.2 Aboriginal Australians 1.3 Torres Strait Islanders 1.4 Black 2 Languages 3 History 3.1 Since British Settlement 3.1.1 20th and 21st centuries 4 Culture 4.1 Belief systems 4.2 Music 4.3 Art 4.4 Traditional recreation 5 Population 5.1 Definition 5.2 Inclusion in the National Census 5.3 Demographics 6 Groups and communities 7 Contemporary issues 7.1 Stolen Generations 7.2 Political representation 7.3 Age characteristics 7.4 Life Expectancy 7.5 Education 7.6 Employment 7.7 Health 7.8 Crime & imprisonment 7.9 Substance abuse 8 Prominent Indigenous Australians 9 Representative sporting teams 10 See also 11 References 12 External links

[edit] Terminology

[edit] Indigenous Australians

Men from Bathurst Island, 1939.

Though Indigenous Australians are seen as being broadly related as part of what has been called the Australoid race, there are significant differences in social, cultural and linguistic customs between the various Aboriginal and Torres Strait Islander groups.

[edit] Aboriginal Australians

See also: Australian Aborigines

The word aboriginal was used in Australia to describe its Indigenous peoples as early as 1789. It soon became capitalised and employed as the common name to refer to all Indigenous Australians.

The word Aboriginal has been in use in English since at least the 17th century to mean "first or earliest known, indigenous," (Latin Aborigines, from ab: from, and origo: origin, beginning),^[9] Strictly speaking, "Aborigine" is the noun and "Aboriginal" the adjectival form; however the latter is often also employed to stand as a noun.

The use of "Aborigine(s)" or "Aboriginal(s)" in this sense, i.e. as a noun, has acquired negative, even derogatory connotations in some sectors of the community, who regard it as insensitive, and even offensive.^[10] The more acceptable and correct expression is "Aboriginal Australians" or "Aboriginal people," though even this is sometimes regarded as an expression to be avoided because of its historical associations with colonialism. "Indigenous Australians" has found increasing acceptance, particularly since the 1980s.^[11]

The broad term Aboriginal Australians includes many regional groups that often identify under names from local Indigenous languages. These include:

• Koori (or Koorie) in New South Wales and Victoria (Victorian Aboriginal people)
• Ngunnawal in the Australian Capital Territory and surrounding areas of New South Wales
• Murri in Queensland
• Murrdi Southwest and Central Queensland
• Noongar in southern Western Australia
• Yamatji in central Western Australia
• Wangai in the Western Australian Goldfields
• Nunga in southern South Australia
• Anangu in northern South Australia, and neighbouring parts of Western Australia and Northern Territory
• Yapa in western central Northern Territory
• Yolngu in eastern Arnhem Land (NT)
• Tiwi on Tiwi Islands off Arnhem Land. They number around 2,500.
• Anindilyakwa on Groote Eylandt off Arnhem Land
• Palawah (or Pallawah) in Tasmania.^[6]

These larger groups may be further subdivided; for example, Anangu (meaning a person from Australia's central desert region) recognises localised subdivisions such as Pitjantjatjara, Yankunytjatjara, Ngaanyatjarra, Luritja and Antikirinya.^[6] It is estimated that prior to the arrival of British settlers, the population of Indigenous Australians was approximately 318,000–750,000 across the continent.^[7]

[edit] Torres Strait Islanders

Main article: Torres Strait Islanders

The Torres Strait Islanders possess a heritage and cultural history distinct from Aboriginal traditions. The eastern Torres Strait Islanders in particular are related to the Papuan peoples of New Guinea, and speak a Papuan language.^[12] Accordingly, they are not generally included under the designation "Aboriginal Australians." This has been another factor in the promotion of the more inclusive term "Indigenous Australians". Six percent of Indigenous Australians identify themselves fully as Torres Strait Islanders. A further 4% of Indigenous Australians identify themselves as having both Torres Strait Islanders and Aboriginal heritage.^[13]

The Torres Strait Islands comprise over 100 islands^[14] which were annexed by Queensland in 1879.^[14] Many Indigenous organisations incorporate the phrase "Aboriginal and Torres Strait Islander" to highlight the distinctiveness and importance of Torres Strait Islanders in Australia's Indigenous population.

Eddie Mabo was from Mer or Murray Island in the Torres Strait, which the famous Mabo decision of 1992 involved.^[14]

[edit] Black

The term "blacks" has often been applied to Indigenous Australians. This owes more to superficial physiognomy than ethnology, as it categorises Indigenous Australians with the other black peoples of Asia and Africa. In the 1970s, many Aboriginal activists, such as Gary Foley proudly embraced the term "black", and writer Kevin Gilbert's ground-breaking book from the time was entitled Living Black. The book included interviews with several members of the Aboriginal community including Robert Jabanungga reflecting on contemporary Aboriginal culture.

In recent years young Indigenous Australians – particularly in urban areas – have increasingly adopted aspects of Black American, African and Afro-Caribbean culture, creating what has been described as a form of "black transnationalism."^[15]

[edit] Languages

Main articles: Australian Aboriginal English, Australian Aboriginal languages, and Australian Aboriginal sign languages

The Indigenous languages of mainland Australia and Tasmania have not been shown to be related to any languages outside Australia. There were more than 250 languages spoken by Indigenous Australians prior to the arrival of Europeans. Most of these are now either extinct or moribund, with only about fifteen languages still being spoken by all age groups.^[16]

Linguists classify mainland Australian languages into two distinct groups: the Pama-Nyungan languages and the non-Pama Nyungan. The Pama-Nyungan languages comprise the majority, covering most of Australia, and are a family of related languages. In the north, stretching from the Western Kimberley to the Gulf of Carpentaria, are found a number of groups of languages which have not been shown to be related to the Pama-Nyungan family or to each other; these are known as the non-Pama-Nyungan languages.

While it has sometimes proven difficult to work out familial relationships within the Pama-Nyungan language family, many Australian linguists feel there has been substantial success.^[17] Against this some linguists, such as R. M. W. Dixon, suggest that the Pama-Nyungan group – and indeed the entire Australian linguistic area – is rather a sprachbund, or group of languages having very long and intimate contact, rather than a genetic linguistic phylum.^[18]

It has been suggested that, given their long presence in Australia, Aboriginal languages form one specific sub-grouping. The position of Tasmanian languages is unknown, and it is also unknown whether they comprised one or more than one specific language family.

[edit] History

Main articles: History of Indigenous Australians, Prehistory of Australia, and Australian archaeology

Artwork depicting the first contact that was made with the Gweagal Aboriginals and Captain James Cook and his crew on the shores of the Kurnell Peninsula, New South Wales

Most scholars date the arrival of humans in Australia at 40,000 to 50,000 years ago, with a possible range of up to 125,000 years ago.^[3] The earliest human remains found to date are that of Mungo Man which have been dated at about 40,000 years old. It is generally believed that Aboriginal people are the descendants of a single migration into the continent, although a minority propose that there were three waves of migration.^[19]

Aboriginal people lived as Hunter-gatherers. They hunted and foraged for food from the land. Aboriginal society was relatively mobile, or semi-nomadic, moving due to the changing food availability found across different areas as seasons changed. The mode of life and material cultures varied greatly from region to region. The greatest population density was to be found in the southern and eastern regions of the continent, the River Murray valley in particular.

It has been estimated that at the time of first European contact, the absolute minimum pre-1788 population was 315,000, while recent archaeological finds suggest that a population of 750,000 could have been sustained.^[7] The population was split into 250 individual nations, many of which were in alliance with one another, and within each nation there existed several clans, from as little as 5 or 6 to as many as 30 or 40. Each nation had its own language and a few had several. Thus over 250 languages existed, around 200 of which are now extinct or on the verge of extinction.

[edit] Since British Settlement

British colonisation of Australia began with the arrival of the First Fleet in Botany Bay in 1788.

A smallpox epidemic, which is believed to have been introduced by the Macassans^[20] is estimated to have killed up to 90% of the local Darug people in 1789 and has often been attributed to be caused by white settlers.

Wurundjeri people at the signing of Batman's Treaty, 1835.

A consequence of British settlement was appropriation of land and water resources, which continued throughout the 19th and early 20th centuries as rural lands were converted for sheep and cattle grazing.

In 1834 there occurred the first recorded use of Aboriginal trackers, who proved very adept at navigating their way through the Australian landscape and finding people.^{[citation needed]}

During the 1860s, Tasmanian Aboriginal skulls were particularly sought internationally for studies into craniofacial anthropometry. Truganini, the last Tasmanian Aborigine, had her skeleton exhumed within 2 years of her death in 1876 by the Royal Society of Tasmania, and was later placed on display. Campaigns continue to have Aboriginal body parts returned to Australia for burial.

In 1868, a group of Aboriginal cricketers toured England, becoming the first Australian cricketers to travel overseas.

[edit] 20th and 21st centuries

By 1900 the recorded Indigenous population of Australia had declined to approximately 93,000^[21] although this was only a partial count as both mainstream and tribal Aboriginal people and Torres Strait Islanders were poorly covered with desert Aboriginal peoples not counted at all until the 1930s.^[22] During the first half of the 20th century, many Indigenous Australians worked as stockmen on sheep stations and cattle stations.

Although, as British subjects, all Indigenous Australians were nominally entitled to vote, generally only those who "merged" into mainstream society did so. Only Western Australia and Queensland specifically excluded Aboriginals and Torres Strait Islanders from the electoral rolls. Despite the Commonwealth Franchise Act of 1902 that excluded "Aboriginal natives of Australia, Asia, Africa and Pacific Islands except New Zealand" from voting unless they were on the roll before 1901, South Australia insisted that all voters enfranchised within its borders would remain eligible to vote in the Commonwealth and Aboriginals and Torres Strait Islanders continued to be added to their rolls albeit haphazardly.^[22]

Despite efforts to bar their enlistment, around 500 Indigenous Australians fought for Australia in the First World War.^[23]

In the 1930s, the case of Dhakiyarr V The King saw the first appeal to the High Court by an Aboriginal Australian. In 1934, Dhakiyarr was found to have been wrongly convicted of the murder of a white policeman and the case focused national attention on Aboriginal rights issues. Dhakiyarr disappeared upon release.^[24] In 1938, the 150th anniversary of the arrival of British First Fleet was marked as a Day of Mourning and Protest at an Aboriginal meeting in Sydney.^[25]

Hundreds of Indigenous Australians served in the Australian armed forces during World War Two – including with the Torres Strait Light Infantry Battalion and The Northern Territory Special Reconnaissance Unit, which were established to guard Australia's North against the threat of Japanese invasion.^[26]

The 1960s was a pivotal decade in the re-assertion of Aboriginal rights. In 1962, Commonwealth legislation specifically gave Aboriginal people the right to vote in Commonwealth elections. In 1966, Vincent Lingiari led a famous walk-off of Indigenous employees of Wavehill Station, in protest against poor pay and conditions (later the subject of a Paul Kelly song). The landmark 1967 referendum called by Prime Minister Harold Holt allowed the Commonwealth to make laws with respect to Aboriginal people, and for Aboriginal people to be included when the country does a count to determine electoral representation. The referendum passed with 90.77% voter support.^[27]

In the controversial 1971 Gove land rights case, Justice Blackburn ruled that Australia had been terra nullius before British settlement, and that no concept of native title existed in Australian law. In 1971, Neville Bonner joined the Australian Senate as a Senator for Queensland for the Liberal Party, becoming the first Indigenous Australian in the Federal Parliament. A year later, the Aboriginal Tent Embassy was established on the steps of Parliament House in Canberra. In 1976, Sir Douglas Nicholls was appointed as the 28th Governor of South Australia, the first Aboriginal person appointed to vice-regal office.^[28]

In sport Evonne Goolagong Cawley became the world number-one ranked tennis player in 1971 and won 14 Grand Slam titles during her career. In 1973 Arthur Beetson became the first Indigenous Australian to captain his country in any sport when he first led the Australian National Rugby League team, the Kangaroos.^[29] In 1982, Mark Ella became Captain of the Australian National Rugby Union Team, the Wallabies.^[30] In 1984, a group of Pintupi people who were living a traditional hunter-gatherer desert-dwelling life were tracked down in the Gibson Desert in Western Australia and brought in to a settlement. They are believed to be the last uncontacted tribe in Australia.^[31] In 1985, the Australian government returned ownership of Uluru (named Ayers Rock in Colonial times) to the local Pitjantjatjara Aboriginal people.

In 1992, the High Court of Australia handed down its decision in the Mabo Case, declaring the previous legal concept of terra nullius to be invalid. A Constitutional Convention which selected a Republican model for the Referendum in 1998 included just six Indigenous participants, leading Monarchist delegate Neville Bonner to end his contribution to the Convention with his Jagera Tribal Sorry Chant in sadness at the low number of Indigenous representatives. The Republican Model, as well as a proposal for a new Constitutional Preamble which would have included the "honouring" of Aboriginals and Torres Strait Islanders was put to referendum but did not succeed^[32]

In 1999 the Australian Parliament passed a Motion of Reconciliation drafted by Prime Minister John Howard in consultation with Aboriginal Senator Aden Ridgeway naming mistreatment of Indigenous Australians as the most "blemished chapter in our national history".^[33]

In 2000, Aboriginal sprinter Cathy Freeman lit the Olympic flame at the opening ceremony of the 2000 Summer Olympics in Sydney. In 2001, the Federal Government dedicated Reconciliation Place in Canberra.

In 2004, the Australian Government abolished the Aboriginal and Torres Strait Islander Commission amidst allegations of corruption.^[34]

In 2007, Prime Minister John Howard and Indigenous Affairs Minister Mal Brough launched the Northern Territory National Emergency Response. In response to the Little Children are Sacred Report into allegations of child abuse among indigenous communities in the Territory, the government banned alcohol in prescribed communities in the Northern Territory; quarantined a percentage of welfare payments for essential goods purchasing; despatched additional police and medical personnel to the region; and suspended the permit system for access to indigenous communities.^[35]

On 13 February 2008, Prime Minister Kevin Rudd issued a public apology to members of the Stolen Generations on behalf of the Australian Government.

[edit] Culture

Main article: Indigenous Australian culture

Rock painting at Ubirr in Kakadu National Park

There are a large number of tribal divisions and language groups in Aboriginal Australia, and, correspondingly, a wide variety of diversity exists within cultural practices. However, there are some similarities between cultures.

[edit] Belief systems

Main article: Indigenous Australian culture

See also: Australian Aboriginal mythology

Religious demography among Indigenous Australians is not conclusive because the methodology of the census is not always well-suited to obtaining accurate information on Aboriginal people.^[36] The 1996 census reported that almost 72 percent of Aboriginals practised some form of Christianity; 16 percent listed no religion. The 2001 census contained no comparable updated data.^[37] There has also been an increase in the number of followers of Islam among the Indigenous Australian community.^[38] This growing community includes high-profile members such as the boxer, Anthony Mundine.^[39]

Aboriginal people traditionally adhered to animist spiritual frameworks. Within Aboriginal belief systems, a formative epoch known as 'the Dreamtime' stretches back into the distant past when the creator ancestors known as the First Peoples travelled across the land, creating and naming as they went.^[40] Indigenous Australia's oral tradition and religious values are based upon reverence for the land and a belief in this Dreamtime.

The Dreaming is at once both the ancient time of creation and the present-day reality of Dreaming. There were a great many different groups, each with its own individual culture, belief structure, and language. These cultures overlapped to a greater or lesser extent, and evolved over time. Major ancestral spirits include the Rainbow Serpent, Baiame, Dirawong and Bunjil.

[edit] Music

A didgeridoo, or yirdaki

Main article: Indigenous Australian music

The various Indigenous Australian communities developed unique musical instruments and folk styles. The didgeridoo, which is widely thought to be a stereotypical instrument of Aboriginal people, was traditionally played by people of only the eastern Kimberley region and Arnhem Land (such as the Yolngu), and then by only the men.^[41] Clapping sticks are probably the more ubiquitous musical instrument, especially because they help maintain rhythm for songs.

Contemporary Australian aboriginal music is predominantly of the country music genre. Most Indigenous radio stations – particularly in metropolitan areas – serve a double purpose as the local country-music station. More recently, Indigenous Australian musicians have branched into rock and roll, hip hop and reggae. One of the most well known modern bands is Yothu Yindi playing in a style which has been called Aboriginal rock.

Amongst young Australian Aboriginal peoples, African-American and Aboriginal hip hop music and clothing is popular.^[42] Aboriginal boxing champion and former rugby league player Anthony Mundine identified US rapper Tupac Shakur as a personal inspiration, after Mundine's release of his 2007 single, Platinum Ryder.^[43]

[edit] Art

Main articles: Indigenous Australian art and Contemporary Indigenous Australian art

Australia has a tradition of Aboriginal art which is thousands of years old, the best known forms being rock art and bark painting. These paintings usually consist of paint using earthly colours, specifically, from paint made from ochre. Traditionally, Aboriginal people have painted stories from their Dreamtime.

Modern Aboriginal artists continue the tradition, using modern materials in their artworks. Aboriginal art is the most internationally recognisable form of Australian art.^{[citation needed]} Several styles of Aboriginal art have developed in modern times, including the watercolour paintings of Albert Namatjira; the Hermannsburg School, and the acrylic Papunya Tula "dot art" movement.

Australian Aboriginal poetry – ranging from sacred to everyday – is found throughout the continent.^[44]

[edit] Traditional recreation

Australian Aboriginal domestic scene from 1857 depicting traditional recreation, including a football game which may be Marn Grook.^[45]

An Indigenous community Australian rules football game.

The Djab wurrung and Jardwadjali people of western Victoria once participated in the traditional game of Marn Grook, a type of football played with a ball made of possum hide.^[46] The game is believed by some to have inspired Tom Wills, inventor of the code of Australian rules football, a popular Australian winter sport. The Wills family had strong links to Indigenous people and Wills coached the first Australian cricket side to tour England, the Australian Aboriginal cricket team in England in 1868.^{[citation needed]}

[edit] Population

[edit] Definition

In 1983 the High Court of Australia^[47] defined an Aboriginal or Torres Strait Islander as "a person of Aboriginal or Torres Strait Islander descent who identifies as an Aboriginal or Torres Strait Islander and is accepted as such by the community in which he or she lives".

The ruling was a three-part definition comprising descent, self-identification and community identification. The first part – descent – was genetic descent and unambiguous, but led to cases where a lack of records to prove ancestry excluded some. Self- and community identification were more problematic as they meant that an Indigenous person separated from her or his community due to a family dispute could no longer identify as Aboriginal.

As a result there arose court cases throughout the 1990s where excluded people demanded that their Aboriginality be recognised. In 1995, Justice Drummond ruled "..either genuine self-identification as Aboriginal alone or Aboriginal communal recognition as such by itself may suffice, according to the circumstances." This contributed to an increase of 31% in the number of people identifying as Indigenous Australians in the 1996 census when compared to the 1991 census.^[48]

Judge Merkel in 1998 defined Aboriginal descent as technical rather than real – thereby eliminating a genetic requirement.^[49] This decision established that anyone can classify him or herself legally as an Aboriginal, provided he or she is accepted as such by his or her community.

[edit] Inclusion in the National Census

Main article: Demographics of Australia

As there is no formal procedure for any community to record acceptance, the primary method of determining Indigenous population is from self-identification on census forms.

Until 1967 official Australian population statistics excluded "full-blood aboriginal natives" in accordance with section 127 of the Australian Constitution, even though many such people were actually counted. The size of the excluded population was generally separately estimated. "Half-caste aboriginal natives" were shown separately up to the 1966 census, but since 1971 there has been no provision on the forms to differentiate 'full' from 'part' Indigenous or to identify non-Indigenous persons accepted by Indigenous communities, but who have no genetic descent.^[50]

[edit] Demographics

Main article: Demographics of Australia

The Australian Bureau of Statistics 2005 snapshot of Australia showed that the Indigenous population had grown at twice the rate of the overall population since 1996 when the Indigenous population stood at 283,000. As of June 2001, the Australian Bureau of Statistics estimated the total resident Indigenous population to be 458,520 (2.4% of Australia's total), 90% of whom identified as Aboriginal, 6% Torres Strait Islander and the remaining 4% being of dual Aboriginal and Torres Strait Islander parentage. Much of the increase since 1996 can be attributed to greater numbers of people identifying themselves as Aboriginal or of Aboriginal descent. Changed definitions of aboriginality and positive discrimination via material benefits have been cited as contributing to a movement to indigenous identification.^[22]

In the 2006 Census, 407,700 respondents declared they were Aboriginal, 29,512 declared they were Torres Strait Islander, and a further 17,811 declared they were both Aboriginal and Torres Strait Islanders.^[51] After adjustments for undercount, the indigenous population as of end June 2006 was estimated to be 517,200, representing about 2.5% of the population.^[52]

Based on Census data at 30 June 2006, the preliminary estimate of Indigenous resident population of Australia was 517,200, broken down as follows:

• New South Wales – 148,200
• Queensland – 146,400
• Western Australia – 77,900
• Northern Territory – 66,600
• Victoria – 30,800
• South Australia – 26,000
• Tasmania – 16,900
• ACT – 4,000
• and a small number in other Australian territories^[53]

The State with the largest total Indigenous population is New South Wales. Indigenous Australians constitute 2.2% of the overall population of the State. The Northern Territory has the largest Indigenous population in percentage terms for a State or Territory, with 31.6% of the population being Indigenous.

All the other States and Territories have less than 4% of their total populations identifying as Indigenous; Victoria has the lowest percentage at 0.6%.^[53]

As of 2006 about 31% of the Indigenous population was living in 'major cities' (as defined by the Australian Bureau of Statistics/Australian Standard Geographical Classification) and another 45% in 'regional Australia', with the remaining 24% in remote areas. The populations in Victoria, South Australia, and New South Wales are more likely to be urbanised.^[54]

The proportion of Aboriginal adults married (de facto or de jure) to non-Aboriginal spouses was 69% according to the 2001 census, up from 64% in 1996, 51% in 1991 and 46% in 1986. The census figures show there were more intermixed Aboriginal couples in capital cities: 87% in 2001 compared to 60% in rural and regional Australia.^[55] It is reported that up to 88% of the offspring of mixed marriages subsequently self identify as Indigenous Australians.^[48]

[edit] Groups and communities

Main articles: List of Indigenous Australian group names, Australian Aboriginal kinship, and Australian Aboriginal language

Throughout the history of the continent, there have been many different Aboriginal groups, each with its own individual language, culture, and belief structure. At the time of British settlement, there were over 200 distinct languages.

There are an indeterminate number of Indigenous communities, comprising several hundred groupings. Some communities, cultures or groups may be inclusive of others and alter or overlap; significant changes have occurred in the generations after colonisation.

The word 'community' is often used to describe groups identifying by kinship, language or belonging to a particular place or 'country'. A community may draw on separate cultural values and individuals can conceivably belong to a number of communities within Australia; identification within them may be adopted or rejected.

An individual community may identify itself by many names, each of which can have alternate English spellings. The largest Aboriginal communities – the Pitjantjatjara, the Arrernte, the Luritja and the Warlpiri – are all from Central Australia.

This section requires expansion.

Tasmania

Fanny Cochrane Smith

Main article: Tasmanian Aborigines

The Tasmanian Aboriginal population are thought to have first crossed into Tasmania approximately 40,000 years ago via a land bridge between the island and the rest of mainland Australia during the last glacial period.^{[citation needed]} The original population, estimated at 4,000 to 6,000 people, was reduced to a population of around 300 between 1803 and 1833 due to the introduced diseases^[56] and actions of British settlers.^{[citation needed]}

A woman named Truganini, who died in 1876, is generally considered to be the last Aboriginal Tasmanian of full descent. Fanny Cochrane Smith, who died in 1905, was once described as the "last of the Tasmanian Aborigines" [citation needed] but the 2006 census showed that there were nearly 17,000 Indigenous Australians in the State.

[edit] Contemporary issues

The Indigenous Australian population is a mostly urbanised demographic, but a substantial number (27% as of 2002^[57]) live in remote settlements often located on the site of former church missions. The health and economic difficulties facing both groups are substantial. Both the remote and urban populations have adverse ratings on a number of social indicators, including health, education, unemployment, poverty and crime.^[58]

In 2004 former Prime Minister John Howard initiated contracts with Aboriginal communities, where substantial financial benefits are available in return for commitments such as ensuring children attend school. These contracts are known as Shared Responsibility Agreements. This saw a political shift from 'self determination' for Aboriginal communities to 'mutual obligation',^[59] which has been criticised as a "paternalistic and dictatorial arrangement".^[60]

[edit] Stolen Generations

Main article: Stolen Generations

The Stolen Generations were those children of Australian Aboriginal and Torres Strait Islander descent who were forcibly removed from their families by the Australian Federal and State government agencies and church missions, under acts of their respective parliaments.^[61][62] The removals occurred in the period between approximately 1869^[63] and 1969,^[64][65] although, in some places, children were still being taken in the 1970s.^[66]

On 13 February 2008, the federal government of Australia, led by Prime Minister Kevin Rudd, issued a formal apology to the Indigenous Australians over the Stolen Generations.^[67]

[edit] Political representation

Part of a series on
Indigenous rights
Rights
Human rights · Racial Discrimination Self-determination · Forced assimilation Forced relocation · Cultural heritage Freedom of religion · Cultural diversity Land rights · Traditional knowledge Intellectual property  · Language Land use planning  · Right to Indentity Conflict Resolution · Gender equality
Notable NGOs and other entities
ACHPR · Amazon Watch · Arctic Council AFN · Council of Indigenous Peoples · CAP COICA · CONAIE · Cultural Survival · EZLN fPcN · FUNAI · IPACC · IPCB · IWGIA · NARF ONIC · Survival · UNPFII · UNPO · (more)
Issues
Colonialism · Civilizing mission / Manifest Destiny Cultural genocide · Development criticism Bantustan  · Indian reservation  · Indian reserve
Legal Representation
ILO 169 · United Nations Declaration
Historical Cases
Papua Conflict · San controversy Indian removal · Peruvian Crisis Chiapas conflict · High Arctic relocation Oka Crisis · Stolen Generations
Related Categories
Organizations · Politics Documentaries · Activists
v • d • e

See also: Voting rights of Australian Aboriginals

Under Section 41 of the Australian Constitution Aboriginal Australians always had the legal right to vote in Australian Commonwealth elections if their State granted them that right. This meant that all Aboriginal peoples outside Queensland and Western Australia had a legal right to vote. The right of indigenous ex-servicemen to vote was affirmed in 1949 and all Indigenous Australians gained the unqualified right to vote in Federal elections in 1962.^[68] Unlike other Australians, however, voting was not made compulsory for Indigenous people.

It was not until the repeal of Section 127 of the Australian Constitution in 1967 that Indigenous Australians were counted in the population for the purpose of distribution of electoral seats. Only two Indigenous Australians have been elected to the Australian Parliament, Neville Bonner (1971–1983) and Aden Ridgeway (1999–2005). There are currently no Indigenous Australians in the Australian Parliament, however a number of indigenous people represent electorates at State and Territorial level, and South Australia has had an Aboriginal Governor, Sir Douglas Nicholls. The first Indigenous Australian to serve as a minister in any government was Ernie Bridge, who entered the Western Australian Parliament in 1980. The first woman minister was Marion Scrymgour, who was appointed to the Northern Territory ministry in 2002 (she became Deputy Chief Minister in 2008).^[68]

ATSIC, a representative body of Aboriginal and Torres Strait Islanders, was set up in 1990 under the Hawke government. In 2004, the Howard government disbanded ATSIC and replaced it with an appointed network of 30 Indigenous Coordination Centres that administer Shared Responsibility Agreements and Regional Partnership Agreements with Aboriginal communities at a local level.^[69]

In October 2007, just prior to the calling of a federal election, the then Prime Minister, John Howard, revisited the idea of bringing a referendum to seek recognition of Indigenous Australians in the Constitution (his government first sought to include recognition of Aboriginal peoples in the Preamble to the Constitution in a 1999 referendum). His 2007 announcement was seen by some as a surprising adoption of the importance of the symbolic aspects of the reconciliation process, and reaction was mixed. The ALP initially supported the idea, however Kevin Rudd withdrew this support just prior to the election – earning stern rebuke from activist Noel Pearson.^[70] Critical sections of the Australian public and media^[71] meanwhile suggested that Howard's raising of the issue was a "cynical" attempt in the lead-up to an election to "whitewash" his handling of this issue during his term in office. David Ross of the Central Land Council was sceptical, saying "its a new skin for an old snake",^[72] while former Chairman of the Reconciliation Council Patrick Dodson gave qualified support, saying: "I think it's a positive contribution to the process of national reconciliation...It's obviously got to be well discussed and considered and weighed, and it's got to be about meaningful and proper negotiations that can lead to the achievement of constitutional reconciliation."^[73]

[edit] Age characteristics

The Indigenous population of Australia is much younger than the non-Indigenous population, with an estimated median age of 21 years (37 years for non-Indigenous), due to higher rates of birth and death.^[74] For this reason, age standardisation is often used when comparing Indigenous and non-Indigenous statistics.^[57]

[edit] Life Expectancy

Indigenous life expectancy is difficult to quantify accurately. Indigenous deaths are poorly identified, and there is some uncertainty about the size of the population at risk. In 2009, the ABS estimated life expectancy at 67.2 years for Indigenous men (11.5 years less than for non-Indigenous) and 72.9 years for Indigenous women (9.7 years less than for non-Indigenous). Previous figures published in 2005 had indicated a widely-quoted gap of 17 years between indigenous and non-indigenous life expectancy, but the ABS does not consider the 2005 figures to be reliable.^[75][76][77]

[edit] Education

Students as a group leave school earlier, and live with a lower standard of education, compared with their peers. Although the situation is slowly improving (with significant gains between 1994 and 2002),^[57]

• 39% of indigenous students stayed on to year 12 at high school, compared with 75% for the Australian population as a whole.^[78]
• 22% of indigenous adults had a vocational or higher education qualification, compared with 48% for the Australian population as a whole.^[78]
• 4% of Indigenous Australians held a bachelor degree or higher, compared with 21% for the population as a whole. While this fraction is increasing, it is increasing at a slower rate than that for Australian population as a whole.^[78]

The performance of indigenous students in national literacy and numeracy tests conducted in school years three, five, and seven is also inferior to that of their peers. The following table displays the performance of indigenous students against the general Australian student population as reported in the National Report on Schooling in Australia 2004.^[79]

Percent achieving 2004 benchmark

	Reading	Writing	Numeracy
Indigenous	Year 3 Year 5 Year 7 82.9 69.4 71.0	Year 3 Year 5 Year 7 76.8 81.7 78.8	Year 3 Year 5 Year 7 79.2 69.4 51.9
Australia	93.0 88.7 91.0	92.9 94.2 93.6	93.7 91.2 82.1

In response to this problem, the Commonwealth Government formulated a National Aboriginal and Torres Strait Islander Education Policy. A number of government initiatives have resulted, some of which are listed by the Commonwealth Government's page.^[80]

[edit] Employment

Despite widespread^{[citation needed]}preferential employment policies, Indigenous Australians as a group generally experience high unemployment compared to the national average. For instance, in August 2001, the (non-age-standardised) unemployment rate for Indigenous Australians was 20.0%, compared to 7.2% for non-Indigenous Australians. The difference is not solely due to the increased proportion of Indigenous Australians living in rural communities, for unemployment is higher in Indigenous Australian populations living in urban centres than for non-Indigenous populations in the same regions (Source: ABS). As of 2002, the average household income for Indigenous Australian adults (adjusted for household size and composition) was 60% of the non-Indigenous average.^[57]

[edit] Health

Due to lack of access to medical facilities, Indigenous Australians were twice as likely to report their health as fair/poor and one-and-a-half times more likely to have a disability or long-term health condition (after adjusting for demographic structures).^[57]

Health problems with the highest disparity (compared with the non-Indigenous population) in incidence^[81] are outlined in the table below:

Health complication	Comparative incidence rate	Comment
Circulatory system	2 to 10-fold	5 to 10-fold increase in rheumatic heart disease and hypertensive disease, 2-fold increase in other heart disease, 3-fold increase in death from circulatory system disorders. Circulatory system diseases account for 24% deaths[82]
Renal failure	2 to 3-fold	2 to 3-fold increase in listing on the dialysis and transplant registry, up to 30-fold increase in end stage renal disease, 8-fold increase in death rates from renal failure, 2.5% of total deaths[82]
Communicable	10 to 70-fold	10-fold increase in tuberculosis, Hepatitis B and Hepatitis C virus, 20-fold increase in Chlamydia, 40-fold increase in Shigellosis and Syphilis, 70-fold increase in Gonococcal infections
Diabetes	3 to 4-fold	11% incidence of Type 2 Diabetes in Indigenous Australians, 3% in non-Indigenous population. 18% of total indigenous deaths[82]
Cot death	2 to 3-fold	Over the period 1999–2003, in Queensland, Western Australia, South Australia and the Northern Territory, the national cot death rate for infants was three times the rate
Mental health	2 to 5-fold	5-fold increase in drug-induced mental disorders, 2-fold increase in diseases such as schizophrenia, 2 to 3-fold increase in suicide.[83]
Optometry/Ophthalmology	2-fold	A 2-fold increase in cataracts
Neoplasms	60% increase in death rate	60% increased death rate from neoplasms. In 1999–2003, neoplasms accounted for 17% of all deaths[82]
Respiratory	3 to 4-fold	3 to 4-fold increased death rate from respiratory disease accounting for 8% of total deaths

Each of these indicators is expected to underestimate the true prevalence of disease in the population due to reduced levels of diagnosis.^[81]

In addition, the following factors have been at least partially implicated in the inequality in life expectancy:^[57][81]

• poverty
• insufficient education
• substance abuse^[84][85]
• for remote communities poor access to health services
• for urbanised Indigenous Australians, cultural pressures which prevent access to health services
• cultural differences resulting in poor communication between Indigenous Australians and health workers.

Successive Federal Governments have responded to these issues by implementing programs such as the Office of Aboriginal and Torres Strait Islander Health (OATSIH). Which effected by bringing health services into indigenous communities, but on the whole the problem still remains challenging.

[edit] Crime & imprisonment

Indigenous Australians are jailed five times more often than black males in South Africa under apartheid.^[86] In 2000, Indigenous Australians were more likely per capita to be both victims of and perpetrators of reported crimes in New South Wales.^[87] In 2002, Indigenous Australians were twice as likely as their non-Indigenous peers to be a victim of violent aggression,^[88] with 24% of Indigenous Australians reported as being a victim of violence in 2001.^[88] In 2004, Indigenous Australians were 11 times more likely to be in prison (age-standardised figures). In June 2004, 21% of prisoners in Australia were Indigenous.^[88] There are frequent reports of domestic violence and community disturbances.^[89]

[edit] Substance abuse

Signpost outside Yirrkala, NT, where kava was introduced as a safer alternative to alcohol, but was withdrawn in 2007.

Many Indigenous communities suffer from a range of health, social and legal problems associated with substance abuse of both legal and illegal drugs.

The 2004–05 National Aboriginal and Torres Strait Islander Health Survey (NATSIHS) by the ABS found that the proportion of the Indigenous adult population engaged in 'risky' and 'high-risk' alcohol consumption (15%) was comparable with that of the non-Indigenous population (14%), based on age-standardised data.^[90] The definition of "risky" and "high-risk" consumption used is four or more standard drinks per day average for males, two or more for females.

The 2007 National Drug Strategy Household Survey^[91] reported that Indigenous peoples were "more likely than other Australians to abstain from alcohol consumption (23.4% versus 16.8%) and also more likely to consume alcohol at risky or high-risk levels for harm in the short term (27.4% versus 20.1%)". These NDSHS comparisons are non-age-standardised; the paper notes that Indigenous figures are based on a sample of 372 people and care should be exercised when using Indigenous figures.

NATSIHS 2004/5 also found that, after adjusting for age differences between the two populations, Indigenous adults were more than twice as likely as non-Indigenous adults to be current daily smokers of tobacco.^[92]

To combat the problem, a number of programs to prevent or mitigate against alcohol abuse have been attempted in different regions, many initiated from within the communities themselves. These strategies include such actions as the declaration of "Dry Zones" within indigenous communities, prohibition and restriction on point-of-sale access, and community policing and licensing.

Some communities (particularly in the Northern Territory) introduced kava as a safer alternative to alcohol, as over-indulgence in kava produces sleepiness, in contrast to the violence that can result from over-indulgence in alcohol. These and other measures met with variable success, and while a number of communities have seen decreases in associated social problems caused by excessive drinking, others continue to struggle with the issue and it remains an ongoing concern.

The ANCD study notes that in order to be effective, programs in general need also to address "...the underlying structural determinants that have a significant impact on alcohol and drug misuse" (Op. cit., p. 26). In 2007, Kava was banned in the Northern Territory.^[93]

Petrol sniffing is also a problem among some remote Indigenous communities. Petrol vapour produces euphoria and dulling effect in those who inhale it, and due to its previously low price and widespread availability, is an increasingly popular substance of abuse.

Proposed solutions to the problem are a topic of heated debate among politicians and the community at large.^[94][95] In 2005 this problem among remote indigenous communities was considered so serious that a new, low aromatic petrol Opal was distributed across the Northern Territory to combat it.^[96]

[edit] Prominent Indigenous Australians

Main article: Lists of Indigenous Australians

See also: Category:Indigenous Australians

After the arrival of European settlers in New South Wales, some Indigenous Australians became translators and go-betweens; the best-known was Bennelong, who eventually adopted European dress and customs and travelled to England where he was presented to King George III. Others, such as Pemulwuy, Yagan, and Windradyne, became famous for armed resistance to the European settlers.

During the twentieth century, as social attitudes shifted and interest in Indigenous culture increased, there were more opportunities for Indigenous Australians to gain recognition. Albert Namatjira became one of Australia's best-known painters, and actors such as David Gulpilil, Ernie Dingo, and Deborah Mailman became well known. Bands such as Yothu Yindi, and singers Christine Anu, Jessica Mauboy and Geoffrey Gurrumul Yunupingu, have successfully combined Indigenous musical styles and instruments with pop/rock, gaining wide appreciation amongst non-Indigenous audiences. Polymath David Unaipon is commemorated on the Australian $50 note.

Indigenous Australians have also been prominent in sport. Lionel Rose earned a world title in boxing. Evonne Goolagong became the world number-one ranked tennis player with 14 Grand Slam titles. Arthur Beetson, Laurie Daley and Gorden Tallis captained Australia in Rugby League. Mark Ella captained Australia in Rugby Union. Prominent Australian athletes include Cathy Freeman earned gold medals in the Olympics, World Championships, and Commonwealth Games. In Australian Football, an increasing number of Indigenous Australians are playing at the highest level, the Australian Football League.^[97] Graham Farmer is said to have revolutionised the game in the ruck and handball areas, and Brownlow Medallists and Indigenous Team of the Century members Gavin Wanganeen and Adam Goodes.

While relatively few Indigenous Australians have been elected to political office (Neville Bonner and Aden Ridgeway remain the only ones to have been elected to the Australian Senate), Aboriginal rights campaigner Sir Douglas Nicholls was appointed Governor of the State of South Australia in 1976, and many others have become famous through political activism – for instance, Charles Perkins' involvement in the Freedom Ride of 1965 and subsequent work; or Torres Strait Islander Eddie Mabo's part in the landmark native title decision that bears his name. The voices of Cape York activist Noel Pearson; and academics Marcia Langton and Mick Dodson today loom large in national debates. Some Indigenous people who initially became famous in other spheres – for instance, poet Oodgeroo Noonuccal – have used their celebrity to draw attention to Indigenous issues.

In health services, Kelvin Kong became the first Indigenous surgeon in 2006 and is a notable advocate of Indigenous health issues.^{[98][99][100][101]}

[edit] Representative sporting teams

Aboriginal Cricket Team with Tom Wills (captain), MCG, December 1866

Aboriginal Australia has been represented in various sporting teams. Notable teams include the Indigenous All-Stars, Flying Boomerangs and Indigenous Team of the Century (Australian rules football) and the Indigenous All Stars (rugby league) . The first organised trip of Australian cricketers to travel overseas was comprised principally of Aboriginal members embarked on a tour of England in 1868. Charles Lawrence accompanied them as captain and coach.

[edit] See also

• Aboriginal sacred site
• Australian Indigenous HealthInfoNet
• Australoid race
• Customary Aboriginal law
• List of Indigenous Peoples
• List of laws concerning Indigenous Australians
• NAIDOC Week
• Northern Territory National Emergency Response
• Welcome to Country and Acknowledgement of Country

Wikimedia Commons has media related to: Australian Aboriginals

[show] v • d • e Indigenous Australians   Peoples Aboriginal Australians · Torres Strait Islanders · Tasmanian Aborigines · Groups · Communities   People People from politics and public service · Activists · Sportspeople · Visual artists · Performing artists · Writers · Musicians · West Australians   Culture Dreaming · Dreamtime · Mythology · Deities · Kinship · Avoidance · Seasons · Enumeration · Marn grook · Kurdaitcha · Astronomy · Songlines · Message stick · The Deadlys · NAIDOC · Torres Strait Islands · Bora · Outstation movement · Riji · Tjurunga · Smoking ceremony   Languages Language Groups · Pama-Nyungan languages · Sign languages · Avoidance speech · Placenames · Loanwords into English · Gunwinyguan languages · Australian Aboriginal English · Kriol · Torres Strait Island   Organisations Northern Land Council · Central Land Council · Aboriginal Medical Service · Media · Australians for Native Title and Reconciliation · Reconciliation Australia · AIATSIS · National Indigenous Council · Aborigines Advancement League · Office of the Registrar of Indigenous Corporations   Bushcraft Bushfood · Bush medicine · Bush bread · Fibrecraft · Soaks · Shelter · Possum-skin cloak · Buka · Food groups · Sweet foods · Fire-stick farming · Woomera · Boomerang · Coolamon · Waddy · Spinifex resin   Arts Visual art · Contemporary visual art · Artifacts · Bark painting · Sandpainting · Papunya Tula · Music · Dance · Rock · Music groups · Didgeridoo · Vibe · NATSIA Award   History Prehistory · History · Historical figures · Missions · Western Australia · 1946 Pilbara strike · Gurindji strike · Massacres · King plates · Day of Mourning · Tent Embassy · Caledon Bay Crisis · Cummeragunja walk-off · Native Police · Aborigines Progressive Association · ATSIC · Pintupi Nine · Tasmania   Issues Stolen Generations · Land rights · Petrol sniffing · Royal Commission into Aboriginal Deaths in Custody · Media portrayal · Northern Territory National Emergency Response

[show] v • d • e Culture of Indigenous Oceania   List of resources about traditional arts and culture of Oceania   Art ahu · Australia · Austronesia · Cook Islands · Hawaiʻi · kapa (Hawaiʻi) · lei (Hawaii) · magimagi · Māori · moai · New Zealand · nguzu nguzu · Oceania · Papua New Guinea · reimiro · tā moko · tapa ["masi" (Fiji), "ngatu" (Tonga), "siapo" (Sāmoa), " ʻuha" (Rotuma)] · tabua · ta'ovala · tattoo · tēfui · tivaivai   Broad culture areca nut · Kava culture · kava, [" ʻawa" (Hawaii), " ʻava" (Sāmoa), "yaqona" (Fiji), or "sakau" (Pohnpei)] · Lapita · Māori · Polynesia · Polynesian navigation · wood carving   Geo-specific, general Australia · Australian Aboriginal astronomy · Austronesia · Caroline Islands, -Pwo · Chatham Islands · Cook Islands · Easter Island · Fiji, -Lau Islands, -traditions and ceremonies · Guam · Hawaiʻi, -Lomilomi massage · Kiribati · French Polynesia's Marquesas Islands · Marshall Islands, -Stick charts of · Federated States of Micronesia · Nauru · New Caledonia · New Zealand · Niue · Norfolk Island · Palau · Papua New Guinea · Pitcairn Islands · Sāmoa · Solomon Islands · Tonga · Torres Strait Islands · Tuvalu · Vanuatu · Wallis and Futuna · Yap, -navigation, -Weriyeng navigation school   Canoes Aboriginal Dugout · Alingano Maisu · Drua · Dugout (boat) · Hawaiʻiloa · Hōkūleʻa · Modern Hawaiian outrigger · Māori migration · Outrigger · Polynesian sailing · Proa · Waka,-List of · Walap   Dance 'aparima · cibi · fara · fire dancing · firewalking · haka · hivinau · hula · kailao · kapa haka · Kiribati · meke · 'ote'a · pa'o'a · poi · Rotuma · siva · Tahiti · tāmūrē · tautoga · Tonga · 'upa'upa   Festivals Australia's Garma Festival · Hawaiʻi's Aloha Festivals, Merrie Monarch Festival, and World Invitational Hula Festival · Fiji · New Zealand's Pasifika Festival · The Pacific Community's Festival of Pacific Arts · Festivals in Papua New Guinea   Languages by area [show] v • d • e Languages of Oceania   Sovereign states Australia · East Timor1 · Fiji · Indonesia1 · Kiribati · Papua New Guinea · Marshall Islands · Federated States of Micronesia · Nauru · New Zealand · Palau · Samoa · Solomon Islands · Tonga · Tuvalu · Vanuatu   Dependencies and other territories American Samoa · Christmas Island · Cocos (Keeling) Islands · Cook Islands · French Polynesia · Guam · Hawaii · New Caledonia · Niue · Norfolk Island · Northern Mariana Islands · Pitcairn Islands · Rotuma · Tokelau · Wallis and Futuna   1 Transcontinental country.   by category Languages of Oceania   Literature [show] v • d • e Literature of Oceania   Sovereign states Australia · East Timor1 · Fiji · Indonesia1 · Kiribati · Papua New Guinea · Marshall Islands · Federated States of Micronesia · Nauru · New Zealand · Palau · Samoa · Solomon Islands · Tonga · Tuvalu · Vanuatu   Dependencies and other territories American Samoa · Christmas Island · Cocos (Keeling) Islands · Cook Islands · French Polynesia · Guam · Hawaii · New Caledonia · Niue · Norfolk Island · Northern Mariana Islands · Pitcairn Islands · Rotuma · Tokelau · Wallis and Futuna   1 Transcontinental country.   Music Austral Islands (French Polynesia) · Australia · Austronesia · Cook Islands · didgeridoo · Easter Island · Fiji · Guam · Hawaiʻi · Kiribati · Lali · Māori · Melanesia · Northern Mariana Islands · Micronesia · Federated States of Micronesia · Nauru · New Caledonia · New Zealand · Niue · Palau · Papua New Guinea · Polynesia · Sāmoa · Slit drum · Solomon Islands · Tahiti · Tokelau · Tonga · Tuvalu · Vanuatu · Wallis and Futuna   Mythology Australian Aboriginal · Fijian · Māori · Melanesian · Menehune · Micronesian · Oceanian legendary creatures · Polynesian · Rapa Nui · Vanuatu   People Indigneous Australian · Austronesian · Chamorro · Chatham Islander (Moriori or Rekohu) · Fijian · Hawaiian (kānaka maoli) · Māori · Marshallese · Melanesian · Micronesian · Negrito · Norfolk Islander · Papuan · Polynesian · Indigenous Polynesian (Mā’ohi) · Rapanui · Rotuman · Samoan · Tahitian · Tongan · Torres Strait Islander   Religion [show] v • d • e Religion in Oceania   Sovereign states Australia · East Timor1 · Fiji · Indonesia1 · Kiribati · Papua New Guinea · Marshall Islands · Federated States of Micronesia · Nauru · New Zealand · Palau · Samoa · Solomon Islands · Tonga · Tuvalu · Vanuatu   Dependencies and other territories American Samoa · Christmas Island · Cocos (Keeling) Islands · Cook Islands · French Polynesia · Guam · Hawaii · New Caledonia · Niue · Norfolk Island · Northern Mariana Islands · Pitcairn Islands · Rotuma · Tokelau · Wallis and Futuna   1 Transcontinental country.   Not included: Oceanian: cinema, (indigenous) currency, dress, folkore, cuisine. Also see Category:Oceanian culture.

[edit] References

1. ^ ANU.edu.au Australian National University
2. ^ Tim Flannery (1994), The Future Eaters: An Ecological History of the Australasian Lands and People, ISBN 0-8021-3943-4 ISBN 0-7301-0422-2
3. ^ ^{a b} "When did Australia's earliest inhabitants arrive?", University of Wollongong, 2004. Retrieved 6 June 2008.
4. ^ "Aboriginal truth and white media: Eric Michaels meets the spirit of Aboriginalism", The Australian Journal of Media & Culture, vol. 3 no 3, 1990. Retrieved 6 June 2008.
5. ^ "Australian Social Trends" Australian Bureau of Statistics, 1999, Retrieved on 6 June 2008,
6. ^ ^{a b c} Nathan, D: "Aboriginal Languages of Australia", Aboriginal Languages of Australia Virtual Library, Dnathan.com 2007
7. ^ ^{a b c} 1301.0 – Year Book Australia, 2002 Australian Bureau of Statistics 25 January 2002
8. ^ Pardoe, C: "Becoming Australian: evolutionary processes and biological variation from ancient to modern times", Before Farming 2006, Article 4, 2006
9. ^ Originally used by the Romans to denote the (mythical) indigenous people of ancient Italy; see Sallust, Bellum Catilinae, ch. 6.
10. ^ "UNSW guide on How to avoid Discriminatory Treatment on Racial of Ethnic Grounds". Infonet.unsw.edu.au. http://www.infonet.unsw.edu.au/poldoc/racetrea.htm. Retrieved 9 Aug. 2009. 
11. ^ Appropriate Terms for Australian Aboriginal People^{[dead link]}
12. ^ "Ethnologue report for language code: ulk". Ethnologue.com. http://www.ethnologue.com/show_language.asp?code=ulk. Retrieved 9 Aug. 2009. 
13. ^ Aboriginal and Torres Strait Islander population, Australian Bureau of Statistics 2004. Retrieved 21 June 2007.
14. ^ ^{a b c} Places – Torres Strait Islands ABC Radio Australia website, 2005. Retrieved 21 June 2007.
15. ^ Chris Gibson, Peter Dunbar-Hall, Deadly Sounds, Deadly Places: Contemporary Aboriginal Music in Australia, pp. 120–121 (UNSW Press, 2005).
16. ^ Zuckermann, Ghil'ad, "Aboriginal languages deserve revival", The Australian Higher Education, 26 August 2009.
17. ^ Bowern, Claire and Harold Koch (eds.). 2004. Australian Languages: Classification and the comparative method. John Benjamins, Sydney.
18. ^ Dixon, R.M.W. 1997. The Rise and Fall of Languages. CUP.
19. ^ Keith Windschuttle and Tim Gillin, Quadrant Magazine, June 2002: The extinction of the Australian pygmies.
20. ^ Judy Campbell: Invisible invaders. 2002, ISBN 0-522-84939-3
21. ^ "Year Book Australia, 2002". Australian Bureau of Statistics. 2002. http://www.abs.gov.au/ausstats/abs@.nsf/94713ad445ff1425ca25682000192af2/bfc28642d31c215cca256b350010b3f4!OpenDocument. Retrieved 23 Sep. 2008. 
22. ^ ^{a b c} Hughes, Helen (November 2008). "Who Are Indigenous Australians?". Quadrant. https://www.quadrant.org.au/magazine/issue/2008/451/who-are-indigenous-australians. Retrieved 16 December 2009. 
23. ^ ABC.net.au^{[dead link]}
24. ^ "Dhakiyarr Wirrpanda". Uncommonlives.naa.gov.au. 20 Oct. 2004. http://uncommonlives.naa.gov.au/life.asp?lID=2. Retrieved 12 Oct. 2009. 
25. ^ "GF's Koori History Website – Koori History Images – 1930s". Kooriweb.org. 26 Jan. 1938. http://www.kooriweb.org/foley/images/history/pre50s/1930s/dom3.html. Retrieved 12 Oct. 2009. 
26. ^ "Australian War Memorial – Encyclopedia". Awm.gov.au. http://www.awm.gov.au/encyclopedia/aborigines/indigenous.asp. Retrieved 12 Oct. 2009. 
27. ^ "Timeline". Indigenousrights.net.au. 13 Jul. 1968. http://indigenousrights.net.au/timeline.asp?startyear=1960. Retrieved 12 Oct. 2009. 
28. ^ "Civics | Sir Douglas Nicholls". Civicsandcitizenship.edu.au. 14 Jun. 2005. http://www.civicsandcitizenship.edu.au/cce/nicholls,9156.html. Retrieved 12 Oct. 2009. 
29. ^ "Arthur Beetson OAM". http://www.thekfaktor.com/speakers/nrl-legends/arthur-beetson-oam/beetson.pdf. Retrieved 3 Mar. 2010. 
30. ^ "The International Rugby Hall of Fame". Rugbyhalloffame.com. 9 Oct. 2007. http://www.rugbyhalloffame.com/pages/ella1997.htm. Retrieved 12 Oct. 2009. 
31. ^ "Colliding worlds: first contact in the western desert, 1932–1984". Recollections.nma.gov.au. http://recollections.nma.gov.au/issues/vol_1_no_2/exhibition_reviews/colliding_worlds/. Retrieved 12 Oct. 2009. 
32. ^ "First Words: A Brief History of Public Debate on a New Preamble to the Australian Constitution 1991–99 (Research Paper 16 1999–2000)". Aph.gov.au. http://www.aph.gov.au/library/pubs/RP/1999-2000/2000rp16.htm. Retrieved 12 Oct. 2009. 
33. ^ "The History of Apologies Down Under [Thinking Faith – the online journal of the British Jesuits]". Thinkingfaith.org. http://www.thinkingfaith.org/articles/20080221_1.htm. Retrieved 12 Oct. 2009. 
34. ^ "APH.gov.au". APH.gov.au. http://www.aph.gov.au/library/Pubs/RN/2003-04/04rn05.htm. Retrieved 27 Jun. 2010. 
35. ^ "SMH.au". Sydney Morning Herald. http://www.smh.com.au/news/national/one-policy-two-camps--the-takeover-rift/2007/10/26/1192941339555.html. Retrieved 27 Jun. 2010. 
36. ^ Tatz, C. (1999, 2005). Aboriginal Suicide Is Different. Aboriginal Studies Press. AIC.gov.au
37. ^ "Australian Bureau of Statistics – Religion". Abs.gov.au. 20 Jan. 2006. http://www.abs.gov.au/Ausstats/abs@.nsf/0/AD25AA55EB7FDC75CA25697E0018FD84?opendocument. Retrieved 9 Aug. 2009. 
38. ^ Phil Mercer (31 March 2003). "Aborigines turn to Islam". BBC. http://news.bbc.co.uk/2/hi/asia-pacific/2902315.stm. Retrieved 25 May 2007. 
39. ^ "A new faith for Kooris". Sydney Morning Herald. http://www.smh.com.au/news/national/a-new-faith-for-kooris/2007/05/03/1177788310619.html. Retrieved 9 Aug. 2009. 
40. ^ Andrews, M. (2004) 'The Seven Sisters', Spinifex Press, North Melbourne, p. 424
41. ^ "History of the Didgeridoo Yidaki". Aboriginalarts.co.uk. http://www.aboriginalarts.co.uk/historyofthedidgeridoo.html. Retrieved 9 Aug. 2009. 
42. ^ "The new corroboree – Music – Entertainment". The Age. Australia. http://www.theage.com.au/news/music/the-new-corroboree/2006/03/30/1143441270792.html?page=fullpage. Retrieved 9 Aug. 2009. 
43. ^ "The Man must make his music – Music – Entertainment". Sydney Morning Herald. 25 Mar. 2007. http://www.smh.com.au/news/music/the-man-must-make-his-music/2007/03/25/1174761263365.html. Retrieved 9 Aug. 2009. 
44. ^ Ronald M. Berndt has published traditional Aboriginal song-poetry in his book "Three Faces of Love", Nelson 1976. R.M.W. Dixon and M. Duwell have published two books dealing with sacred and everyday poetry: "The Honey Ant Men's Love Song" and "Little Eva at Moonlight Creek", University of Queensland Press, 1994".
45. ^ (From William Blandowski's Australien in 142 Photographischen Abbildungen, 1857, (Haddon Library, Faculty of Archaeology and Anthropology, Cambridge)
46. ^ Kids play "kick to kick" −1850s style from abc.net.au
47. ^ Commonwealth v Tasmania [1983] HCA 21; (1983) 158 CLR 1 (1 July 1983).
48. ^ ^{a b} Greg Gardiner, Eleanor Bourke: (2002). "Indigenous Populations, Mixed Discourses and Identities pdf". People and Place Volume 8 No 2 Monash University. http://elecpress.monash.edu.au/pnp/free/pnpv8n2/v8n2_5gardiner.pdf. Retrieved 16 December 2009. 
49. ^ Defining Indigenousness and asserting Aboriginal identity. Tyson Yunkaporta 6 Jun 2007.
50. ^ John Gardiner-Garden (5 Oct. 2000). "The Definition of Aboriginality". Parliamentary Library. Parliament of Australia. http://www.aph.gov.au/LIBRARY/pubs/rn/2000-01/01RN18.htm. Retrieved 5 Feb. 2008. 
51. ^ "2914.0.55.002 – 2006 Census of Population and Housing: Media Releases and Fact Sheets, 2006". Abs.gov.au. http://www.abs.gov.au/AUSSTATS/abs@.nsf/7d12b0f6763c78caca257061001cc588/a0dbf953e41d83d3ca257306000d514b!OpenDocument. Retrieved 12 Oct. 2009. 
52. ^ "Aboriginal and Torres Strait Islander Population". 1301.0 – Year Book Australia, 2008. Australian Bureau of Statistics. 7 February 2008. http://www.abs.gov.au/AUSSTATS/abs@.nsf/bb8db737e2af84b8ca2571780015701e/68AE74ED632E17A6CA2573D200110075?opendocument. Retrieved 3 Jan. 2009. 
53. ^ ^{a b} Population Distribution, Aboriginal and Torres Strait Islander Australians Australian Bureau of Statistics 15 August 2007 pdf.
54. ^ Population Distribution, Aboriginal and Torres Strait Islander Australians, Australian Bureau of Statistics, 2006.
55. ^ Birrell, R and J Hirst, 2002, Aboriginal Couples at the 2001 Census, People and Place, 10(3): 27.
56. ^ Historian dismisses Tasmanian aboriginal genocide "myth",PM show, ABC Local Radio, 12 December 2002. Transcript accessed 22 June 2007
57. ^ ^{a b c d e f} "Australian Bureau of Statistics". Abs.gov.au. http://www.abs.gov.au/ausstats/abs@.nsf/00000000000000000000000000000000/294322bc5648ead8ca256f7200833040!OpenDocument. Retrieved 9 Aug. 2009. 
58. ^ Australian Bureau of Statistics. Year Book Australia 2005
59. ^ Mutual obligation, shared responsibility agreements & Indigenous health strategy, Ian PS Anderson NIH.gov
60. ^ Nothing mutual about denying Aborigines a voice, Larissa Behrendt, The Age newspaper, 8 December 2004 SMH.com.au
61. ^ Bringing them Home, Appendices listing and interpretation of state acts regarding 'Aborigines': Appendix 1.1 NSW; Appendix 1.2 ACT; Appendix 2 Victoria; Appendix 3 Queensland; Tasmania; Appendix 5 Western Australia; Appendix 6 South Australia; Appendix 7 Northern Territory.
62. ^ Bringing them home education module: the laws: Australian Capital Territory; New South Wales; Northern Territory; Queensland Queensland; South Australia; Tasmania; Victoria; Western Australia
63. ^ Marten, J. A., (2002), Children and war, New York University Press, New York, p. 229 ISBN 0-8147-5667-0
64. ^ Australian Museum (2004). "Indigenous Australia: Family". http://www.dreamtime.net.au/indigenous/family.cfm#bi. Retrieved 28 Mar. 2008. 
65. ^ Read, Peter (1981) (PDF). The Stolen Generations: The Removal of Aboriginal children in New South Wales 1883 to 1969. Department of Aboriginal Affairs (New South Wales government). ISBN 0-646-46221-0. http://www.daa.nsw.gov.au/publications/StolenGenerations.pdf. 
66. ^ In its submission to the Bringing Them Home report, the Victorian government stated that "despite the apparent recognition in government reports that the interests of Indigenous children were best served by keeping them in their own communities, the number of Aboriginal children forcibly removed continued to increase, rising from 220 in 1973 to 350 in 1976" Bringing Them Home: "Victoria".
67. ^ "Rudd says sorry", Dylan Welch, Sydney Morning Herald 13 February 2008.
68. ^ ^{a b} "AEC.gov.au". AEC.gov.au. 25 Oct. 2007. http://www.aec.gov.au/Voting/indigenous_vote/indigenous.htm. Retrieved 27 Jun. 2010. 
69. ^ "Coordination and engagement at regional and national levels". Administration. Office of Indigenous Policy Coordination. 2006. http://www.oipc.gov.au/About_OIPC/Indigenous_Affairs_Arrangements/4Administration.asp. Retrieved 17 May 2006. 
70. ^ "Noel Pearson's statement on Kevin Rudd | The Australian". Theaustralian.news.com.au. 23 Nov. 2007. http://www.theaustralian.news.com.au/story/0,25197,22809264-601,00.html. Retrieved 12 Oct. 2009. 
71. ^ "Eurekastreet.com.au". Eurekastreet.com.au. http://www.eurekastreet.com.au/article.aspx?aeid=3581. Retrieved 27 Jun. 2010. 
72. ^ (ABC Television News 12 October 2007)
73. ^ (ABC radio 12 October 2007)
74. ^ "4704.0 – The Health and Welfare of Australia's Aboriginal and Torres Strait Islander Peoples, 2008". Australian Bureau of Statistics. 2008. http://www.abs.gov.au/AUSSTATS/abs@.nsf/39433889d406eeb9ca2570610019e9a5/D5D682247B842263CA25743900149BB7?opendocument. Retrieved 8 Jan. 2009. 
75. ^ "3302.0.55.003 – Experimental Life Tables for Aboriginal and Torres Strait Islander Australians, 2005–2007". Australian Bureau of Statistics. 25 May 2009. http://abs.gov.au/ausstats/abs@.nsf/mediareleasesbyCatalogue/C65F4C150DD0497ACA2575BE002656BC?Opendocument. Retrieved 28 May 2009. 
76. ^ Stephen Lunn (26 November 2008). "Life gap figures not black and white". The Australian. http://www.theaustralian.news.com.au/story/0,25197,24708205-601,00.html. Retrieved 24 April 2009. 
77. ^ Joel Gibson (10 April 2009). "Indigenous health gap closes by five years". The Sydney Morning Herald. http://www.smh.com.au/text/articles/2009/04/09/1239222992443.html. Retrieved 24 April 2009. 
78. ^ ^{a b c} "1370.0 – Measures of Australia's Progress, 2004". Abs.gov.au. http://www.abs.gov.au/Ausstats/abs@.nsf/0/A03CAD8F1C3F813BCA256E7D00002641. Retrieved 12 Oct. 2009. 
79. ^ "Chapter 10: Indigenous education". Cms.curriculum.edu.au. http://cms.curriculum.edu.au/anr2004/ch10_literacy.htm. Retrieved 9 Aug. 2009. 
80. ^ Indigenous Education.
81. ^ ^{a b c} Australian Institute of Health and Welfare.
82. ^ ^{a b c d} Australian Institute of Health and Welfare.
83. ^ T. Vos, B. Barker, L. Stanley, A Lopez (2007). The burden of disease and injury in Aboriginal and Torres Strait Islander peoples: Summary report, p. 14. Brisbane: School of Population Health, University of Queensland.
84. ^ Petrol Sniffing – Health & Wellbeing.
85. ^ Alcohol and Other Drugs – Petrol.
86. ^ "National Indigenous Times". Nit.com.au. 9 Jul. 2009. http://www.nit.com.au/Opinion/story.aspx?id=18175. Retrieved 27 Jun. 2010. 
87. ^ Fitzgerald, Jacqueline; Don Weatherburn (December 2001). "Aboriginal victimisation and offending: the picture from police records". NSW Bureau of Crime Statistics and Research. http://www.lawlink.nsw.gov.au/lawlink/bocsar/ll_bocsar.nsf/vwfiles/bb17.pdf/$file/bb17.pdf. Retrieved June 2009. 
88. ^ ^{a b c} "4102.0 – Australian Social Trends, 2005: Crime and Justice: Aboriginal and Torres Strait Islander People: Contact with the Law ABS". Australian Bureau of Statistics. 12 Jul. 2005. http://www.abs.gov.au/ausstats/abs@.nsf/94713ad445ff1425ca25682000192af2/a3c671495d062f72ca25703b0080ccd1. Retrieved 28 Apr. 2007. 
89. ^ "Australian Database of Indigenous Violence". http://www.indigenousviolence.org. Retrieved 14 Nov. 2009. 
90. ^ Australian Statistician (2006) (PDF). National Aboriginal and Torres Strait Islander Health Survey, 2004–05 (ABS Cat. 4715.0), Table 6.. pdf. Australian Bureau of Statistics. http://www.ausstats.abs.gov.au/Ausstats/subscriber.nsf/0/B1BCF4E6DD320A0BCA25714C001822BC/$File/47150_2004-05.pdf. Retrieved 1 Jun. 2006. 
91. ^ Australian Institute of Health and Welfare (2008) (PDF). Australian Institute of Health and Welfare 2008. 2007 National Drug Strategy Household Survey: detailed findings. Drug statistics series no. 22. Cat. no. PHE 107. Canberra: AIHW.. pdf. Australian Institute of Health and Welfare. http://www.aihw.gov.au/publications/phe/ndshs07-df/ndshs07-df.pdf. Retrieved 13 Apr. 2010. 
92. ^ Australian Statistician (2006) (PDF). National Aboriginal and Torres Strait Islander Health Survey, 2004–05 (ABS Cat. 4715.0), Table 1.. pdf. Australian Bureau of Statistics. http://www.ausstats.abs.gov.au/Ausstats/subscriber.nsf/0/B1BCF4E6DD320A0BCA25714C001822BC/$File/47150_2004-05.pdf. Retrieved 23 Jun. 2008. 
93. ^ Australian Broadcasting Commission (2007) "Kava Ban 'Sparks Black Market Boom'", ABC Darwin 23 August 2007 ABC.net.au. Retrieved 18 October 2007.
94. ^ Effects of sniffing petrol Northern Territory Government Health Department
95. ^ Petrol Sniffing in Remote Northern Territory Communities Legislative Assembly of the Northern Territory.
96. ^ "Australian Health Ministry". Health.gov.au. 10 Feb. 2006. http://www.health.gov.au/internet/ministers/publishing.nsf/Content/health-mediarel-yr2006-ta-abb010.htm?OpenDocument&yr=2006&mth=2. Retrieved 9 Aug. 2009. 
97. ^ "ID.au". Footy.lisaj.id.au. 31 Jul. 2007. http://footy.lisaj.id.au/index.php?option=com_content&task=view&id=33&Itemid=1. Retrieved 27 Jun. 2010. 
98. ^ 2 August 2008 12:00AM (2 Aug. 2008). "INSPIRE: Kelvin Kong". The Australian. http://www.theaustralian.com.au/news/features/inspire-kelvin-kong/story-e6frg8h6-1111117082124. Retrieved 27 Jun. 2010. 
99. ^ "2020 Summiteer Dr Kelvin Kong – Life Matters – 3 March 2008". Abc.net.au. 3 Mar. 2008. http://www.abc.net.au/rn/lifematters/stories/2008/2176627.htm. Retrieved 27 Jun. 2010. 
100. ^ "Kong Family – Koori doctors:". Abc.net.au. 14 Oct. 2003. http://www.abc.net.au/gnt/health/Transcripts/s966677.htm. Retrieved 27 Jun. 2010. 
101. ^ "Aborigine stitches up role as surgeon". Sydney Morning Herald. 5 Jan. 2003. http://www.smh.com.au/articles/2003/01/04/1041566268546.html. Retrieved 27 Jun. 2010. 

[edit] External links

• Australian Museum: Indigenous Australia
• The South Australian Museum: Tribal boundaries in Aboriginal Australia map
• Indigenous Language Map
• Australian Indigenous Health InfoNet
• Australian Human Rights Commission: Aboriginal & Torres Strait Islander Social Justice Index
• National Indigenous Times – national Indigenous affairs newspaper

[show] v • d • e   Indigenous peoples of the world by continent   Americas Africa Arctic Asia Europe Oceania   Indigenous peoples by geographic regions

  

Retrieved from "http://en.wikipedia.org/wiki/Indigenous_Australians"

Categories: Australian Aboriginal culture | Indigenous Australian culture | Indigenous peoples of Australia | Indigenous peoples of Oceania

FILOSOFÍA9: REFLEXIONES CRISTIANAS: APRENDER A CALLAR. No hablar, guardar silencio.

Aprender a callar

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Publicado por Admin el 2009/1/31 (1084 lecturas)

POR PEDRO J. BELLO GUERRA.
Periodico AM Queretaro, 25/01/09

En una ocasión iba caminando por un centro comercial y me tocó presenciar la siguiente escena: un niño le pedía a su mamá que le comprara un juguete y la mamá le comentó muy sabiamente que ya tenía uno igual, que para qué quería otro. Lo increíble es lo que sucedió a continuación, el niño tomó el juguete y lo aventó contra el piso, volviendo la cara hacia su mamá le dijo: “eres la mamá más mala del mundo porque nunca me das lo que quiero”, y salió corriendo de la tienda como loquito. Por supuesto que la mamá lo siguió, lo tranquilizó y me imagino que algo le habrá dicho.

Pero me gustaría detenerme en las palabras del niño, a veces nos cuesta trabajo controlarnos y decimos cosas con las que herimos a los demás, qué difícil es quedarnos callados y pensar antes de hablar.
Cuenta Bruno Perrero una historia que nos puede ayudar a reflexionar sobre este tema: “Un día, en un valle lejano, comenzó a llover, y llovió durante varios días y fue tal la cantidad de agua que inundó todo el campo; de tal forma que el agua fue subiendo y subiendo, solamente las montañas sobresalían a lo lejos, parecía el diluvio universal...
pe pronto se escuchó a alguien que se lamentaba. Era una tortuga, pero no cualquier tortuga, sino la más lenta de todas las tortugas del mundo.
- ¿Por qué lloras – le preguntó un águila que por allí pasaba volando.
- ¡Porque me voy a ahogar! - sollozó la tortuga -. Para ti es fácil, tú puedes volar. Pero mis patas son tan cortas que tardaré un mes en llegar a las montañas.
• ¡Basta de lamentos! –interrumpió el águila-. Voy a llamar a mi hermano y te llevaremos éntrelos dos a la montaña.
Guando las dos águilas regresaron, a la tortuga ya le llegaba el agua al cuello. Se acercaron con una rama en el pico. La tortuga pudo asirse a ella con su boca y aleteando fuertemente la levantaron.
Volaron sobre las aguas en dirección a la montaña, donde ya los demás animales se habían puesto a salvo de la inundación. Todos los animales se alegraron mucho cuando vieron a las dos aves trayendo consigo ala tortuga.
Gritaron hurras y cantaban encoró para festejar el salvamento.
• ¡Viva, viva, hurra! Cantemos todos en coro alas águilas salvadoras.
Cuando todavía estaba en el aire, la tortuga, no pudo menos que unirse al coro. Abrió la boca y cantó: ...Hip, hip, hurra... ..¡AAAAAAAHHHHHHHH!”
Como nos podemos dar cuenta en esta narración, es realmente difícil aprender a tener la boca cerrada. Ala tortuga le costó la vida y todos debemos recordar que en boca cerrada no entran moscas.
Reflexionemos en nuestra vida: ¿cuántas veces debemos quedarnos callados y no lo hacemos? En ciertas circunstancias estamos enojados y llegamos a la casa e inmediatamente explotamos diciendo cosas de las cuales después nos arrepentimos, como ese niño que indudablemente se arrepintió después de recapacitar sobre lo que le había dicho a su mamá; porque su madre en ese momento lo único que quería era su bien, que no se llenara de cosas superfluas, pero al no salirse con la suya, reaccionó deforma intempestiva y ofendió a la persona que seguramente más quiere en el mundo.
A veces los papas acompañando a sus hijos en partidos de fútbol dicen cosas que no deberían de decir, ofenden a otros, se pelean; olas mamas cuando ya están cansadas de que sus hijos no obedezcan les dicen cosas ofensivas o los maestros cuando no podemos mantener la disciplina en un salón hablamos y desacreditamos a nuestros alumnos. Debemos aprender de la tortuga, a mantener la boca cerrada. ¡Cuántas ofensas se evitarían!
Cuentan que Confucio le decía a sus discípulos: “Cuando estés enojado no hables, es preferible callar un poco, ya hablarás después y podrás aclararlas cosas”.
Aprendamos a callar, a hablar cuando estemos serenos, tranquilos, mesurados y así nuestras correcciones serán más eficaces, la gente nos escuchará e iremos dando paz y serenidad a este mundo que tanto la necesita en estos momentos en que todo es prisa, violencia, enojo, molestia; que seamos ese remanso de concordia, reconciliación, sosiego, tranquilidad y esto lo conseguiremos permaneciendo callados cuando debemos y después con calma hablemos lo que debamos hablar.
[e-mail]

Obtenido de http://padrenuestro.net/reflexion/modules/smartsection/item.php?itemid=1921

HISTORIA8: LOS HOMBRES AZULES DEL DESIERTO. LOS TUAREGS. Los tuareg o imuhagh son un pueblo bereber o amazic en el desierto del Sáhara, cuando se desplazan cubren las necesidades de los animales y las suyas propias en el camino, puesto que viven en unidades familiares extensas las cuales van siguiendo a los grandes rebaños a su cargo. Tienen su propia escritura, el tifinagh.

En el centro del inhóspito desierto sahariano vive un pueblo bereber seminómada, el de los tuaregs, denominados también en ocasiones “hombres azules”.

 

Los tuaregs están cubiertos de mitos y leyendas, de cuentos y relatos imaginarios, de literatura y ficción. Esos hombres de piel azul, cubiertos por velos que se pasean en caballo por los desiertos africanos, han sido retratados en muchas novelas. Fueron un pueblo temido y respetado en sus años gloriosos y envidiados por su sentido férreo de libertad.

Este pueblo, que sigue acogido en una sociedad de castas con grandes familias, se desplazan constantemente para conducir sus rebaños hacia mezquinos pastos o para comerciar con otros pueblos cambiando sal gema por cereales. Tienen su propia lengua hablada, el tamasheq (es un dialecto bereber) y sus propios caracteres escritos tifinagh.

El tuareg o imuhagh se protege del viento, el sol y la arena cubriéndose con camisa, pantalón, túnica y velo. Este último, el tagelmust no se lo quita jamás, ni siquiera para dormir. El color generalmente azul de los tejidos que emplean los tuaregs acaba por teñir su piel, lo cual explica que se les conozca también con el nombre de “hombres azules”.

Actualmente, aunque algunos tuaregs han pasado a realizar otro tipo de actividades más modernas (vida sedentaria, guías turísticos) la mayoría de los tuaregs siguen con las mismas costumbres a pesar de que las condiciones para el pastoreo nómada son cada vez más difíciles. Un pueblo que en su época de oro era temido y respetado, hoy día se encuentra con épocas de escasez y penuria.

Obtenido de http://www.viajes.net/blog/2008/10/28/tuaregs-los-hombres-azules-del-desierto/

Desde los territorios de la nada,

donde el silencio impone el vasallaje;

del reino del silencio y del salvaje

término de la sebja calcinada.

Vienen; tienen ardiente la mirada

y el corazón dispuesto para el viaje.

Son los señores del desierto;el traje

es azul como el cielo en la alborada.

 

Pasan como entre sueños, lentamente,

reyes de la soledad, alta la frente,

bienamados de muchas lejanías.

Y se sientan delante de su tienda

como el señor que cuida de su hacienda

viendo pasar los sueños y los días.

 

poema sobre los hombres azules de Jose Luis Anglada

Tuareg

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Saltar a navegación, búsqueda

Para el modelo de automóvil, véase Volkswagen Touareg.

Tuareg Imuhagh
Población total	1.200.000
Idioma	lenguas tamazight (ⵜⴰⵎⴰⵥⵉⵖⵜ): tamasheg, tamajeq, tamahaq.
Religión	islamismo
Etnias relacionadas	bereber

Tres tuaregs.

Los tuareg o imuhagh son un pueblo bereber o amazic en el desierto del Sáhara, cuando se desplazan cubren las necesidades de los animales y las suyas propias en el camino, puesto que viven en unidades familiares extensas las cuales van siguiendo a los grandes rebaños a su cargo. Tienen su propia escritura, el tifinagh.

Contenido [ocultar] 1 Etimología 2 Historia 3 Territorio tuareg 4 Organización social 5 Estratificación social tradicional 5.1 Libres (ilelan) 5.1.1 Aristocracia (imayeghan) 5.1.2 Sacerdotes (ineslemen) 5.1.3 Pastores (imghad) 5.1.4 Artesanos (inadan) 5.2 Esclavos íklan 6 Parcialidades 7 Idioma 8 Notas 9 Véase también 10 Enlaces externos

[editar] Etimología

No se conoce exactamente la etimología de la palabra árabe طوارق, t.uwâriq (españolizada como «tuareg») pero se sabe que es el plural de طرقي targuí o t.arqî (en femenino طرقية targuía o t.arqîya), etnónimo que, al parecer, procede de una antigua ciudad del Fezzán llamada Targa (طرقة). Según la teoría etimológica de Sidahmed Ahmed Luchaa sobre la palabra "tuareg", su origen viene de la palabra camino (طريقة - tariga) en árabe, ya que estos tenían fama de "corta-caminos" para atracar las caravanas de los saharauis.

En las lenguas bereberes, el sustantivo común targa suele aludir a un canal fluvial, principalmente al tipo de cauce que en árabe se conoce como wadi (‘riada’ o ‘cauce’ torrencial de un río).

En su propio idioma este pueblo se suele autodenominar imoshag, imushaq, imuhagh (en cabilio: imuhaɣ), palabra cuyo significado es ‘los libres’ o ‘los nobles’ y que parece derivar de tamazight. También se dan a sí mismos el nombre de kel tamayaq o kel tamasheg (‘los que hablan idioma tamasheg’).

[editar] Historia

Se les supone principalmente descendientes de los antiguos garamantes que en la Antigüedad habitaban el Fezzán. Limitaban al norte con los mauritanos, al oeste con los getulos y al este quizás ya con los ancestros de los tubus. Durante la Edad Media sus linajes se vincularon con los de los sanhaya y de los zenatas.

En la antigüedad, se dedicaban a saquear pueblos, controlando además las rutas del desierto. En el siglo XII, las invasiones árabes e hilalianas les obligaron a adoptar un estilo de vida nómada. A lo largo de los siglos han adoptado algunas ideas del islam, en la medida de que esto no se contrapusiera con sus propias creencias, manteniendo intactos su sistema de justicia y sus leyes.

La población estimada de personas que hablan lenguas bereberes es de 12 millones, de los cuales 1,2 millones (el 10%) se consideran tuareg.^[1]

[editar] Territorio tuareg

El pueblo tuareg habita en la zona norte y occidental del Sáhara y el norte del Sahel. Para los tuareg, el Sáhara no es un desierto, sino varios juntos. De entre los desiertos del noroeste de África, destaca el Tiniwan. También se pueden citar numerosos desiertos, que ellos diferencian entre más y menos áridos, llanos o montañosos:

• Adrar
• Tagant
• Tawat (Touat) Tanezruft
• Adghagh n Fughas
• Tamasna
• Azawagh
• Adar
• Damargu
• Tagama
• Manga
• Ayr
• Tarramit (Termit)
• Kawar
• Jado
• Tadmait
• Admer
• Igharghar
• Ahaggar
• Tassili N'Ajjer
• Tadrart
• Idhan
• Tanghart
• Fezzán
• Tibesti
• Kalansho y
• el Desierto Libio.

Área de distribución del pueblo tuareg.

[editar] Organización social

La estructura básica de la sociedad tuareg es el linaje (tawshit), grupo de parientes que reconocen un antecesor común.^[2] Los hijos pertenecen al linaje de la madre y heredan de ella, pero el hogar se establece en los aghiwan o campamentos del linaje del padre.^[3] Cada linaje pertenece a una categoría social determinada y hace parte de una ettebel (comunidad social o ‘tribu’). Los linajes designan un amghar, su líder (varón) y el consejo de líderes se designa entre los guerreros (varones), el amenokal, jefe del ettebel.

La tienda (ehe) es identificada con el matrimonio y el hogar. La mujer debe fabricarla, con pieles o tejidos de cestería y ella es su propietaria. Las mujeres tienen autoridad en el campamento, ya que el hombre está frecuentemente ausente, en sus actividades como pastor, comerciante o guerrero. Generalmente la mujer sabe escribir y es más instruida que su esposo, participa en los consejos y asambleas del linaje y es consultada en los asuntos de la tribu.^[2]

El cortejo entre mujeres y hombres solteros, viudos o divorciados se realiza en sitios denominados ahal. Allí se conversa, se canta, se interpreta música, se recitan poesías y se concertan citas de amor.^[2] El matrimonio se realiza después de que la mujer ha aceptado un pretendiente y él la solicita al suegro, pagando una dote, generalmente en ganado. La mujer lleva su ganado personal al nuevo hogar y puede divorciarse y casarse con otro pretendiente, si se considera maltratada por el esposo.^[2]

[editar] Estratificación social tradicional

Tradicionalmente la sociedad tuareg es jerárquica y distingue entre nobles y vasallos y entre ilellan (libres) e íklan (esclavos).

[editar] Libres (ilelan)

[editar] Aristocracia (imayeghan)

Los jefes pertenecen a la casta imúšaɤ (imajeghan: ‘libres nobles’) encargados de la defensa, la guerra, las incursiones para robar ganado y el comercio en caravanas. Los imajaghan han despreciado otras actividades en beneficio de sus habilidades como guerreros y políticos. Su propiedad sobre mayor número de ganado y la posesión de esclavos les permite dedicarse a la poesía, deportes y tradiciones cortesanas.

[editar] Sacerdotes (ineslemen)

Una casta de clérigos, los ineslemen (‘los del islam’) o morabitos, instruyen con el Corán, dan guía espiritual, confeccionan amuletos, celebran matrimonios, dan nombre a los niños, resuelven litigios de familia e imparten justicia. Sus esposas, al contrario de otras mujeres, no deben ser vistas por fuera de la tienda sin estar cubiertas, ni viajar sin una litera con arcos de un tejido blanco.^[2]

[editar] Pastores (imghad)

Pastor tuareg en el desierto.

Los pastores libres ímɤad (imghad plural; amghid singular) son propetarios de cabras y algunos camellos. En el Ahaggar son llamados kel ulli, ‘los de las cabras’. En algunos lugares tienen también ovejas e incluso bovinos y les corresponde pastorear también los rebaños de los aristócratas de su ettebel, de los cuales se consideran vasallos. Algunos linajes de pastores son mestizos iregeynatan (singular arageyna) y se les considera también libres aunque con un estatus propio.^[2]

[editar] Artesanos (inadan)

Los inhædˤæn (o inadan) son una casta de artesanos, originalmente herreros, trabajan también la alfarería, el cuero (especialmente las mujeres)^[2] y la madera. Fabrican y reparan herramientas, sillas de montar, artefactos domésticos y otros objetos. En varias comunidades los artesanos provienen de esclavos libertos.^[4]

[editar] Esclavos íklan

Como en otras etnias del norte y occidente de África y del desierto, en la sociedad tuareg se desarrolló la servidumbre. Los íklan fueron dominados o capturados por los tuareg y forzados a trasladarse. Se desempeñan como esclavos domésticos en los campamentos, al servicio de los ilellan. Una parte se encarga de la agricultura al sur del territorio tuareg y produce para sus señores. Un hombre libre eventualmente puede casarse con una mujer de su servidumbre, en cuyo caso los hijos se consideran libres. Las normas francesas de «liberación de los esclavos» tendieron a debilitar la economía tuareg y a doblegar su feroz resistencia al colonialismo.^[5] Cerca del 7% de la población de Níger son esclavos.^[6]

[editar] Parcialidades

Los tuareg se encuentran organizados en ettebel (‘tribus’ a veces llamadas federaciones o confederaciones) siendo las principales:

• Kel Ahaggar del Hoggar (en Argelia), siendo ahaggar: ‘hogar’.
• Kel Adagh, del Adrar de los Ifoghas (en Malí), siendo adagh: ‘montaña’.
• Kel Ayyer (en el este de Argelia y el oeste de Libia).
• Kel Antessar, confederación en la zona de Tombuctú.
• Kel Aïr del Aïr (en Níger).
• Kel Gress, confederación en el sur de Níger.

El término kel significa: ‘gentes de’ o ‘los de’. Así kel dinnig'' son ‘los del Oriente’ y kel ataram ‘los del Occidente’.

[editar] Idioma

• Idioma tuareg

[editar] Notas

1. ↑ BBC.co.uk («Q&A: Tuareg unrest». Consultado el 25 de junio de 2008).
2. ↑ ^{a b c d e f g} François Borel y Alberto Costa: Tuareg: nómadas del desierto. ISBN 84-7664-746-8.
3. ↑ Ramón Valdés (1981): «África blanca», en Las razas humanas 2: pág. 229-242.
4. ↑ Samuel Decalo: Historical dictionary of Niger. Londres y Nueva Jersey: Scarecrow Press, 1979. ISBN 0-8108-1229-0.
5. ↑
   • Edouard Bernus: «Les palmeraies de l'Aïr», en la Revue de l’Occident Musulman et de la Méditerranée. 11, pp. 37-50, 1972.
   • Frederick Brusberg: «Production and exchange in the saharan air». En Current Anthropology, volumen 26, n.º 3, pp. 394-395 (junio de 1985).
   • —: Field research on the econmoics of the Aouderas valley, 1984.
   • Samuel Decalo: Historical dictionary of Niger. Londres y Nueva Jersey: Scarecrow Press, 1979. ISBN 0-8108-1229-0.
   • Jolijn Geels: Niger. Londres: Bradt; y Nueva York: Globe Pequot, 2006. ISBN 1-84162-152-8.
   • Michael J. Mortimore: «The changing resources of sedentary communities in Air, southern Sahara». En Geographical Review, volumen 62, n.º 1, pp. 71-91 (enero de 1972).
   • Anti-Slavery International & Association Timidira Galy kadir Abdelkader (ed.): Niger: slavery in historical, legal and contemporary perspectives (‘Níger: esclavitud en la perspectiva histórica, legal y contemporánea’), marzo de 2004.
   • Hilary Andersson (corresponsal de la BBC en Níger): «Born to be a slave in Niger» (‘nacer para ser esclavo en Níger’).
   • NationalGeographic.com («Kayaking to Timbuktu, Writer Sees Slave Trade, More», ‘haciendo kayak hacia Timbuctú, una escritora [Kira Salak] ve comercio de esclavos’: «A pesar de que el gobierno de Malí niega la existencia de la esclavitud en su país, los tuareg siguen esclavizando a miembros de la tribu bel•la. Los tuaregs no tienen escrúpulos en perpetuar esta práctica horrenda. Incluso algunos antropólogos han sugerido que es mejor que esas personas sigan siendo esclavas. Pero yo pienso que si tienen la oportunidad de ser libres, no veo por qué se las deba mantener en esclavitud. La falta de dignidad que se les muestra a esas personas fue muy perturbadora para mí. Yo compré dos esclavas bel•la para darles libertad. Fue una experiencia surrealista, realmente comprar a otra persona. No hay manera de describirla»).
   • ABCNews.go.com («The Shackles of Slavery in Niger», ‘los grilletes de la esclavitud en Níger’).
   • IrinNews.org («Niger: Slavery - an unbroken chain», ‘Níger: esclavitud, una cadena que no se ha roto’).
   • CSMonitor.com («On the way to freedom, Niger’s slaves stuck in limbo», ‘en el camino hacia la libertad, los esclavos en Níger están detenidos en un limbo’)
6. ↑ ABCNews.go.com («The Shackles of Slavery in Niger», ‘los grilletes de la esclavitud en Níger’).

[editar] Véase también

• Tinariwen (grupo musical tuareg de Malí).

[editar] Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Tuareg.Commons
• Almendron.com «Tuareg: nómadas del desierto»).
• Ikuska.com (etniología).
• Personal2.Iddeo.es (imágenes).

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Tuareg"

Categorías: Etnias de África | Etnias de Malí | Etnias de Argelia | Etnias de Libia | Etnias de Níger | Etnias de Burkina Faso | Pueblos bereberes | Nomadismo | Esclavitud

LITERATURA2: ESCUELAS DE PENSAMIENTO. ESCUELAS CLÁSICAS. ¿TODAVÍA QUEDAN ESCUELAS CLÁSICAS DE PENSAMIENTO? HAN DESTACADO LAS GRANDES ESCUELAS DE PENSAMIENTO GRIEGO. El término Antigua Grecia se refiere al periodo de la historia de Grecia que abarca desde la Edad Oscura de Grecia ca. 1100 a. C. y la invasión dórica, hasta el año 146 a. C. y la conquista romana de Grecia tras la batalla de Corinto. Se considera generalmente como la cultura seminal que sirvió de base a la civilización occidental. La cultura de Grecia tuvo una poderosa influencia sobre el Imperio romano, el cual la difundió a través de muchos de sus territorios de Europa. La civilización de los antiguos griegos ha sido enormemente influyente para la lengua, la política, los sistemas educativos, la filosofía, la ciencia y las artes, dando origen a la corriente renacentista de los siglos XV y XVI en Europa Occidental, y resurgiendo también durante los movimientos neoclásicos de los siglos XVIII y XIX en Europa y América. La civilización griega fue básicamente marítima, comercial y expansiva. Una realidad histórica en la que el componente geográfico jugó un papel crucial en la medida en que las características físicas del sur de la península de los Balcanes, por su accidentado relieve, dificultaban la actividad agrícola y las comunicaciones internas, y por su dilatada longitud de costas, favorecieron su expansión hacia ultramar. Un fenómeno sobre el que incidirían también de forma sustancial la presión demográfica originada por las sucesivas oleadas de pueblos (entre ellos aqueos, jonios y dorios) a lo largo del III y II milenios a. C.

Escuelas del Pensamiento

Enviado por solven_kimsian

 

1. Introducción
2. Origen y División de la filosofía
3. La escuela Jonio-Milesia
4. La escuela de Efeso
5. La escuela de Elea
6. La escuela Pitagórica
7. Los sofistas
8. La filosofía clásica griega
9. El Pensamiento Filosófico Cristiano
10. La filosofía Medieval: La Escolástica
11. Filosofía Moderna
12. Racionalismo y Empirismo
13. Conclusión
14. Bibliografía

INTRODUCCIÓN

La historia de la filosofía tiene sus comienzos hace dos mil quinientos años, pero antes de ella existía una forma de pensar pre-filosófica: el pensamiento mítico, es decir las primeras explicaciones que el hombre dio de la realidad fueron de tipo religioso. Ante fenómenos como el rayo, el movimiento de los astros, la vida de los animales y las plantas o la muerte de los miembros de la propia tribu, el hombre primitivo carecía de explicaciones racionales. Y al no disponer de respuestas naturales para sus interrogantes, se refugio en respuestas que aludían a fuerzas o seres sobrenaturales: un Dios airado lanzaba sus rayos contra quienes le habían ofendido; el Sol, la Luna y otros astros eran los dioses que movían el firmamento. A raíz de estas primitivas respuestas religiosas fueron apareciendo otras, mas refinadas y complejas, que han llegado a nuestros días como doctrinas mas o menos fundamentadas en la filosofía griega. También en el II milenio antes de nuestra era, los hebreos crearon una religión que por primera vez en la historia incluía la idea de un Dios único, un Dios que se les había revelado a ellos como pueblo.

La fase del pensamiento científico constituye, sin duda, la etapa mas positiva de la historia de pensamiento. El científico es menos ambicioso que el filosofo: al científico no le preocupan los grandes problemas especulativos de los filósofos; solo se ocupan de los hechos de la experiencia. Pero el científico es mucho mas riguroso: explica esos hechos elaborando leyes científicas, es decir, leyes generales que determinan las relaciones existentes entre los hechos observados. Además, relacionando varias leyes entre si, pueden llegar a elaborar teorías científicas, mediante las cuales da explicaciones mas amplias y acertadas de la realidad.

Aunque los babilonios y los egipcios tenían ciertos conocimientos de astronomía y de matemática, simplemente se limitaban a coleccionar los datos observados; no elaboraban leyes que los explicasen, ni por supuesto teorías. Quienes hicieron esto por primera vez fueron los griegos, por lo que, además de ser los primeros filósofos, fueron también los primeros científicos.

Para poder dar inicio a la historia de la filosofía tuvieron que haber personas con grandes incógnitas y que su sentido de curiosidad lo hayan hecho explorar, estudiar e investigar respecto a eventos curiosos que han hecho que se plantearse interrogantes, es por ello que dentro de todas las fases que ha vivido la filosofía se han destacado personajes que de alguna manera plantearon sus hipótesis formulando su propia teoría y que a través del tiempo han permanecido en la historia, algunas vigentes en la actualidad, otras han servido de fundamento para inspirar a otros y seguir en la búsqueda de la verdad o de alguna explicación lógica que logre complacer a la religión y a la ciencia. Cabe destacar que cada uno de estos personajes a los que se les hacen referencia en este trabajo han marcado de una manera muy peculiar la mayoría de las ciencias (física, química, matemática, trigonometría, geometría, biología, psicología, entre otras) contribuyendo así al progreso de la filosofía.

Los avances científicos de todos los géneros son numerosos, radicales, decisivos y apabullantes que nos vemos obligados a recordar la frase de Russell "Con respecto a lo desconocido, pueden adoptarse dos actitudes. Una consiente en aceptar la afirmación de gentes que dicen que saben, sobre la base de libros, misterios u otras fuentes de inspiración. La otra consiente en examinar las cosas por si mismo, y este es el camino de la ciencia y la filosofía" y a pensar que el hombre, enfrentando a la realidad, seguirá siempre planteándose nuevas preguntas, que respuestas nuevas abrirán nuevas interrogantes, que las nuevas respuestas no impulsaran al pensador genuino a adoptar una actitud dogmática sino, antes bien, una postura critica, libre y cada vez mas racional ante la realidad.

ORIGEN Y DIVISIÓN DE LA FILOSOFÍA

Antes del s. VII a.C. nos encontramos el mito como forma de pensamiento en la antigua Grecia.

El mito puede ser definido como un conjunto de leyendas imaginativas y fantásticas que narran el origen del universo, la situación del hombre y el final de los tiempos en los que volverá a existir la felicidad perdida al comienzo de éstos; pero del mismo modo, el mito es una actitud intelectual en la que se produce una personificación de las fuerzas de la naturaleza, es decir, se dota de voluntad y personalidad a los elementos naturales. Así por ejemplo, en la mitología griega hay un Dios del mar, otro del Viento, ... Estos dioses actúan según su voluntad y capricho.

A finales del s. VI a.C. se produce el nacimiento del pensamiento racional. Hay quién lo atribuye a la genialidad griega. Sin embargo, tuvieron lugar una serie de cambios sociales, económicos e ideológicos que motivaron este nacimiento.

• CAMBIOS SOCIOECONÓMICOS:La sociedad griega era en principio una sociedad aristocrática y guerrera, sociedad donde la nobleza poseía la tierra, dirigía los ejércitos, La economía estaba basada en la agricultura, existiendo el trueque como única forma económica de intercambio, esta sociedad está regida por unos valores propios de la sociedad aristocrática como el linaje, el éxito y la fama. Alrededor del siglo VII a. C. se produce una revolución sin precedentes en el desarrollo de las técnicas de navegación, lo cual propicia que se forme el comercio. El poder económico es arrebatado a la nobleza por los comerciantes (sustituyéndose la aristocracia por la democracia), se reemplaza el trueque por el dinero y aparecen las primeras ciudades o polis.
• CAMBIOS IDEOLÓGICOS:La sociedad griega carecía de libros sagrados y de un sistema de enseñanza organizada, por lo cual es fácil de transformar ideológicamente. Hasta esa época cada tribu poseía su propia mitología diferente (e incluso se descubrieron nuevas mitologías a medida que se colonizaban nuevas ideas), que se intentaron unificar en una mitología general en libros como la Ilíada o la Odisea de Homero. Así se llegó a un escepticismo en la mentalidad popular, ya que si existían tantas mitologías diferentes es muy probable que todas fuesen falsas, creándose un vacío ideológico. Además, existe otro elemento que sólo aparece en la mitología griega: la idea de destino (fuerza superior a la voluntad de los hombres y de los dioses y que determina aquello que necesariamente tiene que ocurrir). El paso del mito al logos se produce, junto a todos los elementos que hemos visto anteriormente, cuando se convierte o transforma la idea de mito en la idea de necesidad lógica o ley natural.

Tanto la idea de destino como la idea de necesidad lógica constituyen la fuerza mayor de la naturaleza, ya que no pueden ser cambiadas por nada. Sin embargo, mientras que la idea de destino es algo incognoscible, la idea de ley natural es cognoscible. El pensamiento mítico está basado en lo aparente, cambiante y múltiple, mientras que el pensamiento racional está basado en lo que realmente son las cosas, la permanencia y la unidad.

Los presocráticos

Se conoce como filósofos presocráticos a un complejo grupo de pensadores griegos cronológicamente anteriores a Sócrates, y que están repartidos en varias escuelas (jonios, efesios, pitagóricos y pluralistas). Son los precursores, la prehistoria del pensamiento griego.

Antes de la aparición de los presocráticos existió en Grecia una forma de pensamiento orgánico: la mitología. Los filósofos presocráticos desarrollaron un vocabulario más original, y a medida que fueron forjando nuevos conceptos para referirse a la totalidad del mundo (Physis u Naturaleza), inventaron una nueva racionalidad que les fue diferenciando de los mitólogos.

El fenómeno cultural de la filosofía presocrática nació en tos límites fronterizos del área helénica, en las zonas de su colonización bélica o comercial, precisamente allí donde los griegos están en contacto con el mundo oriental. Este contacto les permitió conocer los desarrollos del conocimiento egipcio y babilónico en el campo de la astronomía, geometría y la aritmética.

Los presocráticos adoptaron sus métodos, pero los despojaron de su finalidad práctica. Les interesaban los secretos de los astros, de las figuras y de los números por su belleza y por la excitación y satisfacción intelectual que provoca su comprensión.

La preocupación presocrática fue eminentemente científica; pretendían explicar fenómenos y comportamientos de la naturaleza, y comunicarlos a un público aún inmerso en un mundo tradicional mítico-religioso; de ahí la forma sacralizada de muchos de sus fragmentos filosóficos.

Los modelos de pensamiento desarrollados por los presocráticos fueron imaginativos y fantasiosos: no se circunscribían estrechamente dentro de los límites de la lógica y el sentido común, sino que evidenciaban independencia de criterio, así como una gran capacidad creativa.

El pensamiento presocrático representó el primer esfuerzo fructífero del hombre frente al problema del conocimiento del mundo. En aquel momento histórico todavía no se había delimitado el campo de la filosofía respecto del de la ciencia, y ambas constituían una misma cosa. El problema fundamental era un problema físico, naturalista; ¿Está el mundo hecho de una sustancia fundamental única? ¿Cuál es esa sustancia o material? Los primeros filósofos no eran antropólogos (del griego anthropos, hombre), pues su preocupación no era humanista. Aristóteles les llamó oi fisiologoi (los físicos). La mayoría de las obras de los presocráticos presentan el mismo título: Peri fiseos (Acerca de la naturaleza). Así el problema fundamental de estos primeros filósofos fue averiguar cuál era la sustancia primera (argé) de la que están hechas todas las cosas de la naturaleza (physis). La historia del pensamiento presocrático fue la sucesión de respuestas distintas a este mismo problema.

La escuela Jonio-Milesia

Tales de Mileto (624-548 a, de C.)

La historia considera a Tales como uno de los siete sabios clásicos de Grecia. Se ganó la vida como comerciante, vendiendo aceitunas. Una anécdota de su vida nos narra que cuando iba por la calle mirando los astros se cayó en un pozo, lo que provocó las burlas de sus conciudadanos.

El primer filósofo de la historia fue. pues, ya ridiculizado por sus preocupaciones filosóficas, alejadas del sentido común de la vida cotidiana. Sin embargo, Tales no careció de sentido práctico: dirigió en Mileto una escuela de náutica, construyó un canal y tuvo veleidades políticas, entre las que se cuenta la elaboración de una constitución para la ciudad de Teos. Predijo un eclipse de sol que le dio fama de semidiós en un momento en que la ciencia estaba en embrión, y que permite saber exactamente que el filósofo vivía el día 28 de mayo del año 585 a. de C.. fecha en que se produjo el eclipse, según los astrónomos.

Los griegos distinguían dos tipos distintos de realidades: una natural, que se desarrollaba por sí misma (la physis o naturaleza) y otra artificial, producto de

la actividad humana y que no tenia en sí misma poder de auto desarrollarse (la techné o técnica).

Se ha dicho ya que el problema presocrático fue averiguar cuál era el principio material último de la physis. Este principio material o argé sería la esencia misma de las cosas, aquello de que están hechas todas las cosas del mundo, su sustancia material (en griego, su ousia).

Tales creyó que el primer principio era el agua, y quizá llegó a esta conclusión al observar que todos los seres vivos precisan del elemento húmedo para seguir viviendo: las semillas precisan ser regadas para generar las plantas; los animales y el hombre precisan el agua para vivir o mueren de sed. Esta idea de Tales no era absolutamente original: los poetas Hornero y Hesíodo habían afirmado que el dios Océano (que puede interpretarse como e! elemento húmedo) era el padre de todas las cosas; también en la mitología oriental se habla a menudo de un caos acuoso como fundamento del que todo surge. Por otra parte, la importancia concedida al agua pudiera ser un reflejo inconsciente de la importancia sociológica del mar como elemento esencial de la vida de Mileto, ciudad que basaba su subsistencia material en la pesca y en el comercio marítimo.

El principal mérito filosófico de Tales fue el de acuñar el concepto de «principio originario del que proviene todo ser», aunque la palabra urge que expresa exactamente este concepto sea de época posterior.

Tales tenía una visión antropomórfica del mundo. Utilizó su conocimiento del hombre como punto de referencia para su conocimiento de lo real (proyección antropomórfica). Así, creyó que todo lo que se mueve tiene un alma, lo que le indujo a creer que el hierro tenía alma, puesto que era atraído por el imán. Esta doctrina se conoce con el nombre de hilozoísmo (de hyie, materia y zoé, vida); es decir, es aquella concepción que cree que toda la materia natural es, en cierto sentido, materia viva. También se la puede denominar animismo.

Anaximandro (611-546 a. de C.)

También era habitante de Mileto. Suyo es e! Primer escrito filosófico de Occidente, ya que de Tales no se conserva nada escrito: ferifiseos o Sobre la Naturaleza. Lo mismo que Tales, no fue sólo un teórico especulativo, sino que demostró un cierto saber práctico: construyó un mapa de las tierras conocidas en su época, un globo celeste y un reloj solar.

Anaximandro creía que la respuesta de Tales al problema del argé. o sustancia primera de la que provienen todas las cosas, era ilógica: es absurdo suponer que las cosas de naturaleza seca (el fuego, por ejemplo) provienen del elemento húmedo, que es su contrario. Así, pues, para solucionar este problema imaginó que todas las cosas provenían de una sustancia eterna, completamente indeterminada, es decir, que no tenía ninguna cualidad definida, y que, por tal razón, podría llegar a adquirir cualquier determinación, podría convertirse en cualquiera de las cosas de este mundo. A esta sustancia indeterminada le llamó apeirón. Los primeros intérpretes concibieron el apeirón como el fondo infinito e inagotable del que todo se nutre.

La concepción de Anaximandro se conoce en filosofía con el nombre de monismo (de monos, uno) porque imagina que todas las cosas de este mundo provienen de una única realidad de fondo: el apeirón.

Para Anaximandro, las cosas del mundo se engendran a partir del apeirón y, cuando mueren, vuelven al apeirón. Ahora bien, este continuo engendrarse y

perecer hace que algunas cosas dominen sobre otras, lo que, para Anaximandro, es una injusticia cósmica (una adikía). Además de esto, creyó que, como compensación, existe una justicia cósmica (una dike) que restablecerá tarde o temprano el equilibrio, con lo que desaparecerá la injusticia. Esta noción de la justicia cósmica prefigura la idea de que la naturaleza está dominada por leyes, idea que tendrá fructíferas consecuencias para el pensamiento científico.

Intuyó también, adelantándose a su época, una de las ideas básicas de la filosofía del siglo XIX: la de que la especie humana procede por evolución de otras especies inferiores. En efecto, Anaximandro considero que los antepasados de los hombres fueron peces y, en consecuencia, poco a poco, éstos se acostumbraron a vivir en tierra.

Anaxímenes (588-534 a. de C.)

Era discípulo de Anaximandro y también ciudadano de Mileto. Para Anaxímenes, el principio de todas las cusas naturales era el aire. Opinó esto al concebir que el aire es aquello que permite existir a todos los seres vivos. Para él, el aire era el fluido vivificador. El aire es lo que da origen a la vida, lo que hace que tenga un alma (alma viene del latín anima, que. a su vez, proviene del griego uñemos, aire),

La escuela de Éfeso

Heráclito (536-470 a. de C.)

Nació en Éfeso (Jonia). Se saben muy pocas cosas de su vida. Parece ser que era de familia acomodada, incluso aristocrática. De carácter retraído, se retiró a vivir solo a las montañas, donde se dedicó a la meditación, alimentándose de hierbas.

Se le atribuye un libro, que lleva el mismo título que los de la mayoría de presocráticos (Sobre la naturaleza), escrito en un estilo premeditadamente enrevesado, de oráculo o adivino, hecho en forma de aforismos o refranes breves. La dificultad de la comprensión de esta obra le valió el sobrenombre de «el oscuro».

Heráclito consideraba la realidad como algo esencialmente móvil y fluyente, en devenir.

Expresó esta idea metafóricamente: «No podemos bañarnos dos veces en el mismo río porque sus aguas fluyen constantemente y el río deja de ser el mismo que era antes». Todo pasa constantemente de un estado a su contrario, de la vida a la muerte, de lo seco a lo húmedo, etcétera. Todo cambia, pero no de forma anárquica, sino siguiendo un orden que impone la Ley (Logos). Para Heráclito, el origen de esta realidad en flujo continuo es el fuego. («Este cosmos no fue hecho por dioses o por hombres, sino que siempre fue, es y será, al modo de un fuego eternamente viviente, que se enciende y se apaga con medida».) De este fuego surgen los cuatro elementos básicos (aire, agua, fuego y tierra) que combinados constituyen todas las cosas del cosmos. La combinación de los cuatro elementos se produce mediante un enfrentamiento, una lucha. Así, para Heráclito, la lucha era una idea necesaria para la creación de la realidad. Esto le indujo a alabar el concepto de la guerra, y no sólo en un plano filosófico, sino también en un plano sociológico: en la sociedad, la guerra es buena porque decide qué hombres son los hombres superiores y qué hombres deben ser tratados como esclavos.

La escuela de Elea

Jenófanes (570-480 a. de C.)

Nació en Colofón (Jonia) y llevó una vida errante, de rapsoda y poeta, hasta establecerse en Elea, donde fundó una escuela filosófica. Era un hombre de mentalidad independiente; sus viajes le enseñaron a pensar por cuenta propia, con un sentido crítico y antidogmático.

Jenófanes fue el primer teólogo de la historia de la cultura, el primero que trató el problema de Dios. Criticó a los dioses de la mitología griega porque estaban cortados en patrón humano, pareciéndose demasiado a los hombres. Y, si bien no llegó a una concepción monoteísta (creencia en la existencia de un solo Dios), sí creyó en una especie de politeísmo jerarquizado (hay varios dioses, pero uno de ellos es superior a todos los demás).

Jenófanes se rebeló contra la concepción de la cultura como un don de la divinidad y dijo: «Los hombres lo han conseguido todo mediante sus esfuerzos inquisidores». También se enfrentó con la escala de valores tradicionales que daban lugar preeminente a la fuerza; afirmó que la sabiduría es superior a la fuerza, la belleza y la destreza.

Parménides (540-470 a. de C.)

Era de la misma ciudad de Elea. Parece ser que fue discípulo de Jenófanes, pero como filósofo puede considerársele como muy superior. Se dedicó a cuestiones políticas, dando leyes civiles a su ciudad natal. Lo que se conserva de su obra se halla en un extenso poema titulado Sobre la Naturaleza.

La preocupación de Parménides no fue tan naturalista o física como la de sus predecesores. Con él, nace una nueva disciplina filosófica: la Metafísica, o ciencia que estudia el ser. El ser es la única cualidad que tienen en común todos los objetos del mundo; unos son blancos, otros negros; unos suaves, otros rugosos; unos circulares, otros rectos, pero todos los objetos son, todos poseen la cualidad de ser.

Las características especiales que según Parménides tiene e! ser (el ser es único, inmóvil, eterno, continuo etcétera) hacen que el concepto de ser se aproxime al concepto de Dios.

Zenón de Elea (siglo V a. de C.)

También era de Elea. Parece ser que fue el Discípulo predilecto de Parménides. Gracias a el, la escuela eleática recibió aquella forma típica que se ha conocido con el nombre de erística o dialéctica. La erística (de éris, lucha) es el arte del diálogo, de la disputa filosófica, de la argumentación.

En la escuela eleática se dio más importancia a los resultados de la argumentación abstracta que a tos testimonios de los sentidos (racionalismo epistemológico). Así, por ejemplo, Zenón negó la existencia del movimiento porque conceptualmente, mentalmente, es imposible imaginárselo, dado que el espacio es divisible en un número infinito de puntos, y para moverse de un punto a otro habría que atravesar infinitos puntos, lo cual es imposible.

La escuela Pitagórica

El primer problema que se presenta al estudiar esta escuela es la verosimilitud de la existencia de un personaje llamado Pitágoras. Algunos estudiosos consideran que fue un individuo realmente existente, que nació en Samos (¿570-496 a. de C.?), ciudad de la que emigró por las dificultades que le causaba el gobernante Polícrates, estableciéndose en Cretona (Italia) cuando tenía 40 años. En esta ciudad desplegó su principal actividad matemática y filosófica, fundando una escuela.

Parece ser que Pitágoras no escribió nada, pero supo reunir a un grupo de hombres sabios, con los que realizó investigaciones filosóficas, a la vez que fundó una especie de comunidad con una estructura religioso-científica, fuertemente impregnada de ascetismo y misticismo. El estudio de la matemática fue considerado como un medio de perfeccionamiento espiritual.

La sociedad pitagórica fue un movimiento continuador de una religión primitiva; el orfismo, una religión pagana en la que se rendía culto al dios Dionisos (Baco), dios del vino y de la sangre, en cuyo honor se realizaban frecuentes orgías.

Históricamente cabe distinguir dos corrientes pitagóricas distintas: el circulo pitagórico antiguo y el círculo pitagórico nuevo.

El Antiguo Círculo Pitagórico es el grupo que el mismo Pitágoras fundó en Cretona. A este grupo pertenecieron una serie de sabios, entre los que podemos destacar a Alcmeón de Crótona, descubridor del cerebro como órgano central de la vida psíquica, y a Filolao, que supo, anticipándose a su época, que la tierra no ocupa el lugar central del cosmos. Esta primitiva secta se deshizo en la segunda mitad del siglo V a. De C. por razones políticas: los demócratas en el poder los expulsaron por sus ideas aristocratizantes y autoritarias.

Una vez expulsados de Cretona, los pitagóricos se establecieron en Tárente, formando el Nuevo Círculo Pitagórico. Este se subdividió en dos grupos: los acusmáticos, ascetas pordioseros que seguían al pie de la letra los supersticiosos preceptos prácticos, y los matemáticos, interesados por las ciencias y las artes, particularmente la música, la geometría, la medicina y la

astronomía.

En la sociedad pitagórica se admitían en plena igualdad de derechos a hombres y mujeres; la estructura de la propiedad era comunitaria, lo mismo que la forma de vida. Cuando la secta realizaba algún descubrimiento científico o matemático, se consideraba como un hallazgo colectivo o se le atribuía a Pitágoras, aún después de su muerte. Estos descubrimientos eran propiedad de la escuela y no podían ser revelados al vulgo.

La importancia de los números

Para los pitagóricos, los números eran la esencia misma de realidades tan heterogéneas como el cielo, el matrimonio y la justicia.

Anteriormente, los griegos habían representado los números con letras del alfabeto. Los pitagóricos los representaron con puntos, estableciendo una estrecha relación entre matemáticas y geometría. El 1 era el punto, el 2 la línea, el 3 el plano o el triángulo y el 4 el cuadro o el sólido.

La teoría pitagórica del número implicó que se considerase que la naturaleza es un todo bien organizado y estructurado, que existía una legalidad cósmica subyacente a los fenómenos naturales. Dos ideas que, a partir de esta teoría, adquirieron plena importancia, son las ideas de armonía y proporción, que influyeron en múltiples aspectos de la vida griega: la poesía, la retórica, la arquitectura, la religión, la ética, etcétera.

La influencia del pitagorismo ha sido inmensa. En Platón, San Agustín, Santo Tomás de Aquino, Descartes, Spinoza, Leibniz, Hegel, etc., aparece esa mezcla de religión y razonamiento, de misticismo y lógica. Esta mezcla dio origen a la teología intelectualizada de Occidente, distanciándole del profundo misticismo contemplativo, metafísico e introspectivo de las civilizaciones orientales.

Los pluralistas

A esta escuela se la denominó así para distinguirla de las anteriores, que eran monistas (del griego monos, uno). Los pluralistas creían a diferencia de los monistas, que la realidad se origina a partir de la conjunción de varios principios y no a partir de un solo principio o argé. Los principales pensadores pluralistas fueron: Empédocles, Anaxágoras, Leucipo y Demócrito.

Empédocles de Agrígento (492-430 a. de C.)

Fue un personaje muy extraño, mezcla de poeta, adivino y filósofo. Ejerció entre sus contemporáneos una fascinación enigmática. Creyéndose inmortal, se arrojó al cráter del volcán Etna, muriendo abrasado. Sus dos obras conocidas son Las Purificaciones y Perifiseos, escritas en verso y de las que sólo se conservan algunos fragmentos.

Para Empédocles, todo lo que existe se ha formado por combinación y mezcla, en determinadas proporciones. de las cuatro sustancias fundamentales: agua, aire, tierra y fuego, que son los cuatro elementos de que se compone toda realidad y que a su vez están compuestos de partículas inmutables. El mérito de Empédocles radicó en anticipar la idea científica de «elemento químico» (o «constituyente último cualitativo de la realidad»). Así, un objeto concreto del mundo empieza a ser (unión de partículas) o deja de ser (disgregación), pero las partículas básicas ni empiezan a ser ni dejan de ser; son eternas e indestructibles. De esta forma prefiguró otra idea científica que más tarde se tradujo como Ley de conservación de la materia (la materia no se crea ni se destruye; sólo se transforma), elaborada por Lavoisier.

Junto a estos cuatro elementos, y para explicar el origen del movimiento que los pone en contacto y Justifica su combinación, Empédocles introdujo la idea de «fuerza», pero con una envoltura religiosa. Hay dos tipos de fuerzas divinas: una agregadora o Filia (el amor) y otra disgregadora o Neikos (el odio). Estas dos fuerzas dominan alternativamente, sucediéndose una a otra en un proceso cíclico, y así el mundo se va formando (dominio del amor) y destruyendo (dominio del odio) en un movimiento eternamente repetido. La evolución del cosmos sería un eterno retorno.

Para Empédocles, en el origen de los tiempos, en el albor de la formación del mundo, el predominio del amor hizo que las cosas se unieran indiscriminadamente unas con otras y así se formaron multitud de seres monstruosos y deformes, de los que sólo sobrevivieron los más aptos, que son las especies existentes en la actualidad. Los seres humanos eran ambiguos, hermafroditas y estériles; en ellos cohabitaban dos principios: uno masculino y otro femenino; el odio separó estos dos principios y el amor humano emprendió una búsqueda desesperada de la otra mitad de uno mismo para retornar a la unidad primigenia, en la que hombre y mujer eran una y la misma cosa.

Anaxágoras de Klazomenes (500-428 a. de C.)

Expuso sus doctrinas en la Atenas de Pericles, de donde tuvo que huir a la muerte de éste, acusado por el vulgo de ateísmo y de falta de respeto a la religión tradicional.

Para Anaxágoras, la realidad no se compone tan sólo de cuatro elementos, sino de infinitos elementos cualitativamente distintos, de las partes pequeñísimas de que están hechas todas las cosas a las que llamó homeomerías o spérmata (gérmenes). En cada cosa material hay infinitas spérmata, pero la cosa toma aspecto exterior de la spérmata más abundante en ella. La formación de las diversas cosas las explicó por la unión de las homeomerías y el cambio de una cosa en otra por una reestructuración de las homeomerías que la componen.

Las cosas, pues, aunque estén formadas por los mismos constituyentes últimos, eran para Anaxágoras diferentes entre sí, porque estos constituyentes se agrupan en distintas formas, según la posición que ocupan.

Y así, la diferencia entre toda? las cosas no es una diferencia material cualitativa, sino una diferencia formal cuantitativa. Las cosas son distintas porque es distinta su disposición o estructura interna.

Anaxágoras introdujo la idea del Nous o Mente Universal, que es una especie de sustancia espiritual, un principio divino que combina las infinitas homeomerías causando la multiforme variedad de lo existente.

Los atomistas: Leucipo y Demócrito

El fundador de la escuela atomista fue Leucipo (460-370 a. de C.), pero su obra está mezclada con la de su discípulo y continuador Demócrito (460-370 a. de C.) hasta un punto en que es difícil deducir cuál es la aportación personal de cada uno. Normalmente, se estudian sus ideas como si fueran expresión de un solo pensador.

La concepción del mundo de los atomistas es profundamente materialista: no admiten ningún principio espiritual, todo es materia, incluso el alma humana, Para los atomistas, los principios últimos de todas las cosas eran los átomos (los indivisibles). Los átomos se diferencian de las homeomerías en que no son sustancias con cualidades distintas, sino sustancias homogéneas; lo que diferencia unos de otros es una serie de aspectos cuantitativos, como la forma, el tamaño, el peso, etcétera.

Los átomos son impenetrables, pesados, eternos, indestructibles, ocupan un lugar del espacio en el seno de una especie de no ser o nada relativa que es el vacío. Los átomos son infinitos en número: no tienen cualidades materiales de ninguna clase que los distingan entre sí: todos son de la misma naturaleza, pero con una enorme variedad de formas distintas, que les hacen aptos para engarzarse, para complementarse unos a otros formando las múltiples formas aparentes de lo real.

Los aspectos cualitativos de las otras realidades no atómicas, tales como el sabor, el color, el calor, etc., constituyen algo que, según los atomistas, pertenece no tanto al objeto físico cuanto al sujeto que los percibe. Esta opinión de que la apariencia de las cosas se ve afectada por la subjetividad humana se conoce en filosofía con el nombre de subjetivismo.

Para explicar el movimiento de los átomos, Leucipo y Demócrito no recurrieron a principios espirituales exteriores a la materia (como Filia, Neikos, Nous, etc.), sino que su explicación es puramente materialista. Los átomos se mueven porque son pesados y están en el vacío; es decir, su movimiento es una caída, y en esta caída a distintas velocidades se produce la unión de unos con otros, formándose así la totalidad de lo existente.

Los sofistas

Con el término «sofistas» se designa a un grupo de eminentes personalidades de la cultura y la filosofía griegas que vivieron en el siglo V a. de C. En la actualidad el término «sofista» tiene un valor semántico esencialmente negativo, debido a la tradición iniciada por los tres grandes clásicos de la filosofía griega (Sócrates, Platón y Aristóteles). En realidad, en su origen, el término sofista significaba sabio, hábil, competente, y era en este sentido que lo usaban quienes lo ostentaban.

Los orígenes del movimiento sofístico están estrechamente relacionados con el vasto cambio político y social que, después de vencer a los persas, implantó en Grecia regímenes democráticos (salvo Esparta). La democracia ateniense era una democracia directa, no representativa (como las actuales); es decir, todos los ciudadanos tenían la posibilidad de participar directamente en las decisiones públicas, a través de las frecuentes asambleas populares y tribunales públicos convocados. En estas intervenciones públicas, la posibilidad de hacer prevalecer las propias tesis dependía única y exclusivamente de la capacidad expresiva, retórica. Y aquí intervinieron los sofistas: su principal función (función que realizaban en forma de profesores ambulantes y cobrando un sueldo) consistía en enseñar un nuevo arte: la erística (de eris, lucha), concebida como el arte de persuadir y argumentar en

forma dialéctica; la erística era un procedimiento retórico, discursivo, que enseñaba la capacidad de sostener indiferentemente el pro y el contra de cualquier tesis, sin preocuparse de la verdad o la falsedad de lo defendido.

Aunque los sofistas explicaban sus técnicas y procedimientos a todo aquel que tuviera dinero para pagarlo, su objetivo pedagógico primario no era tanto

formar a! pueblo como educar a los que debían ser caudillos de ese pueblo.

Para conseguir sus objetivos, los sofistas se dedicaron a estudiar profundamente toda una serie de cuestiones gramaticales y lingüísticas.

El lenguaje adquirió con ellos el carácter de instrumento. Enseñaron a los jóvenes atenienses a considerarlo como si fuese un arma, con un objetivo casi agresivo, que consistía en la mayoría de los casos en convencer a los demás para ocupar uno mismo puestos sociales de responsabilidad.

En política, los sofistas fueron los fundadores de la demagogia (conducción del pueblo) y la psicagogia (conducción de almas); en teoría del conocimiento

fueron los fundadores del escepticismo (doctrina que niega la posibilidad del conocimiento).

Con los sofistas, el hombre y las cosas humanas pasaron al primer plano de la problemática filosófica. Eran humanistas; creían que el único saber que merece realmente tal nombre es el saber práctico, útil para el hombre. Desde esta perspectiva, rechazaban la filosofía de la naturaleza de los primeros presocráticos.

A partir de sus críticas, los sofistas fundaron el subjetivismo o relativismo («la verdad de la cosa conocida es relativa al sujeto que la conoce»). Este relativismo subjetivista lo expresó perfectamente Protegerás (480- 410 a. de C.): «El hombre es la medida de todas las cosas».

Los sofistas fueron individuos cosmopolitas, apartidas, que viajaron frecuentemente por todo el mundo conocido. En este continuo viajar conocieron gran cantidad de costumbres y leyes, lo que les llevó a rechazar la idea imperante de que la ley era algo eterno y universalmente válido. Los sofistas fueron, en este punto, convencionalistas, no naturalistas.

Sócrates, Platón y Aristóteles fueron unos declarados antisofístas. Aristóteles ni siquiera los consideró en sus escritos y Platón habló siempre de ellos como hombres prácticos, como activistas políticos, pero no como pensadores teóricos, como filósofos, tratándoles siempre despectivamente.

LA FILOSOFÍA CLÁSICA GRIEGA

Sócrates (469-399 a. de C.)

Nacido de padre escultor y madre comadrona, fue un buen ciudadano de su patria natal, Atenas, a la que sirvió como soldado en varias batallas de la guerra del Peloponeso. Sin embargo, jamás quiso participar en actividades políticas, por impedírselo sus convicciones filosóficas. Al final de su vida se presentó contra él la acusación de no creer en los dioses de la ciudad y corromper a la Juventud; fue considerado culpable y se le condenó a suicidarse bebiendo cicuta. Su discípulo Platón haría más tarde, la apología del sereno comportamiento de Sócrates frente a la muerte.

Los restos conservados de las obras que nos hablan de Sócrates (los diálogos de Platón, Antístenes y Esquines) difieren en muchos aspectos concretos, pero todos ellos están orientados a ensalzar la personalidad del maestro.

El punto de partida de la filosofía socrática es el problema moral, la autoconciencia ("conócete a ti mismo»). Desarrollando esta idea. Sócrates se preocupó fundamentalmente por problemas éticos y procuró investigar conceptualmente la esencia permanente de lo justo, lo bueno, lo bello, etc. Sus investigaciones revisten la forma de preguntas sobre conceptos generales de carácter moral: ¿Qué es la piedad?, ¿qué es el valor?, ¿qué es el autodominio?

Sócrates conoció muy a fondo las obras de los antiguos filósofos de la naturaleza, pero trasladó su interés del universo al ser humano.

El conocimiento, auténtico para Sócrates, no era el saber por el saber, el saber teórico, sino la techne o saber práctico, que tiene una utilidad para el hombre; y enceste sentido la medicina era el saber por excelencia.

Sócrates pretendió fundamentar un conocimiento riguroso, hacer de la filosofía una ciencia. Para ello defendió el método inductivo y condenó el método deductivo de los presocráticos: no hay que partir de afirmaciones sobre la totalidad del mundo, como hacen los primeros filósofos, sino observar empíricamente, experimentalmente, la realidad concreta y. en todo caso, inducir de aquí leyes o principios generales.

Platón (428-347 a. de C.)

Nació en Atenas. Su verdadero nombre era Aristocles; el de Platón, con que ha pasado a la posteridad, era un mote que significaba «ancho de espaldas».

Perteneció a una clase social acomodada, lo que le permitió recibir una educación esmerada en diversas materias: literatura, gimnasia, música- pintura, poesía, etc. Inició sus estudios filosóficos con Cratilo, discípulo de Heráclito y los perfeccionó, a partir de los 20 años. con Sócrates- Fue discípulo de éste y recibió su influencia hasta un punto tal que ha sido difícil decidir cuáles de sus aportaciones filosóficas son originales y cuáles son obra de su maestro.

Tras la muerte de Sócrates. Platón se dedicó a viajar por el mundo conocido: en Egipto y Cirené entró en contacto con el saber matemático y astronómico de su tiempo: en la Magna Grecia pasó algún tiempo con una secta de pitagóricos, y en sus tres viajes a Sicilia trató de crear un régimen político en el que experimentar sus teorías sobre el Estado, expuestas en su obra La República, pero sin conseguir resultados positivos.

A los 40 años de edad fundó la Academia, primera escuela filosófica organizada en plan pedagógico. Enseñó en ella durante veinte años los más diversos temas: filosofía, matemática, astronomía, zoología, etcétera.

Los años de la Academia fueron los de su madurez creadora y durante ellos escribió sus obras más importantes: una Apología de Sócrates, 34 diálogos y 13 cartas (quizás apócrifas). La obra platónica es una de las primeras obras verdaderamente filosóficas por lo que tiene de saber totalizador y universal, ya que trata de los más diversos aspectos de la cultura: político, ético, físico, astronómico, teológico, etcétera.

Platón sufrió la influencia de cuatro grandes filósofos: de Pitágoras adoptó elementos del orfismo: la tendencia religiosa, la creencia en la inmortalidad del alma humana, el tono sacerdotal: de Parménides aprendió que la auténtica realidad es eterna, inmutable e intemporal, y que el cambio que parecen captar nuestros sentidos corporales no es mas que eso: apariencia, ilusión; de Heráclito extrajo la visión crítica del inmovilismo parmenídeo: el dinamismo heraclíteo afirma que nada es permanente («todo fluye») en el mundo sensible; de Sócrates, la preocupación por problemas éticos y sus ideas políticas aristocráticas y antidemócratas.

Platón expuso su doctrina en forma de diálogos, tal vez porque en su época era preponderante la forma de comunicación oral y porque el diálogo es la forma de escribir que más se asemeja a la de hablar.

Para Platón, el mundo inteligible es el único mundo que se merece verdaderamente el nombre de realidad. pues él es quien proporciona las formas, tas ideas, los modelos, de los cuales el mundo natural no es más que mera copia, reflejos, imitación. Por otra parte, la distinción platónica entre un mundo sensible y un mundo inteligible lleva aparejada la distinción entre conocimiento empírico (sensitivo) y conocimiento intelectivo.

Platón fue el autor de la primera utopía política de la historia de la cultura. Una utopía es la descripciónde una imaginaria sociedad perfecta, con un carácter programático (es decir, con la intención de que la sociedad existente se rija, en un plazo mayor o menor de tiempo, por los principios políticos enunciados en la utopía).

La utopía de Platón se encuentra en su obra más conocida: La República. Su planteamiento político es muy original. Se basa en su propia teoría de que la sociedad no será perfecta hasta que los filósofos se hagan reyes o los reyes se conviertan en filósofos. En términos actuales, diríamos que lo que nos propone Platón es una especie de régimen de dictadura de los intelectuales (Política).

Aristóteles (384-322 a. de C.)

Nació en Estagira (región de Tracia). Fue hijo del médico de cabecera del rey Amintas de Macedonia. A los 18 anos entró en la Academia platónica, y en ella permaneció durante dos décadas, hasta la muerte de Platón, por quien siempre sintió una gran admiración. En el año 342 a. de C. fue llamado por el rey Filipo de Macedonia para que se encargara de la educación de su hijo Alejandro Magno. En el año 335 a. de C. regresó a Atenas y fundó su propia escuela: el Liceo (así llamado por estar en la plaza de Apolo Licio), que al principio tuvo características similares a las de la Academia, pero que con los años se convirtió en un círculo de investigación científica y cultural. Los peripatéticos (que así fueron llamados los componentes de la escuela aristotélica) realizaron estudios de diversas materias y acumularon sus conocimientos enciclopédicos en una especie de archivos.

Aristóteles dividió sus escritos en dos grandes familias:

Exotéricos: destinados a la publicidad (la mayoría se han perdido).

Esotéricos o acromáticos: usados como apuntes de clases en el Liceo, fueron publicados casi todos tres siglos después de su muerte.

La primera época de Aristóteles es puramente platónica, tanto en la forma como en el contenido. En su época de transición se enfrentó con algunas de las ideas del maestro, especialmente con su teoría de las ideas, aunque siempre con mucho respeto («Siendo Platón y la verdad igual de amigos míos, siento el imperioso deber de colocar a la verdad por delante»). Y, por fin, ya en su época de madurez, en el Liceo, elaboró sus propias teorías filosóficas.

La obra de este período de esplendor puede dividirse así;

Escritos lógicos: Categorías. Predicamentos, Analíticos, Tópicos, agrupados más tarde bajo el nombre de Organon (o Instrumento).

Escritos metafísicas: ocho libros de la filosofía natural y catorce libros de la filosofía primera o metafísica.

Escritos físicos: Sobre el cielo. Generación y corrupción, Meteorología, Historia de los animales, del alma, De la sensibilidad. De la memoria, del sueño y la vigilia, De la respiración, etcétera.

Escritos ético-políticos: Etica a Nicómaco. Política, Ética a Eudemo, Gran ética, Constitución de Atenas.

Escritos estéticos: Poética, y Retórica.

La lógica, como ciencia formal del saber, nació con Aristóteles. Y con él quedó perfectamente constituida en su forma clásica.

Las ideas lógicas más relevantes de Aristóteles se encuentran en su obra Analíticos. En ella concibe a la lógica como un análisis, y en este sentido la compara con la anatomía.

La lógica

Mientras la ciencia anatómica sería un análisis de los cuerpos, la ciencia lógica sería un análisis del pensamiento o del medio con el que se expresa este pensamiento: el lenguaje. Aristóteles descubrió que el espíritu (el pensamiento, el lenguaje) posee una estructura interna similar a la de la materia. Así, desmenuzó el espíritu humano y extrajo tres elementos fundamentales: el concepto, el juicio, y el raciocinio.

El concepto es la representación intelectual abstracta de un objeto. El hombre conoce las cosas que le rodean de una manera sensible (este monte, esta silla, este hombre), pero tiene una facultad (abstracción) que le permite prescindir de las características concretas y accidentales de los objetos y referirse a sus aspectos esenciales, es decir, le permite saber qué es el monte, la silla, el hombre, etcétera, Estos aspectos esenciales constituyen la idea, el concepto o, en términos aristotélicos, el universal.

Aristóteles clasificó los conceptos en 10 grupos distintos: una sustancia y nueve accidentales (cualidad, cantidad, relación, tiempo, lugar, acción, pasión, estado, posición).

Cuando se unen dos o más conceptos para obtener un enunciado acerca de la realidad, se forma un juicio. Un juicio es verdadero cuando se adecua con la realidad, es decir, cuando los dos conceptos que se unen en el juicio se refieren a dos objetos efectivamente relacionados en la realidad.

El raciocinio es aquella forma lógica que consiste en inferir un juicio desconocido a partir de otros conocidos. Hay dos clases de raciocinios: los deductivos (que a partir de una afirmación universal deducen una afirmación particular).

Y los inductivos (que siguen el camino inverso: van de la recolección de datos particulares a la afirmación de una verdad universal). Para Aristóteles, la forma perfecta de raciocinio es el deductivo, al que llamó silogismo. La teoría de los silogismos (descripción de su forma, de su empleo, de sus leyes, etcétera) constituye el núcleo de la lógica aristotélica.

La metafísica

Aristóteles es también el fundador de una nueva disciplina filosófica: la metafísica.

El objeto fundamental de estudio metafísico es el ser de las cosas. Las distintas ciencias particulares estudian los objetos de este mundo ateniéndose a características específicas de ellos; así, la física estudia

los objetos en cuanto móviles, la química, en cuanto mutables y reorganizables, la biología, en cuanto vivos, etcétera. La metafísica estudiará a los objetos en cuanto existentes y la definió así: «Es la ciencia del ser en cuanto ser». Ahora bien, Aristóteles no dedicó su atención a todos los seres, sino a aquel ser modélico, arquetípico que es Dios, el más perfecto de todos los seres. Así, la Metafísica se convirtió en una especie de teología. Las concepciones éticas de Aristóteles no son muy originales, limitándose a ser la formulación en términos filosóficos de las ideas dominantes sobre el ethos (comportamiento, conducta) en la sociedad de su tiempo.

La política

La obra política de Aristóteles es una de las primeras grandes sistematizaciones de la política de los pueblos. En ella partió de un enorme cúmulo de material empírico (el estudio de las constituciones políticas de la mayoría de las ciudades conocidas de su época). Para él, el Estado es la forma superior de las comunidades humanas. La primera institución natural es la familia (basada en dos tipos de relaciones: marido-mujer, amo-esclavo). La unión de varias familias constituye una aldea y la unión de varias aldeas autónomas y autosuficientes constituye un Estado, una polis. Según Aristóteles el hombre sólo puede realizarse plenamente en el interior de una comunidad política. Lo definió como zoon politíkón, o sea, «animal político».

En cuanto a las formas de gobierno, delineó especulativamente un cuadro de regímenes políticos posibles, considerando tres formas de gobierno aceptables y tres formas condenables:

• Monarquía: Gobierno de uno solo.
• Aristocracia: Gobierno de los mejores
• Democracia: Gobierno de la multitud

Todos estos sistemas deben buscar el bien y la felicidad de todos. Cuando esto no ocurre aparecen perversiones o degeneraciones:

• La Monarquía da lugar a la Tiranía
• La Aristocracia da lugar a la Oligarquía
• La Democracia da lugar a la Demagogia

Aristóteles insinúa que el gobierno ideal puede ser el de una clase intermedia. De cualquier forma, afirma que cualquier forma de gobierno es buena si respeta la felicidad, el bien y utilidad de todos.

Un gobierno que actúe correctamente ha de cumplir:

• Esté de acuerdo con la naturaleza humana.
• Esté de acuerdo con las condiciones históricas concretas que se dan.

EL PENSAMIENTO FILOSÓFICO CRISTIANO

El cristianismo no es una filosofía propiamente dicha, sino una religión que, tal como queda expresado en los dogmas de la Iglesia católica, «fue fundada por Jesucristo, hijo de Dios, enviado por Dios Padre como Mesías, para salvar a los hombres según habían anunciado los profetas hebreos».

La designación de cristianos se dio por primera vez a los habitantes de Antioquía que profesaban la fe predicada por San Pablo.

La religión cristiana se convirtió en menos de tres siglos en la religión oficial del Imperio romano y se arraigó tan profundamente a los más esenciales aspectos de la cultura occidental que logró sobrevivir a la caída del propio imperio y convertirse en el substrato básico de la civilización occidental.

Los pensadores que aportaron los elementos decisivos para permitir que el cristianismo se configurara como religión oficial del Estado fueron los apologetas, así llamados porque en sus escritos se dedicaron a hacer la apología del cristianismo.

La esencia definitoria del cristianismo como religión es su monoteísmo trascendente (la creencia en la existencia de un solo Dios, que es algo completamente distinto del hombre y del mundo, algo que los trasciende a ambos). Esta concepción monoteísta, cuya proyección actual es casi universal entre todos los creyentes, fue en un principio elaborada exclusivamente por la civilización israelita, que la consideraba verdad

exclusiva y revelada directamente por Dios.

En la historia sagrada del pueblo judío se encuentra el núcleo básico de la gestación del cristianismo.

Los filósofos cristianos adoptaron muchas ideas del pensamiento griego pagano. De los escépticos epicúreos adoptaron argumentos contra el politeísmo. Aristóteles les prestó una serie de conceptos filosóficos (como los de sustancia, causa, materia) que eran imprescindibles para tratar los delicados y sutiles temas de la teología cristiana (la creación del mundo a partir de la nada. la Santísima Trinidad, etc.). La moral estoica aportó algunos elementos a la ética cristiana. El platonismo, con su desprecio del mundo sensible, su creencia en la inmortalidad del alma humana y la afirmación de la existencia de un mundo celestial fue una prefiguración del cristianismo, refiriéndose a Platón dijo San Agustín: «Nadie se ha acercado tanto a nosotros».

Podemos dividir la filosofía cristiana medieval en dos grandes periodos: la Patrística y la Escolástica.

LA PATRÍSTICA:Es el conjunto de dogmas elaborados por los Padres de la Iglesia y los concilios.

San Justino fue el primero que trató de conciliar la fe reveladora y el conocimiento filosófico racional. Para él, la filosofía era el don más precioso que Dios había hecho a los hombres, por lo tanto no podía haber contradicción entre filosofía y religión.

Tertuliano (siglos II y III) dio una respuesta menos sensata, más fideista y religiosa, al anunciar Credo quia absurdum («Solo creo lo que es absurdo, lo que repugna a la razón»).

Lactancio fue un ecléctico: consideraba que tomando las verdades parciales que se contenían en las especulaciones de los filósofos griegos se obtendría un corpus doctrinal filosófico racional equiparable con la verdad teológica revelada.

El gnosticismo fue una fusión de elementos escriturísticos y cristianos, griegos y orientales (pitagorismo, platonismo, judaísmo y teosofía esotérica se entremezclaban). Trataron los mismos temas que la ortodoxia cristiana, pero cayeron en la herejía. Sus principales aportaciones fueron:

1. sustitución de la fe por una forma de conocimiento racional llamada gnosis
2. afirmación de un dualismo entre Dios y la materia, posteriormente mejor desarrollado por otra herejía: el maniqueísmo
3. desarrollo de la noción de Dios desconocido (el Dios del Antiguo Testamento no es el verdadero Dios, pues ha creado la materia, origen del mal).

Orígenes (184-253) abogó por la utilización de pruebas filosóficas en la especulación teológica; como Parménides. creía que la esférica era la forma perfecta y en un texto, afirma que los bienaventurados entrarán en el cielo rodando porque habrán resucitado en la más perfecta de las formas, la esférica.

El Concilio de Nicea, celebrado el año 325, estableció las verdades de la religión cristiana en forma dogmática e indiscutible. A partir de este momento,

la especulación de los Padres de la Iglesia fue limitada, no pudiendo enfrentarse a ninguno de los dogmas y verdades oficialmente decretadas, salvo riesgo de excomunión. Esta intangibilidad del dogma impuso la definición de la filosofía como ancilla theologiae, es decir, como esclava de la filosofía de Dios, como sierva de la teología.

San Agustín (354-430)

San Agustín nació en Tagaste, una ciudad del norte de África, de padre pagano y madre cristiana (Santa Ménica). Durante su juventud llevó una vida turbulenta, entregado a diversiones y placeres de carácter pagano.

El problema filosófico que impulsó a San Agustín hacia el cristianismo es un problema que ha movido a grandes sabios de todas las épocas: la búsqueda de la felicidad. El opinó que la verdadera felicidad consiste en la sabiduría, por lo que toda su vida consistió en una larga investigación de la verdad.

Fue un escritor sorprendentemente prolífico: parece ser que escribió casi 500 obras, de las que las más importantes entre las conservadas son: Las confesiones, La verdadera religión, La ciudad de Dios, La inmortalidad del alma y La ciencia cristiana.

En la filosofía agustiniana, el punto de partida de toda reflexión filosófica es la existencia indudable de un Yo filosofante. No se puede ser un escéptico consecuente, no se puede dudar de todo, pues para dudar siempre hay que presuponer que existe un sujeto que duda. En la duda y el error encuentra San Agustín la seguridad de la propia existencia- La siguiente frase expresa estas ideas: si enim fallor, sum (si yerro, existo).

La filosofía agustiniana no es más que la formulación cristiana del pensamiento platónico. Para Platón existían dos clases de realidades: la sensible y la ideal, y las cosas naturales participaban de la realidad superior de las Ideas; para San Agustín, las verdades particulares que adquiere el hombre mediante la ciencia participan de las verdades absolutas divinas.

San Agustín fue uno de los fundadores de la disciplina filosófica llamada filosofía de la historia, germen de lo que en la actualidad es la sociología.

Cuando Roma fue saqueada por los bárbaros de Alarico, los paganos atribuyeron el desastre al abandono de los antiguos dioses y dieron la culpa al cristianismo; decían los paganos que mientras Júpiter fue venerado, Roma fue poderosa, pero que al ser abandonado por los emperadores cristianos, Júpiter dejó de protegerla. San Agustín intentó responder a este ataque escribiendo su más monumental obra: La ciudad de Dios, que poco a poco fue superando el proyecto original hasta convertirse en una completa concepción cristiana de la historia.

La idea fundamental de La ciudad de Dioses que la historia tiene un sentido, se dirige hacia una meta, señalada por la providencia divina. Los pueblos pueden rebelarse contra este destino que les impone la providencia divina y formar una «ciudad terrena», pero pueden también acatar esta ley histórica que les señala Dios y constituir así la «ciudad divina».

Estos dos esquemas intuitivos (la ciudad terrena y la ciudad divina) le sirvieron a San Agustín para señalar la oposición política entre el Estado y la Iglesia. Durante toda la Edad Media, gracias a la influencia de la Iglesia y a la debilidad de los monarcas y emperadores. los sistemas políticos dominantes fueron teocracias (gobiernos de inspiración divina), pero con la llegada de la reforma protestante pasó a primer plano la doctrina contraria: el erastianismo, que predicaba el dominio y la superioridad temporal del Estado sobre la Iglesia.

LA FILOSOFÍA MEDIEVAL: LA ESCOLÁSTICA

Por escolástica se entiende aquella parte de la filosofía de la Edad Media europea que abarca desde la época del Imperio de Carlomagno (siglo VIII) hasta el Renacimiento (siglo XV). El nombre de escolástica proviene del hecho de que esta filosofía se elaboró en las instituciones eclesiásticas, especialmente las escuelas conventuales, catedralicias o palatinas, de las que surgieron las primeras universidades. En aquellas escuelas se enseñaron las siete artes medievales: el trivium (las llamadas materias literarias: dialéctica, gramática y retórica) y el quadrivium (las llamadas materias científicas: aritmética, astronomía, geometría y música).

Revelación y Razón

Antes de la aparición de las primeras universidades las escuelas medievales estaban divididas en dos secciones: la schola externa (que se ocupaba de las ciencias «humanas» y estaba especializada en la formación cultural de los seglares) y la schola interna (que se ocupaba de la teología y se especializaba en la educación de los clérigos). Tanto en una como en otra, las enseñanzas se impartían en dos formas: la lectio (la lección), consistente ei una clase magistral, y la disputado (la polémica), que era una controversia entre el maestro y los discípulos acerca de un tema filosófico.

Las dos bases fundamentales del conocimiento escolástico eran la autoridad o revelación y la razón. La revelación se fundaba en las Sagradas Escrituras, en las conclusiones de los concilios, en el pensamiento de los Padres de la Iglesia y, en definitiva, en la tradición. La razón operaba en discusiones que no pusieran en cuestión la premisa de la omnipotencia y omnipresencia divinas, así como la elaboración de conceptos filosóficos, buscando la conciliación entre las tesis opuestas que a veces se hallaban en el campo de la revelación. Esta era considerada jerárquicamente superior a la razón.

Hasta San Agustín la filosofía cristiana estaba influida por el pensamiento de Platón. Después se inició una etapa en la que la influencia de Aristóteles fue Fundamental

Santo Tomás de Aquino (1224-1274)

También llamado Doctor Angélico, nació en el castillo de Rocasecca, en Lombardía, cursó sus primeros estudios en la abadía de Montecassino, ampliándolos en la universidad de Napóles, en donde conoció a San Alberto Magno, quedando profundamente impresionado por el pensamiento de éste. Ingresó en la orden dominica y enseñó teología en París, y posteriormente, en numerosas ciudades italianas (Agnani, Orbicto, Roma). Falleció cuando se dirigía al concilio de Lyon, al que había sido invitado por el Papa Gregorio X.

A pesar de que el tomismo es presentado general mente como una vía filosófica absolutamente distinta del pensamiento de San Agustín, ello no es correcto, pues ambos parten del mismo fundamento común, es decir, las bases del cristianismo. Lo que sí cabe señalar es que mientras San Agustín considera como predominante el «orden del corazón». Santo Tomás coloca

como prioritario el «orden del intelecto». Resumiendo: en el primero, domina el sentimiento; en el segundo, la razón, pero siempre aceptando la superioridad de la revelación providencial.

Por otra parte, en Santo Tomás hay un gran esfuerzo por asimilar las ideas de Aristóteles, presente en toda su obra, aunque mezcladas con las aportaciones filosóficas de los antiguos Padres de la Iglesia y recogiendo incluso alguna influencia de los filósofos árabes. Puede añadirse que la obra tomista no fue excesivamente original, pero sí un gran esfuerzo de sistematización del saber que hasta entonces permanecía disperso.

FILOSOFÍA MODERNA

Comprende todas las manifestaciones del pensamiento cronológicamente situadas entre el final de la filosofía cristiana medieval y el pensamiento final de la Ilustración.

Este periodo se define especialmente por oposición al escolasticismo. Su fuerza radica en su capacidad crítica, que puso en cuestión las tesis de la escolástica. Frente al rígido esquema medieval, el pensamiento moderno se definió a través de las características que se resumen a continuación.

Autonomía del pensar

Los filósofos modernos se resistieron progresivamente a solicitar el tutelaje y el dictamen de los dirigentes de la Iglesia respecto a sus tesis y especulaciones. Comenzó una auténtica lucha para liberarse del dictado del dogma teológico. Los filósofos modernos abandonaron las reglas tenidas por indiscutibles y los métodos universalmente aceptados, para establecer sus propias normal: de verificación: coherencia racional, comprobación empírica, duda metódica, etc., rompiendo con la fidelidad a lo establecido.

Libertad de razonar

La filosofía moderna intentó forjar una nueva concepción del mundo y de la sociedad y, aunque inicialmente no prescindió absolutamente de la influencia religiosa, postuló la resolución de los problemas mediante la libertad de razonamiento. Abandonó así progresivamente las verdades absolutas o reveladas, intentando sustituir lo sobrenatural por lo natural, lo divino por lo humano, lo celeste por lo terrenal, resolviendo zanjar definitivamente la polémica entre la fe y la razón en favor de esta última.

Liberación individual

La nueva filosofía contribuyó a la liberación de la individualidad, de un modo que antes sólo se produjo en la Grecia clásica. Esta contribución fue casi simultánea a la lucha por la liberación de los grupos nacionales que pugnaban por quebrar el imperialismo medieval. De algún modo, la filosofía moderna se vincula al surgimiento de las nacionalidades.

La formulación científica

Otro rasgo del pensamiento moderno fue la intención de aproximar la filosofía y la ciencia. Fue en esta época de la historia cuando comenzaron a estructurarse las ciencias naturales, entendidas como un sistema de conocimientos rigurosamente clasificado y verificado. El pensamiento moderno acabó convirtiendo a la filosofía en colaboradora de la ciencia. A partir de esta época fue frecuente que una misma persona reuniera la doble condición de científico y filósofo. Galileo y Newton son grandes ejemplos de este cambio. que alcanzó hasta la época contemporánea, como lo demuestra Bertrand Russell. En esta perspectiva, los dos factores más importantes de la ciencia moderna (utilización concreta de la experiencia del investigador y mentalidad matemática) fueron también dos de los temas filosóficos más apasionadamente discutidos, hasta tal punto que dio lugar a dos de las más destacadas escuelas filosóficas de la Edad Moderna: el racionalismo, que se fundó en tos aspectos lógico-racionales del conocimiento, y el empirismo, que afirmó la validez absoluta de la experiencia en el ámbito del conocimiento científico-filosófico.

Laicización

La nueva filosofía planteó tres condiciones importantes que a largo plazo resultaron decisivas: la laicización (liberalización de tas costumbres respecto a la influencia religiosa), la extra oficialidad (liberación e independencia de los comportamientos respecto de la tutela imperial) y la sustitución del latín por los idiomas de las distintas nacionalidades.

Los filósofos importantes dejaron de ser clérigos y sus enseñanzas dejaron de estar respaldadas por las instituciones políticas y por la Iglesia, penetrando hacia el pueblo a través del idioma nacional.

En general, se acostumbra a dividir la filosofía moderna en tres grandes periodos: el Renacimiento, el Racionalismo, el Empirismo y la Ilustración.

Las disciplinas filosóficas que gozaron de mayor importancia en la Edad Media eran la teología y la metafísica. La Edad Moderna no prescindió totalmente de ellas e incluso se llegaron a proponer nuevas elaboraciones metafísicas como el panteísmo de Spinoza, pero su campo de interés primordial lo constituyó la problemática en torno a la teoría del conocimiento.

RACIONALISMO Y EMPIRISMO

El Renacimiento: ciencia y humanismo en el origen de la modernidad.

El Renacimiento hemos de entenderlo como consecuencia de la crisis del siglo XIV que significa el fin del feudalismo y el comienzo del mundo burgués. Le Golf afirma que esta crisis se debe al límite de la tecnología medieval (artesanía) para responder a las nuevas necesidades que se le plantean.

Hacia 1300 o 1350 surge una crisis social por las epidemias de peste: las gentes se refugian en los burgos produciéndose una concentración de la población. Se estanca y paraliza la agricultura debido a esta reducción de la mano de obra por las epidemias y las migraciones.

Ante esta situación, el régimen feudal (basado en el pacto entre el señor y el vasallo por el cuál éste le trabaja la tierra y el señor le defiende) cae y el señor feudal se ve obligado a comprar la mano de obra. Surge entonces la burguesía, concepto que en un principio se refiere a los habitantes de los burgos -ciudades- venidos del campo, que pasó a designar una nueva clase social que, frente a la aristocracia, busca la fuente de riqueza en el trabajo, bajo la afirmación de que el hombre vale lo que produce.

Con los finales de la crisis, la población demuestra una actitud de búsqueda y desarrollo de los deseos de vivir. En este clima surgen una serie de fenómenos:

• Fenómeno de movilización social: el hombre comienza a pensar que la condición social es un producto que hay que ganar.
• Fenómeno vertical social: la nobleza pierde paulatinamente valor, ganándolo la burguesía.

(Marx afirmó que es en esta época cuando surge el capitalismo. )

Las naciones modernas surgen con la burguesía y son un fenómeno burgués. El poder de los reyes va creciendo en las ciudades, estando las monarquías amparadas por el capital burgués. La transformación del poder y el régimen feudal monárquico trae como consecuencia la unificación de las leyes, que hasta entonces eran múltiples.

Un fenómeno fundamental de ésta época, y que se da preferentemente en el s XV, es la revolución tecnológica, que tiene unas consecuencias que cambian la historia:

• El invento de la brújula, que supone una nueva posibilidad de arriesgarse más allá del espacio conocido, abriéndose las posibilidades de los descubrimientos y de las colonizaciones.
• El telescopio, invención de Galileo, contribuye de una forma decisiva el cambio de la concepción del mundo. El hombre se da cuenta de la infinitud del mundo y cambia su visión geocentrista por la heliocentrista.
• La pólvora, que supone la revolución militar y la muerte de las costumbres caballerescas. Los nuevos ejércitos, basados en el poder de la artillería y tácticas de guerra y no en el potencial de caballería, son mucho más costosos y sólo los reyes pueden mantener ejércitos poderosos, siendo éste un factor más que explica la perdida de poder de los señores feudales.
• La imprenta, de Gütemberg, permite el comienzo de la cultura escrita, que hasta ahora había estado restringida a los monasterios. Se desarrollan las Universidades, que pronto adquieren una especial importancia para la secularización de la cultura.

 El elemento que más vigorizó a la economía fue el descubrimiento de nuevos mercados y la creación de nuevas industrias, posibilitado en parte por la caída de los turcos. Se crean ligas comerciales en los Países Bajos y las primeras colonias. Se crea el mercado de África y concluye el descubrimiento de América, entrando nuevos productos y metales preciosos. Se comienza a implantar la industria metalúrgica, relojera y cristalería, que desbancan el predominio textil.

 Todos estos cambios tecnológicos poseen una serie de consecuencias económicas, políticas e ideológicas; pero, especialmente, un cambio profundo de la actitud del hombre frente al mundo.

 Con el Renacimiento aparece el naturalismo, que valora la naturaleza y la vida sensible; esto hace que se dinamice el trabajo para poder gozar posteriormente de la naturaleza. Esta actitud naturalista aumenta la curiosidad intelectual, la valoración del lujo, los viajes, las exploraciones y todo lo que represente contacto con lo natural. Se comienza a valorar el paisaje y a humanizar el arte. La cultura se va haciendo progresivamente laica e independiente de la autoridad eclesiástica y de los dogmas religiosos.

 Las pruebas de este naturalismo y de su cultura laica son:

• El cambio de la actitud respecto de la muerte. El sentido laico de la muerte iguala a todos los hombres. La muerte se suele ver como un castigo, o un final o tránsito, de hay que haya que activar la energía para gozar lo máximo posible de la vida.
• El tema de la fama es la solución laica a la supervivencia. El hombre medieval creía en el otro mundo; la fama, en cambio, será la forma de sobrevivir tras la muerte en el Renacimiento.
• Aparece el tema de la fortuna . El hombre medieval cree en la intencionalidad y providencia de Dios en el mundo. En el Renacimiento la cultura se descristianiza y aparece las ideas de fortuna y predeterminación; la suerte guía al hombre y el azar vuelve a ocupar un papel importante.
• Hay una valoración ética de la persona. El ideal de la vida no es ya seguir un modelo -como los sabios helenísticos o los santos del cristianismo-, sino afirmar la propia personalidad y el propio modelo de vida.
• Comienza la independencia del poder político frente a los Papas, como consecuencia del refuerzo del poder de los reyes tras la caída del régimen político feudal. Los pensadores más importantes toman partido por la independencia de ambos poderes; no con la intención de reforzar el poder de los reyes, sino porque piensan en el poder de la Iglesia como espiritual y no concreto, y, por lo tanto, independiente del Estado.

El núcleo ideológico del Renacimiento es el Humanismo, que podemos definir como la nueva cultura que surge a partir del s XV que se centra en el hombre (antropocéntrico) y que tiene como finalidad al hombre (antropotélico). Los temas más importantes que desarrolla el humanismo son: El tema del sujeto y de su libertad, la relación del sujeto con Dios, y la relación del sujeto con el mundo y la naturaleza. El Renacimiento se va a destacar por la vuelta a los ideales grecolatinos y por la interpretación libre de la Biblia.

Como grandes humanistas podemos destacar: Leonardo da Vinci, Tomas Moro y Pico della Mirandola.

A ellos, sobre todo Pico, se debe la ruptura con la filosofía medieval. Así destacamos los planteamientos:

• El hombre es capaz de hacer el bien por sí mismo, frente a la naturaleza humana corrompida de la filosofía medieval, que afirmaba que el hombre tiene tendencia al mal.
• El hombre se considera un ser autónomo, que elige libremente su destino y acepta las consecuencias de sus actos, frente a la filosofía medieval que afirma que el hombre sólo puede salvarse por la gracia y fe divinas. 

Los problemas mecánicos planteados por la nueva astronomía no podían ser resueltos por la mecánica de Aristóteles. Los aristotélicos vieron en este hecho una argumentación contra la nueva astronomía, pero Galileo y Newton demolieron sus objeciones con una mecánica científica moderna y ordenada.

 Rene Descartes (1596-1650)

Descartes es el padre de la filosofía moderna. Sus obras más importantes son:

• Reglas para la dirección del espíritu.
• Principio de Filosofía
• Meditaciones metafísicas
• Discurso del método

Su filosofía surge en el siguiente contexto :

• Se ha producido ya una cierta ruptura con la filosofía medieval, pero no se había planteado aún una nueva forma de entender la verdad. Esta filosofía se va a basar en la confianza en la razón y la consideración de esta como algo interno del individuo.
• Se encuentra con el pensamiento religioso medieval, aunque ya sumido en una gran crisis. Para Descartes la seguridad no proviene en principio de la seguridad que nos da el pensamiento divino, ni es algo externo como el pensamiento griego, sino que deriva de la certeza de la mente humana.
• Circunstancias de carácter social-político. En esta época aparecen nuevas clases sociales y se produce cambios muy profundos en la sociedad. Se tiene que crear pues una forma de conocimiento acorde a los nuevos tiempos y las necesidades de las nuevas clases sociales.

 Intenta superar los 2 grandes prejuicios medievales en el tema del conocimiento:

• Autoridad de Aristóteles, cuya forma de pensamiento se basa en los silogismos; consiste en aplicar teorías generales a casos concretos: a partir de 2 premisas (una mayor o general y otra menor) vamos obteniendo conclusiones y ampliando el conocimiento: El hombre es un ser racional; Luis es un hombre. Luego Luis es un ser racional. Descartes se plantea la necesidad de un nuevo método ya que los silogismos no nos permiten avanzar, crear, ...
• Unión fe-razón, es decir, la verdad obtenida a través de la razón y de la fe coinciden.

Razón y método: el criterio de verdad.

Para Aristóteles había diversidad de ciencias, y cada una de ellas se diferenciaba de las demás por un objeto formal propio y un método específico; esto originaba distintos géneros del saber que, según Aristóteles eran incomunicables. Por ejemplo: la aritmética y la geometría; la primera tiene por objeto formal propio lo discontinuo; y la segunda, lo continuo; ambas eran incomunicables.

Sin embargo, Descartes rechaza tal principio de incomunicabilidad de los géneros, por considerar que el saber humano no se diversifica por la distinción de objetos formales, pues siendo la razón una, el saber del hombre es uno sin admitir límites interiores. En el caso de la aritmética y la geometría, la comunicación que genialmente estableció Descartes, por medio de la geometría analítica, hizo posible la liberación de la matemática del sometimiento a los sentidos motivado por los planteamientos intuicioncitas de Aristóteles.

La comunicación de todos los conocimientos, fundamentados todos en los mismos principios, supuso el surgir de toda una forma nueva de hacer ciencia, la ciencia moderna, y de un método único.

Además, la comunicación de los conocimientos permitió que algunos ámbitos del saber estancados por su sometimiento al método de observación sensorial (como la física), fuesen fecundados por procedimientos más exactos y rigurosos. Así, la geometría analítica sustituye una concepción empírica del espacio, por una concepción algebraica, es decir, meramente intelectual, que propicia la liberación del pensamiento de su vinculación con lo concreto y particular. Esta es la esencia del racionalismo cartesiano, el pensamiento separado e independiente de lo corpóreo. Para Aristóteles hubiera sido absurdo hablar de un espacio real no observable por los sentidos, o, al menos, no imaginable.

Una de las premisas del pensamiento de Descartes es la sumisión a un método cuidadosamente elegido, aunque esto no es original, pues ya en Platón hay una gran preocupación por los asuntos de método. En Descartes nos encontramos con 3 momentos del método:

1. El método como camino de búsqueda de la verdad: la duda metódica. En primer lugar hemos de decir que Descartes no es un escéptico, no considera la duda como un estado definitivo sino como una situación transitoria para alcanzar la verdad: es una duda metódica y constructiva, es decir, como instrumento para superar la duda misma. Naturalmente no se propone dudar de cada una de las ideas, algo imposible, sino que cuestiona cada uno de los fundamentos de estas ideas.

Para Descartes solamente podremos llegar a la verdad cuando se llegue a una realidad de la que no podamos dudar, algo de lo que tengamos absoluta certeza.

Descartes comienza dudando de los sentidos, por un hecho patente: éstos me engañan alguna vez, luego he de pensar que pueden engañarme siempre.

Cuando sueño siento la existencia de las cosas igual que en la vigilia y, sin embargo, no existen. La dificultad para distinguir el sueño de la vigilia presta la posibilidad de dudar también de la existencia de las cosas. Sin embargo es cierto que, aún fuera del estado de vigilia, hay verdades que prevalecen, las matemáticas: "Pues, duerma yo o esté despierto, dos más tres serán siempre cinco, y el cuadrado no tendrá más que cuatro lados".

Descartes introduce un nuevo motivo de duda: la hipótesis de que puede que Dios haya puesto en mi mente estas ideas con la intención de engañarme. Pero existiría una posible objeción a esta hipótesis: podría repugnar a la voluntad divina el querer engañarme. Para evitar equívocos con la fe, Descartes sustituye la denominación de Dios engañador por Genio maligno, un ser todopoderoso que tiene la voluntad de engañarme en todo lo que pienso. Con esta hipótesis ahora parece que no puedo tener nada por cierto sin correr el riesgo de ser engañado; incluso con las verdades matemáticas puede ocurrir que "haya querido que me engañe cuantas veces sumo dos más tres, o cuando enumero los lados de un cuadrado".

Con todo este proceso de duda , desarrollado en la 1ª Meditación Metafísica, Descartes persigue, como hemos dicho, llegar a una verdad absoluta, eliminando los prejuicios (algo parecido a la ironía socrática).

Llegado a este punto, en la 2ª Meditación Metafísica, Descartes aplica la duda a la propia duda. Y es entonces cuando encuentra un elemento que prevalece a la duda. Si dudo que dudo es indudable que sigo dudando. El hecho de dudar, aunque me esté engañando, siempre puedo tener la certeza de que estoy dudando. Y dudar o engañarse implica necesariamente que estoy pensando; y si estoy pensando es indudable que estoy existiendo. Por tanto estamos ante la primera verdad indubitable, la de mi propia existencia como verdad pensante, a partir de la cual va a construir todo el conocimiento:

Pienso, luego existo (Cogito, ergo sum)

Ya en su tiempo Descartes recibió la objeción de que el cogito era la conclusión de un silogismo -a los que precisamente Descartes quiere evitar en su intento de ruptura con la filosofía medieval- cuya premisa mayor (sobreentendida) sería "todo lo que piensa existe", la premisa menor "yo pienso", y la conclusión "yo existo". Pero Descartes no aceptó este planteamiento, ya que, según él, "cuando alguien dice pienso, luego existo, no infiere su existencia del pensamiento como si fuese la conclusión de un silogismo, sino como algo notorio por sí mismo, contemplado por simple inspección de espíritu. Ello es evidente, pues, si la dedujese mediante un silogismo, tendría que haber establecido antes esta premisa mayor: todo lo que piensa es o existe. Y, muy al contrario, a esto último llega por sentir él mismo en su interior que es imposible que piense si no existe ." Conviene resaltar como aquí Descartes señala que la idea de existencia es verdadera porque se le manifiesta al espíritu "como algo notorio por sí mismo". Este va a ser, como veremos en el siguiente apartado, el criterio de verdad defendido por Descartes.

2. El método como criterio de verdad: la evidencia (claridad y distinción). Es en la 2ª parte del discurso del método donde Descartes establece su criterio de certeza.

Una vez establecida una verdad indubitable, a partir de la cual va a construir todo el conocimiento, Descartes realiza una profunda meditación analítica del cógito: por él la duda desemboca en la evidencia de la realidad del pensamiento. El contenido inmediato del cógito es la realidad existencial del sujeto pensante: la duda puede afectar a todos los contenidos del pensamiento, pero no puede afectar al yo donde estos contenidos están. Intuimos la existencia de un yo cuya esencia es ser pensamiento. En esto precisamente consiste intuir, en percibir conexiones necesarias, evidentes. Para poder intuir conexiones necesarias entre ideas, es preciso que éstas sean simples, pues sólo la relación entre ideas simples puede ser también simple. Y sólo de lo simple hay verdadera intuición. El resto del conocimiento es deducción. Por tanto, se tiene certeza de toda verdad que se obtenga por medio de una intuición clara y, además, distinta. Precisemos las nociones de claro y distinto para Descartes:

- Una idea clara es aquella que se presenta de forma manifiesta a un espíritu atento.

- Una idea distinta es aquella tan precisa y diferente a todas la demás que sólo comprende lo que manifiestamente aparece al que la considera como es debido.

Para Descartes las ideas constituyen los elementos básicos del conocimiento: no conocemos sino ideas. Y al considerarlas como dotadas de realidad, puede plantearse la cuestión de la causa de tal realidad, planteamiento que permitirá, como veremos resolver la cuestión de la existencia de Dios.

3. El método como crecimiento orgánico de la verdad: reglas de crecimiento de la razón.Las reglas del método de crecimiento de la razón las compendia Descartes en sus famosos cuatro preceptos del correcto pensar, expuestos en el Discurso del Método. El primero expresa la necesidad de precaución, de decir, partir de intuiciones claras y distintas para efectuar las posteriores deducciones, para garantizar así la fiabilidad del conocimiento. El segundo y el cuarto representan lo más genuino del método matemático, pues indican la necesidad de proceder por análisis y síntesis; para tener garantía de la verdad de nuestras síntesis, hemos de asegurarnos que la unión de una naturaleza simple con otra sea necesaria. El tercer precepto es una apelación a la necesidad de proceder ordenadamente, un orden desde lo simple a lo compuesto.

La novedad de Descartes y su época está en la entronización del método matemático. No es que la filosofía extrapole para sí el método matemático, sino que la metafísica tiene el derecho a hacer propio el método más apto para el conocimiento humano. Y este método es, precisamente, el matemático. Pero entendiendo la matemática no reducida a meros problemas matemáticos, sino la matemática como aplicación a la razón (Mathesis Universalis, como dijo Descartes) y no al revés. Pero, ¿en qué estriba la superioridad del método matemático? La superioridad proviene de la simplicidad de su objeto, dado que para Descartes el fundamento de evidencia y certeza, está, en que el conocimiento intuitivo es absoluto -pues de lo simple, que es conocido por sí en su totalidad, no puede obtenerse falsedad alguna, pues el error proviene de la composición, es decir, del juicio. A partir de la intuición de lo simple, se induce-deduce todo lo demás. Está patente pues la renuncia de Descartes a la lógica clásica (silogismos aristotélicos), por considerarla como meramente explicativa de lo sabido, no inventiva.

John Locke (1630-1704)

cursó estudios de teología, química y medicina en Oxford. Allí entró en contacto con la doctrina escolástica y la teoría de Descartes. Es la formulación clásica del empirismo inglés. Parte del principio de que todo conocimiento, incluso el abstracto es adquirido, y se basa en la experiencia, rechazando las ideas innatas. El objeto de conocimiento son las ideas, definidas como contenido del entendimiento y sin ningún carácter ontológico, ya que son el resultado directo de la sensación o la reflexión (ideas simples), o el resultado de la actividad asociativa de la inteligencia humana (ideas compuestas). No representa un empirismo radical y acepta el conocimiento por demostración, no fundamentado en la experiencia, (como la demostración de la existencia de Dios por el argumento cosmológico o teleológico), y la validez de conceptos originados por el sujeto (como los matemáticos o geométricos).

Sus obras más importantes son:

• Ensayo sobre el entendimiento humano
• Tratado sobre el gobierno civil
• La racionalidad del cristianismo

 David Hume (1711-1776)

estudió en un primer momento Derecho, pero pronto se dedicó a la Filosofía. Su filosofía proviene a la vez del empirismo de Locke y del idealismo de Berkeley. Trata de reducir los principios racionales (entre otros la casualidad) a asociaciones de ideas que el hábito y la repetición van reforzando progresivamente., hasta llegar, algunas de ellas, a adquirir una aparente necesidad. Por lo tanto, las leyes científicas sólo son para los casos en que la experiencia ha probado su certeza. No tienen, pues, carácter universal, ni es posible la previsibilidad a partir de ellas. La sustancia, material o espiritual no existe. Los cuerpos no son más que grupos de sensaciones; el yo no es sino una colección de estados de conciencia. Es el fenomenismo.

Sus principales obras son:

• Tratado sobre la naturaleza humana.
• Investigación sobre el entendimiento humano
• Investigación sobre los principios de la moral

CONCLUSION

Se dice que antes del siglo VI a.C. las leyendas imaginadas por los pobladores de la antigua Grecia explicaban todos los fenómenos naturales, es decir utilizaban la personificación de dichos fenómenos, pero a partir del siglo VII a.C. el hombre empieza a utilizar la racionalidad, esto se lo atribuyen a los cambios socioeconómicos e ideológicos que ocurrieron para el momento. Para esta etapa en la historia de la filosofía a los pensadores se le denominaron como Pre-Socráticos y todos ellos coincidían en distinguir en la naturaleza un "kosmo" (orden en oposición al caos), que es dinámica y que presenta leyes propias. De estas ideas, se crea la primera escuela filosófica que es la de los milesios en el siglo VII a.C. y es donde se destacan: Anaxímenes (su arjé el aire) y Anaximandro (su arjé el Apeiron), siguiendo la historia en el siglo VI a. de C. se presenta la escuela de Pitágoras, que se dedica a explicar todo a través de las matemáticas y números, según los pitagóricos los números aparecen en pareja, por lo que afirma que la naturaleza es algo dualista (día-noche, hembra-macho) todo se organiza por parejas de la que destacan par e impar; entre los siglos VI y V a.C. aparece Heráclito de Efeso quien parte del dinamismo y movimiento del universo, pero también aparece Parmenides quien sostiene una teoría contraria a la de Heráclito.

Parmenides tuvo dos discípulos Zenón de Elea y Milesso de Samos quienes demostraron racionalmente la imposibilidad del movimiento ya que dijeron "de la unidad no puede surgir el pluralismo, porque supondría el paso del ser al no ser" es entonces cuando los filósofos admiten un pluralidad de realidades que existen desde siempre y que por lo tanto son eternas; ya en el siglo V a.C. Anaxágoras parte de la teoría de Zenón y Milesso y concluyó que: "todo esta en todo y participa de todo". En el mismo siglo tiene lugar Demócrito de Abdera.

A mediados del siglo V a. de C. en Grecia sobre todo en Atenas se empieza a producir la llamada Ilustración Griega, dentro de estas circunstancias nos encontramos a los Sofistasquienes partían del escepticismo (la verdad absoluta no existe) y que a través de la palabra no se puede llegar a la verdad. Para el mismo momento los razonamientos de Gorgias engloban los llamados sofismas (razonamientos que parten de una idea y de su contrario, por lo que forzosamente han de ser verdaderos). Todos estos planteamientos son los que se encuentra Sócrates, quien desarrolló la Mayéutica y abordó problemas sociales y humanísticos, lamentablemente este personaje no dejó ningún escrito pero lo que se sabe de el es gracias a uno de sus discípulos Platón quien crea su escuela en Atenas y quien tomó como su arjé el alma, Platón afirma que el hombre posee tres almas que son las que dominan al cuerpo (el alma racional –razón-, alma irascible –fortaleza-, y el alma concupiscible –apetito-): de este mismo fundamento parte Aristóteles (discípulo de Platón) solo que este evalúa mas la parte gubernamental y el comportamiento del hombre ante el poder llevando paralelamente sus estudios físicos, lógicos y matemáticos.

Aproximadamente en el año 1.300 ó 1.350 surge una crisis social, que lleva nuevamente a otro cambio ideológico causado por el descubrimiento de nuevos mercados y la creación de nuevas industrias, ya que surge el capitalismo, pero también en ese momento hay un gran avance tecnológico puesto que se crea: la brújula, el telescopio, la pólvora y la imprenta.

Ya en la filosofía moderna se encuentra René Descartes quien intenta superar los prejuicios medievales (la autoridad de Aristóteles y la unión fe-razón) e hizo avances matemáticos, pero también tenemos en el siglo XVII y XVIII a John Locke y David Hume quienes tratan la filosofía con mas racionalidad.

Como se observó anteriormente, la filosofía juega un papel muy importante dentro de nuestras vidas, ya que la tecnología, los avances médicos-científicos, y la psicología que hoy en día manejamos, se lo debemos a las personas que hace siglos se dedicaron a buscar un por qué, a plantear hipótesis y con el tiempo las mas acertadas se convertirían en teorías.

BIBLIOGRAFÍA

• MICROSOFT, Enciclopedia Encarta 2001, Aristóteles, 2001
• MICROSOFT, Enciclopedia Encarta 2001, René Descartes, 2001
• SOFTKEY, Infopedia en Español, Religión, Londres–Inglaterra, 1997
• SOFTKEY, Infopedia en Español, Filosofía, Londres–Inglaterra, 1997
• Serrano, Jorge. Pensamiento y concepto. Editorial Trillas, 1995
• Universitas Gran Enciclopedia del Saber. "El Pensamiento", Tomo 5. Editorial SALVAT. Barcelona-España 1984
• Autodidáctica Océano Color. Tomo 2. Océano Grupo Editorial. Córdoba-España 1995
• www.monografia.com

 

Kimsian Melero

solven_kimsian[arroba]hotmail.com

Republica Bolivariana de Venezuela

Ministerio de la Defensa

Universidad Nacional Experimental

Politécnica de la Fuerza Armada Nacional

Núcleo: Caracas

Cátedra: Metodología del Razonamiento Lógico

Comentarios

• 

  Viernes, 26 de Febrero de 2010 a las 14:32   |  0      

  Mayerli Moya

  gracias a este escrito pude entender la tancendencia que tenia las escuelas del pensamiento

• 

  Miercoles, 4 de Junio de 2008 a las 10:53  |  0      

  lorre lorre

  En las fuentes faltó un autor: yo mismo, que redacté el texto sobre Empédocles de Agrigento,
  Escribí ese artículo en el año 2003 y aparecía en mi blog. Soy consciente de que el contenido de mi blog puede ser leído y reproducido en otros medios electrónicos, pero la omisión de la fuente exhibe la mala intención del autor.

obtenido de http://www.monografias.com/trabajos16/escuelas-del-pensamiento/escuelas-del-pensamiento.shtml

MÚSICA4: MÚSICA AMÉRICANA: MADONNA. AMERICAN PIE-MUSIC Y AMERICAN LIFE. Madonna (nacida como Madonna Louise Veronica Ciccone; Bay City, Míchigan, Estados Unidos; 16 de agosto de 1958) es una cantante, compositora y productora estadounidense, de ascendencia italiana y francocanadiense de música disco, pop, rock, new wave, dance y electrónica. Ha trabajado de manera más intermitente como actriz, diseñadora de moda y escritora, y últimamente ha debutado como directora de cine.

 

 

Madonna

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Saltar a navegación, búsqueda

Para otros usos de este término, véase Madonna (desambiguación).

Madonna en en el Festival de Cine de Tribeca en 2008.
Información personal
Nombre real	Madonna Louise Veronica Ciccone
Nacimiento	16 de agosto de 1958 (51 años)
Origen	Bay City, Michigan,  Estados Unidos
Ocupación(es)	Cantautora, productora discográfica, directora de cine, diseñadora de moda, escritora, actriz
Información artística
Tipo de voz	Mezzo-soprano
Alias	"La Chica Material" (1984) "La Reina del Pop" (1986 - presente) "La Ambición Rubia" (1991) "Dita" (1992) "Mdolla" (2008).
Género(s)	Disco, pop, dance, electrónica, R&B, new wave
Instrumento(s)	Voz, guitarra, percusión
Período de actividad	1982 – presente
Álbum más exitoso	The Immaculate Collection (1990)
Sencillo más exitoso	Hung Up (2005)
Discográfica(s)	Warner Bros. (2004−2009) Maverick/WB (1995−2004) Maverick/Sire Records/WB (1992−1995) Sire/WB (1982−1992)
Artistas relacionados	Britney Spears Cindy Lauper Justin Timberlake Mariah Carey Timbaland Missy Elliot Patrick Hernández Sean Penn Stuart Price
Web
Sitio web	Madonna.com

Madonna (nacida como Madonna Louise Veronica Ciccone; Bay City, Míchigan, Estados Unidos; 16 de agosto de 1958) es una cantante, compositora y productora estadounidense, de ascendencia italiana y francocanadiense de música disco, pop, rock, new wave, dance y electrónica. Ha trabajado de manera más intermitente como actriz, diseñadora de moda y escritora, y últimamente ha debutado como directora de cine.

Denominada como La Reina del Pop, la cantante se ha convertido en un ícono popular internacional en las últimas tres décadas, aspecto que incluso sus detractores le reconocen. Es una estrella de rock^[1] conocida por reinventar su imagen, por la ambición, innovación y provocación en sus vídeos musicales y espectáculos. A causado mucha polémica debido al uso de símbolos políticos, religiosos y sexuales a lo largo de su carrera. Desde sus inicios en 1983, con el lanzamiento de su primer álbum Madonna y hasta su último álbum Celebration, ha adquirido y mantiene un asombroso éxito y fama mundial, que ha atravesado distintas generaciones.

La trayectoria de Madonna es un ejemplo del triunfador «hecho a sí mismo», típico de la cultura estadounidense, con sus éxitos, fracasos y reapariciones. De un entorno un tanto gris y conservador, Madonna escapó a Nueva York a finales de los años 70 para dedicarse a la música. Ha logrado múltiples reconocimientos, incluidos 7 premios Grammy de un total de 27 nominaciones. Su afán de superación como artista le condujo a papeles protagonistas en películas como Evita, por la cual ganó el Globo de Oro a la mejor actriz. Pero Madonna también ha conocido momentos difíciles: su carrera en el cine ha sido desigual, y ha sufrido duras críticas, descenso comercial y dificultades personales, que ha superado con renovados bríos.

Contenido [ocultar] 1 Biografía y carrera 1.1 1958-1981: niñez e inicios artísticos 1.2 1982-1985: Madonna, Like a Virgin y el ascenso a la fama 1.3 1986-1991: desarrollo artístico 1.4 1992-1996: controversia sexual y Evita 1.5 1997-2002: de regreso a la prominencia comercial 1.6 2003-2004: influencia política 1.7 2005-2006: la era confessions 1.8 2006: sus primeros álbumes en vivo 1.8.1 I’m Going to Tell You a Secret 1.8.2 The Confessions Tour 1.9 2007-2009: nuevas tendencias, Warner Bros, Live Nation y el museo del rock 1.10 2009-presente: mantiene su trono 1.10.1 Celebration 1.10.2 Sticky and Sweet 2 Puntos de vista políticos 3 Dieta y ejercicio 4 Críticas 5 Premios 6 Discografía 6.1 Álbumes de estudio 6.2 Álbumes en vivo 6.3 Compilaciones 6.4 Bandas sonoras 7 Giras mundiales 8 Carrera cinematográfica 9 Libros escritos por Madonna 9.1 1992 SEX 9.2 1994 The Girlie Show 9.3 1996 The Making of Evita 9.4 1998 The Emperor’s New Clothes 9.5 2003 X-STaTIC Pro=CeSS 9.6 2004 Nobody Knows Me 10 Referencias 11 Enlaces externos

//

Biografía y carrera

1958-1981: niñez e inicios artísticos

Nació el 16 de agosto de 1958 en el barrio de Bay City (Detroit, Míchigan), bajo el nombre de Madonna Louise Veronica Ciccone Fortin, fue la tercera hija de un trabajador de origen italiano, Silvio "Tony" Ciccone, y de una ama de casa franco-canadiense, Madonna Fortin.^[2] La familia se mudó después a Rochester Hills, localidad que algunos mencionan por error como la natal de la cantante.

La infancia de Madonna estuvo marcada por la pérdida de su madre, quien murió cuando ella tenía cinco años de edad a consecuencia de un cáncer de mama.^[2] Su padre, al morir su esposa, se unió sentimentalmente a la niñera de la familia.^[2] Madonna esto tomó como una traición, por lo que nunca acabó de aceptarla y nunca volvió a tener la misma relación con su padre. La relación paterno-filial se enfrió considerablemente. Pero al menos Tony inculcó en todos sus hijos el hábito de estudiar música.

La Madonna adolescente se definió por su carácter algo rebelde, su actitud nunca pasiva y más bien impaciente, y su temprano interés por los ídolos musicales. Bailaba el éxito de Nancy Sinatra, "These Boots Are Made for Walkin’". Ella admitiría que en esos años quería llamar la atención y recobrar el cariño de su padre, que ella creía haber perdido por la irrupción de su madrastra.

Después de varios meses de lecciones de piano, Madonna convenció a su padre para que la dejara tomar clases de ballet,^[2] en el cual resultó ser una bailarina nata. Asistió a la escuela superior Rochester Adam High School, donde fue una estudiante de excelentes calificaciones, muy buena en los deportes y miembro del equipo de animadoras. Después de graduarse en la escuela superior en 1976, recibió una beca de baile para la Universidad de Míchigan, donde conoció al maestro de ballet, Christopher Flynn.^[2] Además de ser el mentor de Madonna en el baile, él le mostró las primeras discotecas de ambiente gay y le aconsejó que probara suerte en el mundo del baile. Su vena artística se disparó y en 1977, gracias al apoyo de Flynn, Madonna abandonó la universidad. Tras sólo dos años de asistencia se fue a Nueva York para seguir una carrera profesional centrada en la danza.

"Cuando vine a Nueva York fue la primera vez que viajé en avión, la primera vez que viaje en un taxi, la primera vez en todo. Y sólo llegué con 35 dólares en el bolsillo. Es la cosa más valiente y más afortunada que he hecho nunca."

Flynn fallecería años después, víctima del sida, y años más tarde Madonna le dedicaría la canción In This Life (En esta vida) de su álbum Erotica (1992).

Madonna vivió durante sus primeros años en Nueva York graves problemas económicos, llegando a pasar hambre. Trabajó en una serie de empleos mal pagados (como en un local de Dunkin’ Donuts) y posó desnuda en una sesión fotográfica para la revista Playboy, material que se publicaría cuando ya era famosa. También participó en alguna película experimental llamada A Certain Sacrifice, tachada de pornográfica. Después de los años, cuando Madonna ya era famosa, muchas de esas imágenes serían la causa de chantajes frente a los cuales la artista tuvo que luchar durante años.

Durante esa dura época, estudió con la diva de la danza moderna Martha Graham y con el discípulo de ésta, Pearl Lang. Trabajó con varias compañías de danza moderna, incluyendo a Alvin Ailey y Walter Nicks. Su anónima carrera como bailarina fue prosperando progresivamente.

En 1979 trabajó cómo bailarina en la gira mundial del francés Patrick Hernandez^[3] , la estrella de la música disco conocida por el éxito "Born to be Alive". Dentro de dicha gira, Madonna viajó por primera vez a París, en su estadía en dicha ciudad empezó a cansarse al ver que era tratada por la gente guapa como un bicho raro.

Me miraban como diciendo: Mira qué chica se ha traído Patrick de Nueva York

De vuelta en Nueva York, conoció a Dan Gilroy, con quien, además de iniciar una relación amorosa, crearía su primera banda de rock The Breakfast Club. Madonna empezó tocando la batería, después tocaría la guitarra y finalmente sería brevemente la vocalista del grupo, antes de formar con su nuevo novio Stephen Bray, Emmy and The Emmys en 1980^[3] . Después de terminar su relación con Bray seguirían colaborando, y de hecho Bray produciría algunos de los mayores éxitos de Madonna.

Intentando emprender una carrera de solista, Madonna comenzó a escribir y producir varias canciones de música synthpop y dance, las cuales le trajeron fama local en los clubs de Nueva York, particularmente en Danceteria y Kansas Kansas. Un demo o maqueta, producida con Bray, llamó la atención de un popular DJ de Nueva York, Mark Kamins, quien llevó la cinta al productor de Sire Records, Seymour Stein.

1982-1985: Madonna, Like a Virgin y el ascenso a la fama

En 1982, Madonna escribió unas cuantas canciones y Sire Records (sello discográfico dependiente de Warner Bros.) pagó 5,000 dólares por canción. Su primer single Everybody (Todos), fue producido por Mark Kamins. Pero no se convirtió en un éxito. Fue emitido en las radios de música R&B estadounidense con la falsa creencia de que Madonna era una artista afroamericana. Cuando se lanzó Everybody, no aparecía ninguna fotografía de ella en la cubierta, pero semanas más tarde se aclaró todo, cuando la discográfica dijo, mediante un comunicado, que Madonna era blanca. Esto provocó que perdiera una parte de la audiencia negra que la empezaba a seguir. El siguiente sencillo fue Burning Up (Ardiendo). Más tarde se grabaron seis nuevas canciones, con lo que ya había material suficiente para lanzar su primer álbum. Su álbum debut, Madonna, fue producido inicialmente por Reggie Lucas, pero debido a que no se llegó a un buen acuerdo, pasó a ser producido por el novio de Madonna en aquel entonces, John "Jellybean" Benitez, quien lo remezcló y lo mejoró. El disco era un compendio de canciones eurodisco o dance plagadas de ritmo y sintetizadores, que pronto calaron en el público. En una reedición posterior, el álbum fue titulado The First Album (El primer álbum) y se cambió la portada en tono sepia por otro retrato de Madonna en color.

Obtuvo el octavo puesto en las listas de popularidad de los Estados Unidos, y consiguió tres sencillos que entraron al Hot 100 (la lista de las 100 más populares): Holiday (Día de fiesta), Borderline (Límite) y Lucky Star (Estrella de la suerte). Con el tiempo, gozaron de amplia difusión y se televisaron vídeoclips grabados para su promoción; Madonna apenas logró vender tres millones de copias en el mundo, y un millón en los EE.UU., pero hoy está certificado con 5 discos de platino^[4] (el más reciente, en octubre de 2000), y ha logrado vender 10.5 millones de unidades en el mundo.

Cuando Madonna alcanzó la fama, las adolescentes quisieron imitar su forma de vestir que mostraba en revistas, actuaciones en vivo y en sus vídeos musicales. Tal forma de vestir estaba definida por faldas sobre pantalones de Capri, medias de red, joyas con la cruz cristiana y el pelo oxigenado, lo que haría que su forma de vestir marcara una tendencia femenina muy popular en los años 80.

Su imagen proyectada en ese tiempo fue la de una chica sexy con una mezcla de dance y punk. Por otra parte, sus vídeos seguían las mismas líneas de artistas innovadores como Michael Jackson y Prince, que ya tenían un notable éxito.

Estaba listo el material para el segundo disco cuando Susan Seidelman, directora de cine, invitó a Madonna a participar en su película Desperately Seeking Susan (Buscando a Susan Desesperadamente), una comedia sin grandes pretensiones y con un presupuesto austero. En el otoño de 1984 Madonna acepta actuar en la película y grabar el tema de la misma. Allí comparte créditos con la actriz Rosanna Arquette de quien se dice no estaba de acuerdo con la inclusión de la cantante. La película se estrenó cuando el álbum Like a Virgin ya se había lanzado al mercado, de manera que Into the Groove (En la Onda), tema del filme que se imprimió como cara "B" del sencillo Ángel en una versión en vivo, logró el 5º puesto del Billboard estadounidense y el No. 1 en Inglaterra,^[5] siendo incluido en una nueva edición del álbum Like a Virgin. Si el rodaje de ésta producción hubiera tardado unos cuantos meses más, el proyecto hubiera sido muy pequeño para Madonna.

Madonna durante la interpretación de Like a Virgin durante el Confessions Tour.

Sin embargo, la auténtica revolución para ella se inició con la aparición de su segundo trabajo de estudio: Like a Virgin (Como una Virgen), todo un éxito internacional. El álbum fue producido por Nile Rodgers, con calculadas dosis de dance bailable dentro de un pop accesible. El sencillo Like a Virgin alcanzó el número uno en los Estados Unidos en diciembre de 1984, permaneciendo en esa posición durante seis semanas consecutivas en la Billboard Hot 100.

Otro de los sencillos, Material Girl (Chica material), alcanzó el número dos en esa misma lista, sólo rebasado por We are the world, un sencillo de ayuda para África impulsado por Michael Jackson. Madonna participaría en el concierto Live Aid celebrado al hilo de dicha canción. El álbum también contó con otros sencillos como Angel y Dress You Up (Vestirte a la moda).

El álbum produjo cuatro singles que alcanzaron el Top 5 en EUA y Gran Bretaña. Además, obtuvo su primer disco de diamante, al igual que en Canadá, pero le otorgaron la placa por el millón de unidades vendidas en ese país.

Su interpretación en el primer evento de los MTV Video Music Awards, vestida de novia, con liguero, medias de encaje, un cinturón que rezaba Boy Toy (Juguete para chico) y cantando sobre un pastel de boda, con una coreografía sugerente para su época^[6] , enfureció a los críticos, quienes la atacaron argumentando que su estilo provocativo fue usado para disfrazar su falta de talento. Esto solo provocó que más admiradores la siguieran y aumentara su ya prominente carrera.

En 1985 Madonna tuvo una breve aparición en la cinta Vision Quest como cantante de un club. La banda sonora de la película contenía su segundo éxito pop número uno, la balada nominada al Grammy Crazy for You^[7] (Loca por ti), junto con Gambler (Jugador), número uno en las charts británicos.

Madonna se casa en 1985 con el actor Sean Penn,^[8] del que se divorciará en 1988. Meses antes, el 10 de abril de 1985, inicia The Virgin Tour, su primera gira norteamericana, de dos meses de duración. La venta de entradas para los espectáculos de esta gira fue un récord. El mejor resultado fue para el Radio City Music Hall: 17.672 entradas vendidas en sólo 34 minutos. Cientos de chicas, fans incondicionales de Madonna, acudieron vestidas como ella. Los teloneros para esta gira fueron The Beastie Boys.

A estas alturas, Madonna es el ídolo de moda, y todo lo que toca se convierte en oro. En julio de 1985, las revistas Playboy y Penthouse publican unas fotografías en blanco y negro que la cantante se había hecho hacia 1978, cuando trabajaba ocasionalmente como modelo artística. Tales fotografías causaron revuelo en los medios de comunicación y fuertes críticas a la cantante, quien al principio trató de evitar su publicación, y al no conseguirlo, se mantuvo a la vez quejosa y desafiante. En un concierto de Live Aid (Ayuda en vivo), hizo una declaración pública a los medios de comunicación: declaró que no se quitaría la chaqueta, a pesar del calor, porque «ellos podrían recordar dentro de diez años lo que yo haga ahora». Días después, Madonna apareció en la portada del periódico NY Post declarando respecto de las fotografías: «No me avergüenzo».

1986-1991: desarrollo artístico

A finales de 1985, el fenómeno Madonna era ya planetario, pero sus detractores le daban pocos meses de vida. Lo previsible era que Sire insistiese en explotar el filón con otro disco similar a Like a Virgin, pero Madonna tenía un arriesgado as en la manga: un cambio radical. Seguía con su imitadísimo look, con abundante bisutería y sujetadores negros como prenda exterior (gran aportación a la moda de pasarela), pero ya estaba elaborando un disco muy distinto.

El siguiente álbum de Madonna vio la luz en 1986: se tituló True Blue (triste verdad) y presentó melodías y temáticas más serias que sus precursores. La revista Rolling Stone no ahorró elogios: "it sounds as if it comes from the heart" ("suena como si viniera del corazón").^[9] Acaso influyó en tal juicio el video musical de Papa Don’t Preach (Papá, no sermonees), donde Madonna encarna a la hija de un modesto inmigrante viudo que queda embarazada sin haberse casado. Para remachar el giro estético total, luce ropa vaquera y un pelo muy corto, teñido de rubio y mojado. No es una vampiresa, sino una chica trabajadora con problemas.

El álbum contaba con la balada emotiva Live to Tell (Vivir para contarlo) que originalmente había escrito para la película At Close Range (A corta distancia) la cual protagonizaba su marido de entonces, Sean Penn. Esta canción fue lanzada como adelanto del álbum, y causó impacto ya que desvelaba una Madonna nueva: sin joyas, muy tapada de vestuario y con un tono de voz más grave y compacto, gracias a clases de canto.

El álbum era también el primero que la acreditaba como productora, además de contar con la colaboración de Patrick Leonard, quien se volvería su amigo y un colaborador a largo plazo. True Blue alcanzó el número uno en varios países y vendió pronto más de once millones de copias. Del álbum se desprendieron cinco sencillos: Live to Tell, Papa Don’t Preach, Open Your Heart, True Blue y La Isla Bonita, alcanzando los tres primeros el número uno en las listas estadounidenses y los demás alcanzando el Top 5^[7] . Hasta la fecha, True Blue ha sido certificado con siete discos de platino en Estados Unidos por más de 7 millones de copias, vendidas únicamente en los Estados Unidos.

Madonna durante la interpretación de La isla Bonita durante el Sticky and Sweet Tour.

Los vídeos musicales del álbum mostraron el interés de Madonna por elevar su calidad cinematográfica, incluyendo una complicada dirección artística, cinematografía y argumento con personajes como un cortometraje. Aunque Madonna anteriormente había insertado en sus vídeos su expresión de la sexualidad, esta vez añadió iconos religiosos, arquetipos sexuales y problemáticas sociales a su trabajo, lo que seguiría haciendo en sus producciones siguientes. Un ejemplo notable era el vídeo del sencillo Open Your Heart (Abre tu corazón), el cual marcó su primera colaboración con el fotógrafo francés Jean-Baptiste Mondino. En él, Madonna encarna a una bailarina erótica, que es observada por clientes de varias tendencias sexuales: voyeur, gay, lesbiana...pero el contenido escabroso del tema se aligera con una estética estilizada, con más insinuaciones que escenas explícitas, y con un final sorprendente, donde Madonna escapa del local de alterne con un fan, un inocente niño, con el que baila por las calles.

En 1987, Madonna se enfrentó al éxito y al fracaso a la vez: su película Who’s That Girl (¿Quién es esa chica?) decepcionó, pero ella contribuyó con cuatro canciones a la banda sonora y la convirtió en superventas. Incluyó su sexto sencillo número uno, Who’s that Girl?^[7] . El segundo sencillo del álbum, Causing a Commotion (Causando una conmoción) alcanzó el puesto 2 del Billboard Hot 100^[7] . Las otras dos canciones eran The Look of Love (La mirada del amor) y Can’t stop (No puedo parar).

El 14 de junio de 1987, Madonna inició el Who’s That Girl Tour en Osaka (Japón). Incluyó por primera vez en una gira a Europa, actuando en Inglaterra, Francia, Alemania, Holanda e Italia, siendo grabado para el vídeo oficial Ciao! Italia el recital de Turín, que fue retransmitido por televisión. Esta gira supuso el comienzo de su duradera colaboración con las vocalistas Donna DeLory y Niki Harris, además de acercar sus conciertos a una calidad de elaboración minuciosa, con las canciones ordenadas en bloques temáticos. Madonna rompió récords al vender 150.000 entradas en 18 horas en el Wembley Stadium. Lo obtenido en las taquillas del espectáculo del 13 de julio en el Madison Square Garden de Nueva York se donó a la American Foundation for Aids Research (AMFAR), una entidad de lucha contra el sida.

Esta gira además marcó su primer enfrentamiento con el Vaticano y con el Papa, quien prohibió a la gente asistir a los conciertos de la cantante. Más tarde, el Vaticano también expresó su disconformidad por la ubicación de una estatua de la cantante en la ciudad de Pacentro, Italia, lugar de origen de la familia paterna de la estrella.

Ese mismo año, Madonna lanzó su primer álbum de recopilación, You Can Dance (Puedes bailar), no muy novedoso y que al parecer fue impuesto por la discográfica. Incluyó un nuevo sencillo titulado Spotlight (Foco de luz), cuya letra da ánimos a quien debute en el mundo del espectáculo. Este álbum consistía en remixes de algunas de sus canciones más conocidas (Holiday, Everybody, Physical Attraction, Over and Over, Into the Groove y Where’s the Party). Para la portada, se eligió una fotografía con fondo rojo, donde Madonna posa vestida de negro al estilo hispano, con una chaquetilla torera corta y sombrero cordobés colgado a la espalda. Dichas fotos se habían tomado tiempo antes para una campaña publicitaria de Mitsubishi, pero eran inéditas en buena parte del mundo pues se destinaron al mercado asiático. El álbum apenas vendió dos millones de copias en Estados Unidos en su lanzamiento.

En 1988, Madonna vive una etapa de transición. Su matrimonio con Sean Penn naufraga y se cuenta que ella pidió el divorcio tras sufrir malos tratos. Por las mismas fechas, Madonna hace una incursión como actriz de teatro en Broadway, con la obra Speed the Plow, de David Mamet. Las críticas fueron tibias, pues se dijo que Madonna actuaba nerviosa y sin naturalidad.

En 1989 presentó su esperado cuarto álbum de estudio, Like a Prayer (Como una plegaria), otra sorpresa musical que gozó de excelentes críticas y fue considerada su mejor grabación hasta entonces. En el álbum se combinan los momentos de pop romántico y dance de Express Yourself (Exprésate) y Cherish (Aprecialo) con temas de gran intensidad emotiva: Oh Father (Oh, Padre), Like a Prayer, Promise to Try (Prometo intentarlo). El álbum esta considerado por la Rolling Stone entre los 500 mejores álbumes de la historia (en la posición 237),^[10] y la canción del mismo nombre entre las 500 mejores canciones (en la posición 300).^[11]

Like a Prayer se presentaba como un trabajo mucho más reflexivo y personal que los anteriores, aunque su lanzamiento se vio espoleado por un notable escándalo (seguramente calculado) por el video musical de la primera canción promocionada, la que le daba título. En el vídeo, Madonna presencia un crimen y acude a una iglesia, donde de manera milagrosa, una estatua de un cristo negro cobra vida y la acaricia. Acusada de blasfemia, Madonna se vio expuesta a virulentas críticas, que supusieron la rescisión de un contrato publicitario por parte de Pepsi...si bien ella percibió el dinero pactado.

El disco debutó como n° 11 en Estados Unidos, aunque tres semanas después alcanzó el codiciado n.° 1 dentro del Billboard 200 (su tercer álbum número uno en Estados Unidos) y se mantuvo en dicha posición durante doce semanas consecutivas hasta alcanzar el platino al mes de su lanzamiento. El álbum permaneció un total de 277 semanas en el Billboard 200 y alcanzó ventas por cuatro millones de unidades en EE.UU. y 7 millones en el mundo entero.^[12] Además le dio a Madonna un nuevo nº1 con la canción del mismo nombre del álbum, Like a Prayer (su séptimo sencillo nº1 en Estados Unidos y el sexto nº1 de Madonna en Reino Unido), colocando cuatro sencillos posteriores al primerdo dentro del Top 20, como Express Yourself en el n°2, Cherish en el n°2, Oh Father en el n°3 y el último sencillo Keep it Together (Manténlo unido) en el n°3 dentro del Billboard Hot 100^[7] . Curiosamente, la canción Dear Jessie no se lanzó en EE.UU., mientras que alcanzó el n°1 en Reino Unido, ocupando dicha posición durante 13 semanas y vendiendo más de 2 millones de singles solo en UK.

El video musical de Express Yourself supuso otro hito en el género, al presentar a una Madonna vampiresa y esclava sexual, que es retenida en una jaula de oro por un déspota. Con un presupuesto récord, Madonna lucía caros diseños de estilo años 20 inspirados en los cuadros de Tamara de Lempicka, como haría posteriormente en el vídeo de Vogue (1990). En el tramo final del vídeo, un obrero esclavo accede al dormitorio de Madonna, que aparece desnuda de espaldas, tendida sobre sábanas de seda.

La década de 1990 empezó para Madonna con resonantes éxitos, pero posteriormente ciertos proyectos de discutible audacia la llevarían a su mayor crisis profesional. Como en otras ocasiones, terminaría superando el bache con nuevas producciones musicales de incontestable acierto.

En 1990, Madonna vuelve al cine con un proyecto de máximas garantías: una adaptación del personaje de cómic Dick Tracy, protagonizada por Warren Beatty, con quien ella sostenía un breve idilio. Esta superproducción contó con otros actores de prestigio como James Caan, Al Pacino y Dick Van Dyke, y deslumbró por su cuidada escenografía. Madonna se acopló bien a su papel de Breathless Mahoney, la vampiresa que engaña a Tracy. Para la banda sonora de la película aportó tres temas, entre ellos la oscarizada Sooner or Later, compuesta por Stephen Sondheim, viejo maestro del género musical de Broadway. Dichas canciones, arropadas por otras inspiradas en la película, dieron lugar al disco I’m Breathless, una revelación por cómo Madonna adaptaba su voz al tono del cabaret de los años 30, con influencias de Liza Minelli.

Para hacer comercialmente infalible el atrevido disco, se incluyó como bonus track la canción discotequera Vogue, de estilo dance-house. Que alcanzo el número 1 en las listas de EE.UU.^[7] Producida por Shep Pettibone, se convirtió en el éxito que consagró de forma definitiva y a nivel mundial a la artista estadounidense, poniendo de moda (brevemente) el baile vogueing, que empezaba a practicarse en algunos clubes de clientela gay.

Para explotar el disco, Madonna llevó a cabo una gira mundial: el Blond Ambition Tour (El tour de la Ambición Rubia) que pasó por Japón, Norteamérica y Europa. El canal HBO decidió transmitir el último concierto de la cantante desde Niza (Francia), que tuvo lugar en el Stade De L’Ouest, donde obtuvo la mayor audiencia registrada en la historia de ese canal de televisión. Esta gira fue duramente criticada por el Vaticano, mientras que la prensa y el público la elogiaron por su extraordinaria puesta en escena. La parte más controvertida sucedía durante la segunda parte del concierto, cuando Madonna aparecía en el escenario cantando su éxito Like a Virgin sobre una cama roja, custodiada por dos bailarines de apariencia andrógina (su vestuario incluía unos sostenes con conos en punta) y finalizaba dicha canción simulando una masturbación.^[13] Además, en el momento en que culmina su orgasmo y la música se detiene para reanudarse con Like a prayer, Madonna exclama God (Dios). Obviamente éste fue el punto que enfureció a la Iglesia.

La gira fue todo un éxito a nivel mundial y se plasmó en el famoso documental En la cama con Madonna, para el cual la diva tuvo una cámara registrando todos los momentos que vivió durante los cuatro meses de gira. El título del reportaje, estrenado en cines, era engañoso: apenas incluía alusiones sexuales, y Madonna empleaba la cama para recostarse en ella con sus bailarines y conversar. Incluía escenas del recibimiento de Madonna en Madrid, donde fue agasajada con una fiesta por Pedro Almodóvar y su camarilla de actores predilectos. Antonio Banderas acaparó el interés de Madonna por unas semanas, y su aparición en la película ayudó a su lanzamiento como latin lover internacional.

Finalizando 1990 Madonna publicó su lucrativo disco de grandes éxitos, el cual resume los casi ocho años de carrera de la diva, incluyendo dos nuevos temas: Justify My Love y Rescue Me, el cual se convirtió en el single con más alto debut en la lista Billboard de una artista femenina^[3] . El primero logró un éxito instantáneo, llegando a ser número 1 en la misma durante dos semanas^[7] . Su video musical, el cual contenía escenas de sadomasoquismo y bondage^[6] , su erotismo forzó su censura en televisión al ser considerado pornográfico^[14] , fue publicado por primera vez en la historia de la música como video single, vendiendo más de 400.000 copias en Estados Unidos. El álbum se convirtió en el disco de Madonna más vendido hasta entonces.

1992-1996: controversia sexual y Evita

La provocación apuntada en Justify My Love se continuó en 1992 con Erotica, un álbum temático en el que Madonna trataba básicamente el tema del sexo y el amor desde múltiples ópticas, apoyada en sonidos a medio camino entre el club y el cabaret. La producción recayó en Shep Pettibone, quien había remezclado las versiones de baile de sus éxitos anteriores, y colaboró de manera más puntual André Betts. Ante la pujanza del nuevo formato CD, de más capacidad que el disco de vinilo hasta entonces habitual, Madonna y sus productores decidieron explayarse con un álbum complejo en cuanto a sonidos, de canciones alargadas con desarrollos instrumentales. Pero por alguna razón, el proyecto no alcanzó el éxito comercial deseado, y tras buenas ventas iniciales, declinó rápidamente en las listas.

El rechazo a la «Madonna porno» se acrecentó al redoblarse la polémica por los proyectos paralelos que vieron la luz simultáneamente: el libro Sex y la película de thriller erótico Body of Evidence (El cuerpo del delito). La pretensión de Madonna, según ella relató, era violentar o tensionar las normas impuestas por la hipocresía que ella veía en la sociedad norteamericana, que acepta mal todo lo relativo al sexo pero lo consume (privadamente) de forma masiva. También se dice que Erotica era un álbum demasiado audaz musicalmente para esos años, y que sus innovaciones hubiesen sido mejor acogidas una década después. Sea como fuere, Madonna contó con un brillante escuadrón de colaboradores para estos proyectos. Tanto en el video musical del primer sencillo, Erotica, como en el libro Sex, participaron Ingrid Casares, Naomi Campbell, Joey Stefano, Isabella Rossellini, Tony Ward y Helmut Berger.

El álbum fue lanzado en octubre de 1992 a la par que el libro Sex. El disco debutó en el puesto nº2 dentro del Billboard 200,^[15] vendiendo 167.000 copias en su primera semana, permaneciendo 53 semanas en lista y llegando a los 2 millones de copias vendidas en Estados Unidos y a los 5 millones en el mundo; cifras notables para cualquier estrella pop, pero inferiores a lo habitual en Madonna. Las nuevas canciones Deeper and Deeper (Más y más profundo), Bye Bye Baby (Adiós, adiós, nene), Rain (Lluvia) y Erotica^[16] serían presentados por Madonna en otra polémica y controvertida gira en 1993, el Girlie Show Tour, con la que por primera vez Madonna visita países no incluidos en giras anteriores —según algunos por la mala aceptación que sufría en Estados Unidos—. Israel, Turquía, Puerto Rico, Argentina, Brasil, México y Australia fueron algunos países que incluyó en esa gira. Por segunda vez el canal HBO decidió trasmitir el 18 de diciembre de 1993 el show de Madonna ofrecido en el Cricket Ground de Sydney, Australia. Las críticas al espectáculo fueron desiguales, y causó cierta controversia la inclusión de una bailarina en top-less.

Madonna durante la interpretación de Erotica durante el Confessions Tour.

En aquélla época Madonna participa además en la película Shadows and Fog (Sombras y niebla) de Woody Allen, junto a un amplio plantel que incluye a John Malkovich, Mia Farrow, Jodie Foster, John Cusack y Kathy Bates.

Aunque retenía su renombre como estrella del espectáculo, Madonna atravesó un calvario de críticas y menosprecios a partir del fiasco de Erotica y su evolución casi exclusiva hacia los temas erótico-sexuales. Pero si no había calculado riesgos al lanzar a la vez un álbum, un libro y una película dentro del mismo tono escabroso, sí supo rectificar o dar un giro a su carrera en los años siguientes.

En 1994 publica Bedtime Stories, álbum nominado al Grammy que supuso otro vuelco dentro de las tácticas pendulares ya casi habituales en ella. Es un trabajo relajado y dulce, apartado del escándalo, que a diferencia de su predecesor, se presentaba como un álbum sencillo y romántico, apoyado en sonidos urbanos, rap, drum n bass, etc. Contiene canciones de éxito, como la balada Take a Bow (Haz una reverencia), que se logró consolidar como el mayor éxito de la cantante en Estados Unidos al ocupar el nº 1 durante siete semanas consecutivas.^[17] El primer sencillo lanzado fue Secret (Secreto), donde algunos críticos han querido ver metáforas sobre un embarazo e incluso sobre una pareja de lesbianas. Otros sencillos lanzados fueron Human nature (Naturaleza humana), donde Madonna se excusa sarcásticamente por sus salidas de tono, y Bedtime Story (Historia para dormir), co-producido por la cantante islandesa Björk. El video musical de esta canción se considera de los más artísticos e impresionantes de Madonna al incluir muchos simbolismos. Además está inspirado por obras de mujeres pintoras surrealistas, como Remedios Varo. Tan artistico es dicho video, que actualmente se exhibe en el MoMA de Nueva York.

En 1995, seguramente por exigencias de su contrato con Warner Bros., Madonna publica su recopilatorio de baladas llamado Something to Remember, en el cual incluyó muchas de sus grandes baladas como Live to Tell y Rain, además de una remezcla de su tema de 1984 Love Don’t Live Here Anymore (El amor no vivirá aquí nunca más), perteneciente al álbum Like a Virgin pero que no había llegado a lanzarse como sencillo. Para él rodó un video musical nuevo, de cierta complejidad pues se hizo en un solo plano sin cortes, mediante una cámara en movimiento. También se incluyeron los temas Forbidden Love (Amor prohibido), el hit Take a Bow y Something To Remember (Algo para recordar) del álbum I’m Breathless.

El álbum contiene además, en colaboración con Massive Attack, la canción I Want You (Te deseo), versión de un viejo éxito de Marvin Gaye, y aquellas baladas con las que Madonna había participado en bandas sonoras, como I’ll Remember (Recordaré), This Used To Be My Playground (Éste solía ser mi patio de recreo), Crazy For You (Loca por ti). Para completar el disco se sumaron dos temas inéditos que fueron lanzados como sencillos: You’ll See (en la edición para Latinoamérica se incluyó la versión en castellano de esta canción, llamada Verás, traducida por el cantante argentino Paz Martínez) y además la dulce y sencilla One More Chance (Una oportunidad más), claramente inspirada en el clásico More Than Words del grupo Extreme.

Madonna durante la interpretación de You must Love Me durante el Sticky and Sweet Tour.

Mientras ocupaba un plano relativamente secundario en la música dance de Estados Unidos frente al empuje del grunge y las boys band, Madonna buscó la consagración como actriz en 1996, con el papel protagonista en la película musical Evita, interpretando a Eva Perón. Fue un esfuerzo titánico, tanto vocal como de interpretación, que culminó un largo proceso de preparación ya que el proyecto de película había atravesado varios contratiempos y había interesado a muchas actrices de Hollywood. Madonna ganó el Globo de Oro a la mejor actriz en 1996 por ese papel,^[18] aunque en contra de muchas predicciones, no fue nominada al premio Óscar.

Se editaron dos discos con la música original de la película Evita, así como en formato sencillo la célebre Don’t Cry for Me Argentina, que encabezó las listas de éxitos. Madonna fue invitada a cantar en la 69ª entrega de los Oscar en 1997, donde interpretó uno de los temas principales de la película, You Must Love Me, que resultaría ganador del Óscar a la mejor canción original. Hay que aclarar que si bien el musical Evita se había compuesto en los años 70, esta canción era nueva y fue añadida por Andrew Lloyd Webber a la película, pudiendo así optar al premio.

Pero los logros de Madonna en esta época no fueron sólo profesionales: durante un romance con el entrenador cubano Carlos León, quedó embarazada (realizó en tal estado el rodaje de Evita) y dio a luz el 14 de octubre de 1996, en un hospital de Los Ángeles (California), a su primera hija; Lourdes María Ciccone León. Su relación con Carlos León fue fugaz, y la prensa sensacionalista se hizo eco de las acusaciónes a Madonna de haberle usado sólo «como donante de esperma».

En los VH1 Fashion Awards, recibió el primer premio Gianni Versace por mantener vivo el espíritu y la jovialidad del diseñador, y en los MTV Europe Music Awards recibió dos premios: Mejor Disco y Mejor Artista Femenina del año. Este premio le fue otorgado por la hermana de Gianni, Donnatella, y uno de sus mejores amigos, Sting. Sucesivamente Madonna recorrió los 4 continentes concediendo entrevistas y presentaciones personales en promoción de Evita, con la singularidad de que acudía vestida a la moda de Eva Perón, incluyendo vistosos sombreros y tocados de flores, si bien añadía exuberantes escotes a los vestidos.

1997-2002: de regreso a la prominencia comercial

El ascenso de Madonna en la década de los 90, a partir del tropiezo comercial de Erotica, fue progresivo pero sorprendente en una industria que olvida rápidamente a las viejas glorias. Si Mariah Carey, tras múltiples récords de ventas, fue despedida por un solo fiasco, Madonna tuvo que ganar varios asaltos para recuperar el «cetro» de «reina del pop». Su trabajo en Evita fue sólo un paso intermedio en un proceso que intentaría aunar afán artístico y astucia comercial.

Una de las cuestiones más debatidas de esos años fue su cambio de residencia de Estados Unidos a Gran Bretaña. Considerada desde siempre como icono genuino de la cultura norteamericana, Madonna sorprendió cuando anunció su intención de instalarse de manera estable en Londres. Ella argumentó que su nueva relación con el británico Guy Ritchie (luego su segundo marido) lo requería, y que él llegó a hacerle un ultimatum: «Si quieres formar una familia estable, tienes que venir aquí». Pero ciertos críticos musicales creyeron ver otras razones. Según ellos, las tendencias musicales de moda en Estados Unidos (grunge, rap, R&B) estaban arrinconando a Madonna, quien además se sentía desencantada con la evolución del mercado, que daba éxito rápido a grupos de chicos y a princesas del pop como Britney Spears y Christina Aguilera. Al trasladarse a Europa, un mercado más fiel, Madonna retenía su status de estrella y podía conocer de primera mano nuevos sonidos y productores jóvenes. Los resultados que obtuvo en los años siguientes confirmaron que su decisión fue acertada.

Madonna y su entonces esposo, Guy Ritchie en el estreno de su película Revolver.

Madonna, después del nacimiento de Lourdes se involucró en la mística oriental y la Cábala. Su séptimo álbum de estudio Ray of Light refleja este cambio en su percepción y la imagen.^[19] Madonna vistió sus vivencias personales e introspectivas con los sonidos de Oriente, a los que se sumaron sonidos electrónicos, melodías a base de cuerdas por Craig Armstrong, un marcado gusto británico, y abandono de la temática sexual como centro de sus canciones. Todo ello bajo la producción clave de William Orbit, quien otorgó sonidos líquidos y atmosféricos; el rasgo más característico del álbum. Orbit, al igual que otros productores posteriores de Madonna, era un productor-prodigio de gran inventiva, pero que en sus grabaciones en solitario resultaba disperso y menos comercial.

El álbum dejó estupefacta a la crítica especializada: llegó hasta la posición número dos del Billboard 200, y desde ese momento ha recibido la certificación de 4 discos de platino por la RIAA. La crítica se deshizo en elogios hacia Ray of Light y fue considerado uno de los más grandes logros artísticos de toda su carrera, y uno de los mejores discos de la era de los 90. Amazon.com describió Ray of Light como «su más rico, y más consumado álbum»,^[20] mientras que Rolling Stone ovacionó a Madonna y a su co-productor William Orbit por «crear el primer álbum pop contemporáneo que exitosamente abarca el género tecno» declarando que musicalmente Ray of Light es su «más arriesgada grabación».^[21] De Ray of Light se extrajeron cinco sencillos, incluyendo el número uno europeo Frozen (Congelado) que años más tarde causó controversia debido a una demanda por plagio en Bélgica por parte de Salvatore Acquaviva, compositor de la canción Ma Vie Fout Le Camp. Madonna perdió el juicio y se prohibió en Bélgica la radiodifusión de Frozen y la venta del disco, lo que generó el movimiento inverso: Frozen fue más transmitida en la radio a pesar de la orden judicial. Esta demanda se basó en cuatro compases que Madonna repite cinco veces en la canción.

Madonna durante la interpretación de Ray of Light durante el Confessions Tour.

El álbum fue candidato en 1999 para 6 Premios Grammy, incluido nominaciones por Album del Año y Disco del Año; finalmente el día de la ceremonia Madonna ganó 3 premios en las categorías por Mejor Album Vocal Pop, Mejor Grabación Bailable y Mejor Video Musical en Formato Corto.^[22] Además el álbum también ganó por Mejor Diseño de Carpeta, que recayó sobre el director de arte. Ray of Light ha sido colocado en la posición número 363 por la revista Rolling Stone en los 500 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos.^[23]

Madonna siguió cosechando éxitos tras Ray of Light con su sencillo top-diez Beautiful Stranger (Guapo desconocido),^[7] una canción de pop años 60 que escribió con William Orbit y grabó para formar parte de la banda sonora de Austin Powers: The Spy who Shagged me (en español, Austin Powers: el espía seductor) en 1999. En el 2000 ganó con esta canción el Grammy número 5 de su carrera en la categoría por Mejor Canción Escrita Para Una Película, y algunos críticos dijeron años después, al publicarse un recopilatorio, que ésta era la mejor canción del mismo.

En 2000, Madonna lanzó la primera película después de Evita: la comedia The Next Best Thing (Una pareja casi perfecta), que protagonizó con Rupert Everett. Aunque dirigida por el prestigioso John Schlesinger, fue un decepcionante fracaso y fue literalmente aplastada por los críticos de cine, pero al menos Madonna salvó la cara con dos canciones para la banda sonora, incluyendo el número uno en Europa American pie (Pastel americano), versión dance del clásico de los 70s de Don McLean.^[24] El otro tema se llamó Time stood still (El tiempo se detuvo).

El año 2000 fue muy favorable para Madonna, al coincidir su esperada boda con Guy Ritchie y el nacimiento de su segundo hijo (el primero de ambos), Rocco John Ritchie, con el lanzamiento de uno de sus álbumes más exitosos.

Music (2000) fue su octavo álbum de estudio, nominado a 3 premios Grammy (incluido el de Disco del Año) con el que dio un paso atrás en la exploración de la espiritualidad para volver a su faceta más festiva y al mundo de las discotecas con un estilo dance y house. Sin embargo, conservó el ingrediente introspectivo de Ray of Light en canciones tales como Paradise (not for me) (El paraíso no es para mí), e introdujo guitarras para un mayor sabor folk en Don’t Tell Me (No me digas) y la balada Gone (Ida). Al hilo de este giro hacia el mundo country, Madonna ofreció su enésimo cambio de imagen y coreografía, con ropa y sombrero vaquero, escoltada por musculosos bailarines de atildado look texano.

El hábil guiño de Madonna a sonidos tradicionales norteamericanos se saldó con éxito: Music debutó en el número uno en los Billboard 200^[25] y se convirtió en su primer número uno después del lanzamiento de Like a Prayer en 1989. El álbum fue mayormente co-escrito y producido por el músico tecno francés Mirwais Ahmadzaï y generó tres sencillos, los cuales incluyen la canción que le daba título, el nº 1 mundial Music. Esta canción se presentaba como un llamamiento (no exento de ironía, según algunos) a la unidad de la gente por medio de la música, según una idea posiblemente inspirada en Sting, amigo de Madonna. Con todo, el principal acierto de la canción era el ritmo bailable y la lograda mezcla del tecno con un funk que recuerda a Prince. Tras el segundo sencillo Don’t Tell Me, el tercero fue What It Feels Like for a Girl (Cómo se siente una chica), que posteriormente grabaría en español en una versión incluida como bonus en una segunda edición del álbum. La canción causó controversia por su vídeo musical. Dirigido por el esposo de Madonna, Guy Ritchie, se censuró en importantes cadenas vídeo-musicales como MTV y VH1 después de haberse emitido en una sola ocasión debido a su extrema violencia gráfica.^[26]

En 2001, Madonna emprendió la gira Drowned World Tour, la primera en ocho años (en el caso de Europa, la primera en once). Tras suspenderse un par de conciertos por imprevistos, el debut tuvo lugar en Barcelona, con masiva asistencia de los medios de comunicación. La prensa saludó el espectáculo como «un hito» en la historia del género, al proponer una nueva fórmula de concierto que aunaba música, baile y un despliegue de escenografía y nuevas tecnologías. La gira fue finalmente exitosa tanto en críticas como en recaudación, y fue el tema de un especial de televisión en los Estados Unidos, que se lanzó a la venta en formato DVD en el mes de noviembre de 2001 para coincidir con el lanzamiento de su segundo álbum de grandes éxitos, GHV2. A diferencia de su previa compilación en 1990, GHV2 no incluyó ninguna canción inédita, y solamente se promocionaron por radio múltiples remixes de algunas de las canciones.

En el 2002, escribió e interpretó la canción principal de la película de James Bond Die Another Day. La canción fue nominada a los Globos de Oro en la categoría de Mejor Canción Original, y de manera chocante, también a los anti-premios Razzies como Peor Canción.^{[7] [27] [28]} En la película, Madonna hacía un cameo como maestra de esgrima.

Además, decidió probar suerte nuevamente con su carrera cinematográfica Swept away (Barridos por la marea), película dirigida por su esposo Guy Ritchie y co-protagonizada por el actor italiano Adriano Gianini. Fue otro fracaso comercial.

2003-2004: influencia política

Madonna durante la interpretación de Frozen durante el Re-Invention Tour.

En otro ciclo de fracaso-éxito, Madonna pasó de un dulce triunfo con Music a un tropezón tanto en críticas como en ventas con su siguiente álbum, American Life, y cuando muchos la daban por acabada o repetitiva, sorprendió con el álbum posterior, Confessions on a Dance Floor.

El noveno álbum de estudio de Madonna fue American Life (Vida americana), lanzado en abril de 2003. El título pareció tomarse del popular dicho «American way of life» («El modo de vida americano»), que refleja una mentalidad consumista y competitiva que Madonna cuestionaba, pese a ser ella misma uno de los mayores productos de consumo. Los temas de las canciones fueron mayormente los sueños de triunfo, el precio de la fama y la sociedad de los Estados Unidos. Inspirada en parte por la turbulenta situación política de la invasión de Iraq y sus convicciones pacifistas, Madonna presentaba una especie de álbum-denuncia, en una versión bailable de la canción-protesta de décadas atrás. Tenía como tema la vida americana. Recibió diferentes tipos de críticas.^[29] El álbum se convirtió en el peor fracaso comercial de Madonna.^[30]

Tal esfuerzo no se vio correspondido por los resultados musicales ni por la acogida del público. Algunos críticos se atrevieron a declarar que Madonna era antipatriota, en especial ante el video musical del primer sencillo publicado, American Life. Aunque se discute que fuese su álbum más atrevido y musicalmente más extremo, American Life presentó un lado más oscuro y serio de la cantante que no contentó a todos los críticos, aunque sí a sus fans. Una vez más, trabajó con Mirwais y con Michel Colombier (quien había colaborado antes en el exitoso álbum Music), añadió un coro de gospel y guitarras acústicas. Madonna indagó con sonidos distintos a lo que había presentado en sus anteriores trabajos discográficos, pero no pareció acertar, acaso por los ritmos sincopados y las melodías menos pegadizas.

El vídeo del sencillo American Life causó controversia y fue censurado en los Estados Unidos debido a que contenía crudas escenas de guerra, explosiones y sangre. Al día siguiente de que el vídeo se emitiese por la televisión europea, Madonna lanzó una versión corregida y mucho menos violenta, en la cual ella canta vistiendo un traje estilo sargento, y detrás se proyectan imágenes de banderas de todo el mundo. El sencillo American Life disfrutó de un enorme éxito internacional pero no corrió con la misma suerte en los EE. UU. por obvias razones, a pesar de lo cual el álbum debutó en el número uno del Billboard 200.^[31] Meses más tarde recibió la certificación de disco de platino por la RIAA al haber superado el millón de unidades vendidas tan solo en los Estados Unidos.^[32]

Meses más tarde, en agosto, Madonna se presentó en los MTV Video Music Awards e interpretó una versión remezclada de la canción Hollywood combinada con su clásico Like a Virgin al lado de Britney Spears, Christina Aguilera y Missy Elliott. Se trató del acto de apertura de la entrega de premios y causó una gran controversia cuando Madonna besó en la boca a Spears y Aguilera sobre el escenario, imagen que fue noticia de primera plana de varios periódicos y revistas; en algunas ocupó la portada.^{[33] [34]} El incidente fue luego simulado al final del vídeo musical del sencillo "Me Against the Music" del álbum In the Zone de Britney Spears. La nueva versión de Hollywood formó parte del EP de Madonna titulado Remixed & Revisited, el cual tuvo el objetivo principal de revitalizar al álbum American Life. En él se incluyeron versiones remix de varias canciones del controvertido álbum y Your Honesty (Tu honestidad), una canción no lanzada del disco Bedtime Stories de 1994. Este álbum modificado fue todo un fracaso comercial y no causó ni el menor impacto, apenas superando el medio millón de copias vendidas en el mundo.

A pesar del relativo fiasco de American Life, en 2004 Madonna emprendió un nuevo tour mundial, The Re-Invention Tour, con 56 actuaciones en los Estados Unidos y Europa. Se convirtió en la gira que más dinero recaudó del 2004, con una cifra estimada de 125 millones de dólares.^[35] Incumpliendo afirmaciones anteriores, Madonna se planteó el show como un recorrido a lo más destacado de su repertorio e incluyó clásicos que había arrinconado en su gira anterior. De este modo, seguramente quiso evitar riesgos ante el temor de que un repertorio centrado en American Life disuadiese al público. Las críticas fueron favorables, mayormente por la original actualización de las canciones más antiguas y por el asombroso estado físico de Madonna, que cumplía 46 años.

En ese mismo año, Madonna estuvo involucrada en una batalla legal con su discográfica de siempre, Warner Bros., por la supervivencia de su sello personal; la pequeña firma Maverick. El conflicto legal finalizó con la victoria de Warner Music Group, quien compró las acciones de dicha empresa de Madonna, lo que supuso de hecho la desaparición del sello Maverick del mercado. Esta discográfica fundada por Madonna había lanzado a la superventas Alanis Morrisette, pero otros fracasos la hacían deficitaria.^[36]

En enero de 2005, Madonna cantó una versión de Imagine (Imagina) de John Lennon trasmitido para la televisión estadounidense, durante un concierto para los damnificados de Indonesia y Tailandia por el Tsunami en diciembre de 2004.^[37] También en 2005, Madonna distribuyó su segundo documental para ser emitido en televisión, I’m Going to Tell You a Secret, el cual había sido filmado durante su gira mundial, Re-Invention,^[38] en el 2004, bajo dirección de Jonas Akerlund. Se rumoreó que cierto desacuerdo entre éste y Madonna frustró la edición de un DVD de dicha gira, que vería la luz en 2006, cuando Madonna ya estaba enfrascada en otra.

En plena celebración de su 47 cumpleaños, el 16 de agosto de 2005, Madonna resultó herida por una caída de caballo: una muñeca rota, una clavícula dislocada, heridas en el cráneo y múltiples hematomas. Su capacidad de recuperación fue asombrosa, y poco después retomó su frenética actividad. En su posterior gira Confessions, Madonna aludió con humor a dicho percance al proyectar sobre el escenario imágenes de las radiografías que le tomaron durante su curación.

2005-2006: la era confessions

Confessions on a Dance Floor está considerado el álbum más exitoso de toda su carrera, ya que pulverizó varios récords y supuso el «retorno triunfal» de Madonna al liderazgo de la música popular^[39] (si bien nunca había estado demasiado lejos). El álbum supero las 8 millones de copias.^[40]

Para este álbum, Madonna recurrió al joven productor-prodigio Stuart Price, quien había liderado el equipo de músicos de sus dos últimas giras. Era un músico tecno bastante conocido dentro de la profesión, aunque hasta entonces se había centrado en trabajar para anuncios publicitarios en televisión y haciendo remezclas para otros cantantes. Para tales trabajos solía utilizar diversos nombres artísticos (como Jacques Lu Cont y Paper Faces), lo que dificultaba reconocerle.

Stuart Price, según elogios de Madonna, era un ratón de discoteca, con una extensa memoria musical y «con un gusto exquisito» para picotear de géneros y culturas diversas. Eso explica que el álbum Confessions asombrase a la crítica con una acertadísima combinación de ritmos ya clásicos (disco, rock y dance), samples de canciones ajenas y toques sonoros de Oriente Medio y otras culturas. Se inspiraba en New Order, ABBA, Pet Shop Boys, Donna Summer, Giorgio Moroder, la New Wave estadounidense y el estilo electrónico de Goldfrapp o Royksopp. Se podía definir como un compendio de los ritmos bailables de las últimas décadas.

Según varias críticas, el álbum no contenía muchos singles claros (canciones pegadizas). De manera muy sagaz, fue pensado como una serie de canciones mezcladas sin interrupciones en un único set, como si fuese una sesión de DJ, desde ritmos medios que invitan al baile, hasta otros más propios de chill out, pasando por canciones enérgicas. De este modo, el nivel un tanto irregular de las melodías salía favorecido.

El álbum se convirtió en un rotundo éxito comercial, alcanzando el número uno en 41 países de todos los continentes, despojando a Los Beatles del récord que anteriormente poseían. Recibió las críticas más positivas desde Ray of Light (1998) y supuso el sexto premio Grammy para Madonna como Mejor Álbum Bailable/Electrónico. Del álbum se extrajeron cuatro exitosos sencillos: Hung Up (que contiene un sample de la canción Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) de ABBA), Sorry, Get Together (Unámonos), y Jump (¡Salta!).

Hung Up se convirtió en el primer sencillo en ocupar una posición dentro de los diez primeros sencillos del Billboard Hot 100 desde el tropiezo de American Life en 2003. Con este sencillo rompió otro récord, esta vez destronando al Rey del Rock and Roll, Elvis Presley. Actualmente Madonna es la cantante con más sencillos dentro del top 10 de la lista Hot 100. En todo el mundo, Hung Up superó a Music para convertirse en el sencillo más exitoso de su carrera. El sencillo siguiente, Sorry (Lo siento) se convirtió en su 12º sencillo que alcanzaba el top 1 en el Reino Unido.^{[41] [42]} El tercer corte promocional de Confessions on a Dance Floor fue Get Together (Unámonos), lanzado en el mes de junio de 2006, debutó en el número uno del Billboard Dance

En mayo de 2006, en plena euforia por el éxito de su álbum, Madonna emprendió su gira Confessions Tour por el mundo. Causó una controversia inmediata por la puesta en escena de la balada Live to Tell, ya que ella cantaba colgada de una enorme cruz de espejos. Como era previsible, dicho uso de la cruz fue tachado de irreverencia por círculos cristianos, aunque Madonna acompañaba la actuación de imágenes de la miseria en el mundo, y no había ninguna alusión sexual ni morbosa.

La gira pasó, entre mayo y septiembre de 2006, por Norteamérica, Europa y Asia. Se especulaba que sería la gira de mayor recaudación de todos los tiempos debida a una artista femenina: se estimaba que serían más de 200 millones de dólares debido a los altos precios de las entradas y las altas ventas de entradas,^[43] pero sin embargo las estimaciones quedaron rebasadas y una vez más Madonna rompió las críticas y superó las expectativas, ya que el tour generó ganancias por más de 250 millones de dólares,^[44] convirtiéndose en la gira musical mejor remunerada de la historia según la revista Forbes, superando el retorno de The Rolling Stones, la gira Vertigo de U2 y todas las demás montadas hasta la fecha.

2006: sus primeros álbumes en vivo

I’m Going to Tell You a Secret

Madonna durante la promoción del documental I’m Going to Tell You a Secret.

Tras un largo aplazamiento, el 20 de junio de 2006 Madonna lanzó su documental I’m Going to Tell You a Secret en DVD, el cual alternaba escenas de su vida privada con tomas del The Re-Invention Tour. De este modo, terminó de explotar comercialmente su gira anterior cuando estaba realizando la siguiente. Dicho DVD debutó en la posición 33 del Billboard 200 vendiendo un total de 25,000 copias en su primera semana.^[45]

The Confessions Tour

Madonna lanzó su siguiente DVD, el de Confessions Live Tour, el 30 de enero de 2007. Este nuevo proyecto fue editado en dos formatos, uno de los cuales incluía un Cd con varias canciones tomadas del show.

Calificada por ella misma como «hiperactiva», Madonna lo siguió demostrando en 2006 como nuevo rostro de la casa de moda H&M. Una parte de la línea fue especialmente diseñada para vestir a Madonna y a sus bailarines durante la Gira Confessions.^[46] Las fotografías para la campaña fueron tomadas por el reconocido fotógrafo Rankin en Hollywood. Madonna firmó un contrato válido para todo 2006 que estipulaba la promoción de ropa, y en 2007, en colaboración con la Directora artística de H&M, presentó la colección M by Madonna, bastante más importante, y mejor que la línea anunciada en 2006.

2007-2009: nuevas tendencias, Warner Bros, Live Nation y el museo del rock

Madonna, Íngrid Betancourt y Cristina Fernández de Kirchner en 2008.

Sin duda, 2007 sería para Madonna un año lleno de nuevos proyectos, tras el dulce sabor de su anterior álbum Confessions on a Dance Floor (2005) y su correspondiente gira Confessions Tour, los cuales resultaron todo un éxito comercial.

Madonna comienza 2007 con una imagen más madura y llena de caridad, al participar como el icono de Live Earth componiendo una nueva canción especial para ese evento al lado de Pharrell Williams: Hey You.^[47] Ese mismo año Madonna decide terminar con Warner Bros. y unirse a Live Nation para que ésta gestionase su carrera. Así mismo, graba un nuevo álbum y opta por renovarse una vez más para recuperar a su público estadounidense. Este álbum contendría como estilo principal el hip hop acompañado de funk, R&B, pop urbano, todos ellos sonidos populares es Estados Unidos. Madonna se acompaña esta vez de productores conocidos y muy populares como son Timbaland y Danja. El álbum viene acompañado de una gira mundial: Sticky & Sweet Tour (2008) con la cual Madonna llegará a lugares en los que no cantaba desde hace 15 años como México, Brasil, Argentina y por primera vez, Chile.

Madonna durante el Sticky and Sweet Tour.

El nuevo álbum de Madonna fue producido entre Pharrell Williams, Timbaland y Justin Timberlake en 2007 y principios del año siguiente. Se lanzó a la venta el 28 de abril de 2008 en Europa y en el resto del mundo, y para el 29 de abril en Norteamérica. Su título definitivo es Hard Candy.

El primer single de Hard Candy, "4 Minutes", fue lanzado en marzo de ese mismo año, consiguiendo el éxito mundial. Alcanzó el número 3 en el Billboard Hot 100.^[7]

El título del álbum, Hard Candy, fue escogida por la misma Madonna, transmitiéndonos en todo el conjunto del álbum una reflexión sobre los momentos duros y dulces de la vida, tanto en el amor y desamor, pensamientos, ilusiones o compensaciones; en definitiva, una yuxtaposición.

El disco es una mezcla habitual de Pop, Dance, R&B Electrónica y también se incluyen algunas que otras baladas, semejante al último disco de Justin Timberlake. Fuentes cercanas a Madonna dijeron que esta vez no quería innovar en sonidos, ni buscar músicas alternativas; sólo tener un disco con música mainstream (comercial).

Hard Candy debutó en el primer puesto dentro de la lista de Billboard 200 con 280.000 copias, así como también en otros 36 paises.^{[48] [49]} De acuerdo a Nielsen Soundscan se han vendido 714.000 unidades del disco en Estados Unidos.^[50]

La revista Rolling Stone publicó en febrero un artículo destacado hablando sobre las canciones del disco de Madonna:

El nuevo álbum se aparta del sonido disco de Confessions, y va al funk y sonido urbano. El productor Danja afirma que Madonna sólo quería "canciones de baile, de club y movidas, y todo ello con un toque hip hop". Añade que fue muy sencillo trabajar con Madonna, y que se podía pasar horas en el estudio junto con los productores Timbaland y Justin Timberlake.

"4 Minutes", suena un poco como una marcha, entra un fuerte sonido y Madonna comienza a cantar y a "conversar" con Timberlake. La canción termina tras un pequeño bajón donde sólo se oyen los típicos ritmos a lo Bhangra de Timbaland y el "tick tock" de Madonna. Es una canción sonora, alta y enérgica. En el clip, dirigido por los franceses Jonas & Francois, Madonna y Timberlake van escapando de una sombra que va destruyendo todo, con coreografía de Jamie King.
"Candy shop", con la producción de Pharrell, empieza con un gran sonido y la invitación de Madonna a "come on into my store" (Entra en mi tienda). Tiene unas estrofas muy desnudas, pero hay armonía en el estribillo cuando Madonna canta "I’ll be your one stop (one stop) candy shop" ( Seré tu única parada (única parada) dulcería). También tenemos un breve rap de Pharrell. La canción acaba con un descenso rápido de la música y, al final, sintetizadores y sonidos muy alternativos y urbanos parecidos a los de la canción Impressive Instant, de Music (2000). Esta canción, contiene sonidos orientales, y partes muy pequeñas de la canción, sonidos muy de la India, que Madonna visitó un par de meses antes, creando una canción a la vez muy disco y melódica.
En el álbum, también está incluida la canción "Spanish lesson" con fragmentos en español. Volvemos a escuchar a Madonna cantando palabras como "Señorita" o "Bésame". Uno de los temas más melódicos es "Miles Away", un tema sobre relaciones a distancia que en su sonido recuerda al CD Future Sex/Love Sounds de Justin Timberlake. "Teníamos que conseguir un tema donde Madonna y él hiciesen las melodías juntos", explica Danja. El tema empieza con el toque rápido de una guitarra acústica, luego entra otro ritmo y lentamente va fluyendo hasta que se llena de atmosféricos sintetizadores. "You always seem to have the biggest heart when we’re 6,000 miles apart" ( Pareces tener el corazón más grande cuando estamos a 6.000 millas de distancia) , canta Madonna, lamentándolo, "I guess we’re at our best when we’re miles away" (Creo que estamos de lo mejor cuando estamos a millas de distancia). El tema es más etéreo que los otros, y va en consonancia con la letra, y contiene el sonido de las olas del mar al final de la canción, con un suave descenso de su voz.
El tema que más urbano del álbum es "Give It 2 Me", segundo sencillo del disco, con un fuerte sonido de sintetizador típico de Danja. Es un tema agresivo, muy de baile con un ritmo muy house, y Madonna canta "When the lights go down and there’s no one left I can go on and on" (Cuando las luces se han apagado y no queda nadie ya puedo seguir y seguir) . Termina con un rápido descenso donde canta "Get stupid" sobre una especie de sonido de xilófono mientras canta "Give it to me / No one’s gonna stop me now" ( Dámelo / Nadie va a pararme ya).En el videoclip oficial de "Give It 2 Me", Madonna es acompañada por Pharrell Williams. El inicio de la canción recuerda mucho al de The Power of Good-Bye, de Ray of Light (1998).
El tema de la pista de baile vuelve de nuevo en "Heartbeat", con sintetizadores muy de los 80. Madonna abre más su voz, cantando "Can’t you see when I dance I feel free / Which makes me feel like the only one the light shines on" (No puedes ver que cuando baile me siento libre / Lo que me hace sentir la única iluminada). Hay un pequeño rap a medio camino en el que Madonna recita-canta "See my booty get down", pero al final vuelve a sus raíces de baile.

Hard Candy.

En una publicación posterior, la edición japonesa de "Hard Candy", se publica un tema que no aparece en la versión estándar del álbum: "Ring my Bell", en el cual comienza con ella hablando "If you wanna talk to me, that’s exactly what you’ve gonna have to do... talk to me"(Si quieres hablarme, eso es exactamente lo que debes hacer... hablarme).

Las fotos de la portada del álbum y en general tuvieron lugar el 22 de diciembre de 2007, con una "Madonna diferente", creando un icono distinto (de nuevo), después de pasar de una mujer espiritual, madura y de chaqueta tejana con el pelo largo y rizado en Ray of Light (1998); una vaquera en Music (2000); una militar en American Life (2003); y una bailarina de rosa y exitosa en Confessions on a Dance Floor en 2005.

El fin de semana del 15 y 16 de marzo (2008) se pudo apreciar la definitiva portada de Madonna: el icono de una boxeadora, en alusión a que nadie ha podido quitarle su título de "Reina del Pop".

También se rumoraba la colaboración de Kanye West, la cual es un hecho con un rap del interprete junto con la diva en la canción "Beat Goes On". Mika ha desmentido publicamente por una emisora de radio que colabore con la Reina del Pop.

La portavoz de Madonna, Liz Rosenberg afirmó que el nuevo álbum podría contener las letras de las canciones. Según la portavoz, hay muchas posibilidades, después de largos años omitiéndose las letras, aunque no fue la excepción pues en el libreto oficial de "Hard Candy", se omitieron las letras de las canciones.

En la entrega de la edición número 50 de los Grammy, la cantante recibió el séptimo premio de su carrera en la categoría por "mejor DVD musical en formato largo", por The Confessions Tour.

Para promocionar el álbum Madonna se embarcó en el Sticky and Sweet Tour, el cual se realizó durante los años 2008 y 2009. Esta gira se convirtió en la más recaudada de la historia por un solista, la recaudación superó los 280 millones de dólares estadounidenses (solamente en 2008), superando las ganancias y el record de su previa gira Confessions.^{[51] [52]} la gira se extendió durante el año 2009 con fechas en Europa y finalizando en Israel.^[53] La recaudación total supera los 408 millones de dólares estadounidenses.^[54]

Los rumores empezaron en junio de 2007: «Madonna ha roto el contrato con Warner Bros. para firmar un acuerdo por 10 años y 86 millones de euros con la promotora Live Nation». La mujer mejor pagada de la industria musical, la artista que reinventó la definición de superestrella pop, iba a redefinir también el papel tradicional de las discográficas.

A través de este trato «sin precedentes», como lo describen fuentes cercanas al asunto, Live Nation vendería sus discos, montaría sus giras y controlaría el merchandising, espónsores y licencia del nombre e imagen de la reina del pop. A cambio, la diva de 49 años recibiría un anticipo de 12,5 millones de euros y otros dos pagos de entre 35 y 42 millones por tres discos. Según el rotativo The Wall Street Journal, Madonna comunicó su marcha a Warner, la discográfica que ha publicado todos sus hits, porque no pudo superar la oferta de Live Nation. Las razones de Warner a tal negativa no son despreciables: igualar las condiciones de Live Nation suponía mantener en nómina a Madonna hasta los 60 años de edad, un plazo inusual para una figura pop. No se garantizaba que Madonna siguiese siendo rentable hasta entonces, por la evolución de los gustos y por cuestiones de edad, aparte de que la simple venta de discos no cubría la cuantía del contrato. En un caso similar al del Real Madrid con David Beckham, Warner dejaba escapar a Madonna cuando ésta marcaba exigencias difíciles para asegurarse su estabilidad profesional en la etapa final de su carrera.

Warner intentó justificar y minimizar el impacto de la noticia. La prensa económica difundió unos datos que desvelaban que Madonna, por ventas de cds, no resultaba un «negocio rentable» debido a su alto sueldo y a que retenía el control sobre sus giras y contratos publicitarios. La ruptura entre la diva y Warner resulta menos traumática de lo temido porque ella tenía que grabar (por contrato) un último álbum de estudio con Warner (que sería Hard Candy), además de un recopilatorio de grandes éxitos, previsto para septiembre de 2009 y llamado Celebration. Se entiende que ambos lanzamientos ayudarán a explotar la actual etapa de éxito de Madonna, que Warner intuía como no demasiado larga. Esta compañía, por otro lado, mantiene los derechos sobre el catálogo de Madonna de los últimos 20 años, lo que le permite reeditar sus éxitos casi como quiera.

Muchos leen este acuerdo como un nuevo modelo --versión siglo XXI-- para conducir el negocio de la música tras la agitada revolución digital de la última década. De momento se desconoce cuándo aparecerá el primer álbum de Madonna con la promotora de Beverly Hills, ni cómo esta compañía con escasa infraestructura de distribución lo hará llegar al público.

Live Nation pagará 35 millones en metálico y acciones por promocionar los conciertos de Madonna, pero solo se llevará un 10% de la recaudación (lo restante será para ella, como hacen todas las grandes estrellas). Es el último bombazo en una industria donde hasta ahora los artistas firmaban contratos por separado con sellos y promotoras. Ahora Live Nation quiere llevarse un trozo más grande del pastel. Aunque puede que el pastel le estalle en la cara: para recuperar su inversión tendría que vender al menos 15 millones de copias de cada álbum de la diva; y las ventas no pasan por su mejor momento.

El 11 de marzo de 2008, Madonna ingresaba en el Museo del Rock de EUA por su carrera de 25 años (condición marcada para acceder al mismo). La celebración contó con la presencia de Justin Timberlake, que se arrodilló ante ella, e Iggy Pop, quien de manera sorprendente se lanzó a cantar dos de sus éxitos, Burning Up (tema rockero muy apropiado para él) y Ray of Light. Iggy terminó lanzando un comentario a Madonna que jugaba con el significado de Like a Virgin.Video

2009-presente: mantiene su trono

Madonna interpretando "Into the Groove".

Celebration

En 2009 volvió al estudio para grabar nuevos temas para un próximo disco con los grandes éxitos de toda su carrera, titulado Celebration. Salió al mercado el 29 de septiembre de 2009.^[55] Las canciones se titulan "Celebration" (alusión al estribillo de su clásico "Holiday"), "Revolver" (colaboración con Lil Wayne) e "It’s So Cool". La primera de dichas canciones, que da el nombre al recopilatorio, fue producida con la colaboración de Paul Oakenfold.

Guy Oseary, promotor de la cantante, publicó llamados en su cuenta de la bitácora digital Twitter en los que pidió sugerencias a los devotos de Madonna acerca de cuales temas debiesen estar en el disco.

En estados Unidos será lanzado el 29 de setiembre.^[56]

El lanzamiento esta disponible en dos versiones: 2 CD de 18 canciones cada uno; y 1 CD de 18 canciones.^[57] . También fue lanzada una versión de 2 DVD con videos de la gran mayoría de los sencillos de Madonna^[57] .

Madonna ha publicado anteriormente dos colecciones de grandes éxitos: en 1990 The Immaculate Collection (vendiendo 30 millones de copias a nivel mundial) y GHV2 en 2001; You Can Dance y Something to Remember no se cuentan como recopilatorios ya que el primero es un álbum de remixes (El más vendido por una artista femenina) y el segundo un recopilatorio de baladas.

"Revolver" fue lanzado cómo el segundo sencillo del álbum, con la colaboración del rapero Lil Wayne. Fue escrita por Madonna, Carlos Battey, Steven Battey, Dwayne Carter, Justin Franks y Brandon Kitchen, y producida por Madonna y DJ Frank E. La canción fue lanzada a Internet antes del lanzamiento oficial del álbum. En diciembre de 2009, se confirmó que la canción sería lanzada como sencillo del álbum, tras Celebration, con lanzamientos en CD remix en enero en los Estados Unidos y Europa. Compuesta como una canción electropop, "Revolver" cuenta con Madonna cantando la canción entera, con un cameo de Wayne cerca del final.

Las letras hablan de amor con la yuxtaposición de las armas. Los críticos contemporáneos hizo una revisión mixta de la canción. Algunos elogiaron la línea de coro "My love’s a revolver" ("Mi amor es un revólver"), mientras que otros estimaron que no era a la par con las canciones anteriores de Madonna.

Sticky and Sweet

Sticky & Sweet Tour es el tercer álbum en vivo de la cantante. Este es el primer lanzamiento bajo el nuevo contrato de grabación de Madonna con Live Nation y es distribuido por su anterior compañía discográfica Warner Bros. Records. Se lanzó mundialmente el 29 de marzo de 2010, y el 6 de abril en Estados Unidos. Esta disponible en DVD y Blu-ray, cada uno con un CD de audio que contiene una selección del show; y también esta disponible en descarga digital con un bonus de 4 canciones extra. El concierto fue filmado en el Estadio River Plate, en Buenos Aires, Argentina durante la etapa 2008 de la gira Sticky & Sweet Tour. La grabación de este vídeo estuvo a cargo de Nathan Rissman y Nick Wickham, y es el primer vídeo de larga duración en vivo que la cantante graba en un país latinoamericano.^[58]

Puntos de vista políticos

Madonna no apoyó al ex-presidente de los Estados Unidos George W. Bush. Apoyó la candidatura demócrata de Wesley Clark para la elección presidencial estadounidense del 2004 con una apasionada carta a sus fans, diciendo "The future I wish for my children is at risk" (El futuro que deseo para mis niños esta en riesgo). En el invierno del 2006, expresó su apoyo a Hillary Clinton para las elecciones del 2008, pero cuando fue Barack Obama el candidato elegido cambió de parecer y le ofreció todo su apoyo.

También animó a sus fans a ver Fahrenheit 9/11 de Michael Moore.

En el inicio de su gira Sticky & Sweet Tour, Madonna ha dejado claro su punto de vista, mostrando un video en el Interlude Get Stupid donde compara al candidato republicano John McCain con personajes como Hitler y Mugabe. En cambio, coloca al candidato demócrata Barack Obama junto a Ghandi, la Madre Teresa de Calcuta, Al Gore y otros.

El día que Barack Obama ganó las elecciones, Madonna y todos sus bailarines salieron con camisetas de Obama durante la canción Give It 2 Me, al final de su show.

Dieta y ejercicio

Madonna afirma que no come carne y que tiene una dieta macrobiótica, que consiste principalmente de cereales variados, pescado y vegetales frescos. Además, tiene un cocinero japonés personal y practica yoga y pilates para estar en forma.

Es un personaje público muy criticado y elogiado a la vez por su imagen. Madonna es desde la adolescencia muy disciplinada y aficionada al baile y al ejercicio físico. De hecho, afirmó que aunque probó drogas de diseño en los años 80, las dejó muy pronto porque le causaban efectos secundarios no deseados y mermaban su capacidad para bailar. Al contrario que otras estrellas del pop, Madonna no recurre a dietas para una puntual puesta en forma, sino que mantiene una estricta rutina de forma continuada.

Madonna tiene una figura sumamente estilizada, que en fotografías y demás imágenes parece más alta que sus apenas 1,60 m. de estatura. Por genética, posee una cabellera robusta, «a prueba de tintes y mil cortes», así como una piel resistente, que mantiene muy blanca pues desde mediados de los 80 no se expone al sol. Sus indudables cualidades genéticas y su disciplina («mi cuerpo es mi templo») se alían a múltiples tratamientos y trucos de belleza (como aplicaciones de botox y algún retoque de cirugía plástica), de tal modo que puede lucir un aspecto lustroso y una flexibilidad de contorsionista que asombran en una mujer de 50 años.

Pero la misma prensa que relata las hazañas coreográficas y piruetas de Madonna, dice que su buena salud no se corresponde con su aspecto. Según estas opiniones, Madonna estaba adoptando un aspecto demasiado enjuto, debido a que su dieta macrobiótica y sus duros entrenamientos reducían en exceso su proporción de grasa corporal, desvelando su musculatura y tendones así como secando o endureciendo sus facciones. Según los medios que han analizado fotos de Madonna, «sus manos tienen muchas arrugas y son muy venosas. Además, tiene su cuerpo muy musculoso». Estos efectos «no deseados» se suelen disimular en sus fotografías de estudio mediante un hábil uso de focos.

El anterior esposo de la diva, Guy Ritchie, coincidió en que estaba demasiado delgada y musculosa; y se comenta que Madonna iba a consumir un desayuno más completo y a moderar su rutina de ejercicios, abandonando las pesas y centrándose en el pilates. Según los especialistas, un cambio de dieta y otras medidas la harían verse 10 años más joven, con formas más suaves y redondeadas, especialmente en el rostro. Sea como fuere, ella afirma que «ahora estoy mejor que hace 20 años», y a juzgar por la energía que derrocha en sus últimas giras, ello es verosímil.

Críticas

Madonna ha sido blanco de críticas desde el inicio de su carrera, generando controversias de manera más o menos continuada que, a su manera, han ayudado a incrementar su notoriedad popular. Los juicios sobre su manera de trabajar son generalmente dispares: muchos críticos musicales ponen su talento en duda, mientas otros la proclaman La Reina del Pop. En los últimos años, un mayor afán artístico en sus discos y una trabajosa labor de perfeccionamiento como cantante han ido ganando para Madonna opiniones más favorables.

Una crítica común en contra de Madonna recae en su voz, que algunos consideran que es débil, limitada y masculina. Sin embargo, hay que precisar que dichas críticas se suelen basar en comparaciones con otras cantantes excepcionalmente dotadas, como Mariah Carey y Whitney Houston, que además tocan otros géneros musicales.

Las alusiones al toque «hombruno» de la voz de Madonna parecen infundadas, pues al mismo tiempo su voz solía ser criticada como excesivamente chillona o aguda. Más bien, Madonna ha cultivado una voz progresivamente más versátil, que va de baladas graves como Live to Tell a agudos cómicos como en I’m Going Bananas. Mediante profesores y años de experiencia, Madonna ha superado las limitaciones vocales y puede ofrecer actuaciones en vivo muy correctas, tanto en limpieza de notas como en versatilidad. A su manera, Madonna ha superado sus limitaciones congénitas (en voz, estatura, etc) con mucho esfuerzo y una astucia que se suele reconocer como su mejor arma.

También ha sido criticada por su egocentrismo, maniobras publicitarias y una tendencia a generar controversia. Joni Mitchell declaró una vez: «She has knocked the importance of talent out of the arena. She’s manufactured. She’s made a lot of money and become the biggest star in the world by hiring the right people» (Traducción: «Ha arrojado la importancia del talento fuera del escenario. Es pre-fabricada. Ha conseguido una gran cantidad de dinero y se convirtió en la estrella más grande del mundo contratando a la gente correcta»). Evidentemente, para cantautores minoritarios y proclives a sutilezas simbólicas, Madonna es un monstruo que lo eclipsa todo con recursos discutibles.

Madonna ha rivalizado con varias divas de la música, cómo con Mariah Carey, a quien ha criticado duramente en varias oportunidades, incluso ha llegado a insultar su música. La rivalidad comenzó en 1995 cuando en una entrevista se le preguntó a Madonna que opinaba acerca de la entonces cantante de moda Mariah Carey, ella contestó que la música de Carey era demasiado corriente y que ésta era la razón de su popularidad y que no se atrevía a explorar otros estilos. Además dijo:

Si yo fuera Mariah Carey me mataría ahora mismo

Mariah resultó sorprendida, ya que ella anteriormente había sido fan de Madonna. Cuando en 1996 se le preguntó a Carey en una conferencia de prensa internacional que opinaba con respecto al ataque emitido por Madonna en su contra, ella replicó lo siguiente:

Realmente yo no he prestado atención a Madonna desde que iba en 7º o 8º grado, cuando ella solía ser popular...

Durante años el conflicto entre las dos divas pareció controlado, hasta el 2005 cuando ambas iban a cantar en el concierto Live 8 en Londres. Se suponía que antes del concierto todos los artistas involucrados se iban a reunir, pero cuando Madonna oyó que Mariah Carey también iba a cantar decidió no asistir. Carey resultó herida por lo que prefirió no emitir ningún comentario.^[59]

Los momentos de su carrera en los que Madonna ha sido fuertemente criticada incluyen su vídeo musical de 1989 Like a Prayer, la publicación del libro Sex y del álbum Erotica en 1992, su presentación en el 2006 de Live to Tell durante el Confessions Tour, y su adopción de un niño proveniente de Malawi, David Banda en 2006.

En 1995, la cantante afroamericana Janet Jackson, criticó a Madonna diciendo que sus vídeo clips no tenían clase.

Madonna ha recibido críticas de grupos a favor de los derechos animales por vestir abrigos de piel y en el pasado, fue acusada de alquilar su casa para «fiestas de caza».

Las letras de las canciones han sido criticadas como «simples» e incluso escritas por otra persona.

Sin embargo, muchos consideran a Madonna una vocalista y escritora talentosa. Recibió críticas positivas para su cover de "Love Don’t Live Here Anymore" en la cual su actuación fue descrita como "heartfelt vocal" [voz que llega al corazón]. Su voz en "Live To Tell" fue considerada como la mejor en esa época por algunos, y las letras de la canción se describían como"poignant" [punzante].El beso a otra mujer en el 2008:Madonna sí que sabe cómo atraer la atención de sus seguidores cada vez que realiza un nuevo lanzamiento. Esta vez, la reina del pop no tuvo mejor idea que protagonizar un candente beso sobre el escenario.

Durante un concierto promocional de su nuevo álbum ’Hard Candy’, la diva del pop besó sorpresivamente a una bailarina de su elenco, tal y como lo hizo cinco años atrás con Britney Spears y Christina Aguilera.

El gesto desató la histeria de los 1500 fanáticos reunidos en Paris, quienes cayeron rendidos ante la irreverencia de la artista; sin embargo, los expertos criticaron la presentación por su falta de creatividad en todo sentido.

"¿Por qué tengo esta relación con Francia? Siempre que trabajado con gente francesa. Viva Francia. ¿A quién quieren más, a mi o a los Rolling Stones?", exclamó la cantante en medio de gran ovación.

Otra clara y evidente crítica, corre por las fechas y destinos de sus giras, donde generalmente visita países del primer mundo y en varias ocasiones ha rechazado categóriamente varias propuestas de países subdesarrollados, como el caso del silencio y el aparente rechazo a presentarse en Bogotá, Colombia; aún cuando la oferta sobrepasó los 4 millones de dólares, cifra superior a lo de las presentaciones en Argentina, Chile, México y Brasil.

Premios

Artículo principal: Premios de Madonna

Año	Premio	Ganado Por
1992	Premio Grammy por Mejor Vídeo de Larga Duración	Blond Ambition World Tour 1990 - En Vivo
1997	Globo de Oro por Mejor Actriz	Evita
1999	Premio Grammy por Mejor Vídeo de Corta Duración	Ray of Light
1999	Premio Grammy por Mejor Álbum Vocal Popular	Ray of Light
1999	Premio Grammy por Mejor Grabación Dance	Ray of Light
2000	Premio Grammy por Mejor Composición de Canción de una Película, Televisión u otro medio visual	Beautiful Stranger
2007	Premio Grammy por Mejor Álbum Electronico/Dance	Confessions on a Dance Floor
2008	Premio Grammy por Mejor Vídeo de Larga Duración	The Confessions Tour

La lista es más extensa, sólo se muestran los más destácados.

Discografía

Artículos principales: Anexo:Álbumes de Madonna y Anexo:Sencillos de Madonna

Álbumes de estudio 1983: Madonna 1984: Like a Virgin (Como una virgen) 1986: True Blue (Fiel) 1989: Like a Prayer (Como una oración) 1992: Erotica (Erotismo) 1994: Bedtime Stories (Cuentos para dormir) 1998: Ray of Light (Rayo de luz) 2000: Music (Música) 2003: American Life (Vida americana) 2005: Confessions on a Dance Floor (Confesiones en una pista de baile) 2008: Hard Candy (Caramelo duro)

Álbumes en vivo 2006: I’m Going to Tell You a Secret (Voy a contarte un secreto) 2007: The Confessions Tour (La gira de las Confesiones) 2010: Sticky & Sweet Tour (La gira pegajosa y dulce) Compilaciones 1987: You Can Dance (Tú puedes bailar) 1990: The Immaculate Collection (La inmaculada colección) 1995: Something to Remember (Algo para recordar) 2001: GHV2 Greatest hits volume 2 (Grandes éxitos, volumen 2) 2003: Remixed & Revisited (Remezclado y Revisado) 2009: Celebration (Celebración) Bandas sonoras 1987: Who’s That Girl (¿Quién es esa chica?) 1990: I’m Breathless (Estoy sin aliento) 1996: Evita 2000: The Next Best Thing (Algo casi perfecto) 2002: Die Another Day (Otro día para morir)

Véase también: Anexo:Videografía de Madonna

Giras mundiales

Artículo principal: Anexo:Giras musicales de Madonna

Año	Nombre de la gira (arriba) Especial televisivo (abajo)	Edición hogareña (VHS, LaserDisc, DVD, CD, Blu-Ray, Digipak)	Fechas de la gira Lista de canciones	Recaudación
1985	«The Virgin Tour»	Live - The Virgin Tour[60]	Fechas de la gira Lista de canciones	$17 millones de doláres
Descripción: The Virgin Tour (en español "La gira virgen") es la primera gira musical con 40 presentaciones que inicio el 10 de abril de 1985 al 11 de junio de 1985 en los Estados Unidos y el 23 de mayo de 1986 con una sola presentación en la ciudad de Toronto, Canadá. A pesar de que Madonna ya había alcanzado fama mundial, la gira sólo se presentó en varias ciudades estadounidenses y en la ciudad canadiense de Toronto por cuestiones de tiempo.
1987	«Who’s That Girl? Tour»  Madonna in Concerto - Live from Italy	Who’s That Girl? - Live In Japan[61] Ciao, Italia! - Live from Italy[62]	Fechas de la gira Lista de canciones	$20 millones de doláres
Descripción: Who’s That Girl? Tour (en español "La Gira ¿Quién es esa chica?") es la primera gira mundial de la cantante que consistió en 37 presentaciones, la cual visitó por primera vez ciudades de Asia y Europa que, por cuestiones de tiempo, no fueron incluidas en su anterior gira musical The Virgin Tour, realizada en 1985, la cual solo recorrió las más grandes ciudades de Estados Unidos. Si bien esta gira es la primera considerada "mundial", que inicio el 14 de junio de 1987 y termino el 6 de septiembre de ese mismo año, se presentó en algunas de las ciudades más grandes de Japón, Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Alemania, Países Bajos, Francia e Italia.
1990	«Blond Ambition Tour»  Live!, Madonna: Blond Ambition World Tour 90	Blond Ambition - Japan Tour 90[64] Live! - Blond Ambition World Tour 90[65] Truth or Dare[66]	Fechas de la gira Lista de canciones	$66 millones de doláres
Descripción: Blond Ambition Tour (en español "Gira ambición rubia") es la segunda gira mundial realizada en 1990 por la cantante. Es considerada la gira que cambió el sentido de los conciertos en directo y por ende, de las giras mundiales. El espectáculo se presentó en 57 ocasiones en 27 ciudades, desde Japón, Estados Unidos, Canadá y Europa en aproximadamente cuatro meses. Es considerado como unos de los más grandes logros de la carrera de la cantante. Fue una gira controvertida sobre todo por su yuxtaposición de catolicismo y sexualidad, que recibió críticas muy diversas, pero sobre todo positivas. En 2006, la revista Rolling Stone la definió como una "extravagancia elaboradamente coreógrafiada, sexualmente provocativa" y la proclamó "la mejor gira mundial de 1990".[63]
1993	«Girlie Show Tour»  Madonna: Live Down Under, The Girlie Show	The Girlie Show - Live Down Under[67]	Fechas de la gira Lista de canciones	$82 millones de doláres
Descripción: Girlie Show Tour (en español "La gira del espectáculo femenino") es la tercera gira mundial de la cantante. Realizada en 1993, durante esta gira sería la primera vez en la que visitaría algunos países de América Latina, Medio Oriente, y Oceanía. Aunque Madonna había declarado tres años antes, durante la conclusión de su gira anterior Blond Ambition Tour, que no volvería a emprender otra gira, solo pasó poco tiempo para que volviera a realizar conciertos. Después de esta gira, la cantante declaró "Si alguna vez me escuchan decir -No haré otra gira de nuevo-, no me crean". La inspiración para el nombre de la gira vino de una pintura de Edward Hopper llamada "Girlie Show", en la cual se representa a una bailarina de burlesque, lo cual se reflejaría en la temática de los conciertos.
2001	«Drowned World Tour»  Madonna: Live! Drowned World Tour 2001	Drowned World Tour 2001[68]	Fechas de la gira Lista de canciones	$110 millones de doláres
Descripción: Drowned World Tour (en español "Gira mundo ahogado") es la cuarta gira mundial. Considerada la más exitosa y más recaudadora del año 2001, vendiendo todas las entradas disponibles en Europa y América del Norte. Madonna recaudó más de US$110 millones de dólares por las venta de las entradas, presentándose ante más de 730.000 personas en diferentes ciudades de Europa y América del Norte. Su elaborado y teatral set, además de las interpretaciones, fueron elogiadas por críticos y fans por igual, aunque haya incluido pocos hits anteriores en la interpretación de temas musicales.
2004	«Re-Invention Tour»  I’m Going to Tell You a Secret	I’m Going to Tell You a Secret[69]	Fechas de la gira Lista de canciones	$156 millones de doláres
Descripción: Re-Invention World Tour (en español "La gira Re-Invención") es la sexta gira mundial de Madonna, inicio en mayo de 2004, interpretando canciones desde comienzos de su carrera hasta su último álbum en aquel entonces; American life (2003). La gira visitó veinte ciudades en siete países, con un total de 56 conciertos. La gira fue considerada la más exitosa y grande de 2004, con una ganancia estimada de 155.5 millones de dólares.
2006	«Confessions Tour»  Madonna: The Confessions Tour - Live from London	The Confessions Tour[70]	Fechas de la gira Lista de canciones	$260 millones de doláres
Descripción: Confessions Tour (en español "La gira confesiones") es la séptima gira mundial que emprendió durante el 2006, la gira comenzó en Los Ángeles, Estados Unidos y terminó en Tokio, Japón, con 60 presentaciones, recaudando más de 260 millones dólares, se trata de la gira que más ganancias ha reportado a una artista femenina en la historia de la música.
2008	«Sticky & Sweet Tour»  Madonna: Sticky & Sweet Tour, Live in Argentina	Sticky & Sweet Tour[73]	Fechas de la gira Lista de canciones	$408 millones de doláres
Descripción: Sticky & Sweet Tour (en español "Gira pegajosa y dulce") es la octava gira mundial de la cantante realizada durante los años 2008 y 2009 para promocionar su undécimo álbum de estudio, Hard Candy. El espectáculo recorrió toda Europa y América como dos presentaciones en Tel Aviv, Israel. Esta gira se convierte en "La segunda gira mas exitosa de la historia" superando así el record que había establecido U2 con el "Vertigo Tour" la cual recaudó $389.000.000 millones de dolares.[71] y superada sólo por el "A Bigger Bang Tour" de los The Rolling Stones con una recaudación de más de $558.255.524 millones de dólares. Además de convertirse en "La gira más exitosa por un artista solista".[72]

Carrera cinematográfica

Fecha	Película	Personaje	Compañía/Notas
2006	Arthur and the Invisibles	Voz	Post-producción
2005	I’m Going to Tell You a Secret	Ella misma	Maverick
2002	Die Another Day	Verity	Metro-Goldwyn-Mayer
2002	Swept Away	Amber Leighton	Screen Gems/Columbia Pictures
2001	The Hire: Star	Star	BMW
2000	The Next Best Thing	Abbie Reynolds	Lakeshore/Paramount Pictures
1996	Evita	Eva Perón	Hollywood/Cinergi
1996	Girl 6	Boss no. 3	20th Century Fox
1995	Four Rooms	Elspeth	Miramax
1995	Blue in the Face	Singing Telegram	Hollywood
1993	Dangerous Game	Sarah Jennings	Cecchi Gori/Maverick
1992	Body of Evidence	Rebecca Carlson	MGM/Dino De Laurentiis
1992	A League of Their Own	Mae Mordabito	Columbia Pictures
1992	Shadows and Fog	Marie	Orion Pictures
1991	Truth or Dare	Ella misma	Miramax
1990	Dick Tracy	Breathless Mahoney	Touchstone Pictures
1988	Bloodhounds of Broadway	Hortense Hathaway	Columbia Pictures
1987	Who’s That Girl?	Nikki Finn	Warner Bros.
1986	Shanghai Surprise	Gloria Tatlock	HandMade
1985	Desperately Seeking Susan	Susan	Orion Pictures
1985	Vision Quest	Cantante	Warner Bros.
1979	A Certain Sacrifice	Bruna	Película Independiente

Libros escritos por Madonna

Artículo principal: Libros escritos por Madonna

1992 SEX

• Lanzamiento: 21 de octubre de 1992
• Fotógrafo: Steven Meisel
• Publicó: Warner Books/Callaway
• Ventas: 1.400.000 copias en seis meses
• Debutó como número uno en la lista de Bestsellers del New York Times
• Incluía un CD con una pista titulada "Erotic", diferente a la de "Erotica".
• Originalmente nombrado "X" fue cambiado de título debido a que la película Malcolm X sería lanzada ese mismo año.

1994 The Girlie Show

• Lanzamiento: 18 de agosto de 1994
• Fotógrafo: Herb Ritts, Christopher Ciccone, Varios.
• Publicó: Callaway
• Ventas: 140.000 copias.
• "Behind-The-Scenes [Entretelones] de la gira mundial de 1993.
• incluía un CD con las pistas en vivo "Like a Virgin", "In This Life" y "Why’s It So Hard"

1996 The Making of Evita

• Lanzamiento: 5 de diciembre de 1996
• Autor: Alan Parker con la colaboración de Madonna
• Publicó: HarperCollins
• Incluía Behind-The-Scenes [entretelones, detrás de camaras] de la realización de la película "Evita".

1998 The Emperor’s New Clothes

• Lanzamiento: Octubre de 1998
• Autor: Hans Christian Andersen
• Publicó: Starbright Foundation
• Libro con CD de audio.
• Cada parte de la historia es realizado sobre un CD de audio por uno de 23 famosos, incluyendo a Jay Leno (la Polilla), Madonna (la Emperatriz), Fran Drescher (el Cuerno de Anunciación), Jeff Goldblum (el Mago Imperial), Robin Williams (el Bufón de Tribunal), y Calvin Klein (la Ropa interior del Emperador)
• Steven Spielberg interpretó al Muchacho Honesto, y él es el director creativo de este ambicioso proyecto diseñada para beneficiar a la Fundación Starbright para niños enfermos.
• En el CD, Madonna cuenta la historia desde la perspectiva de la Esposa del Emperador (ilustrado como Marie Antoinette por Daniel Adel).

2003 X-STaTIC Pro=CeSS

• Lanzado: 2003
• Fotógrafo: Steven Klein
• Diseñador: Giovanni Bianco
• El precio del libro era de $350.
• Contaba con 260 imágenes en un tiraje de solo 1.000 copias
• Impreso en Italia sobre papel personalizado y papel cepillado de algodón.

2004 Nobody Knows Me

• Lanzamiento: Enero de 2004
• Fotógrafo: Varios
• Disponible solamente por un mes a través del sitio oficial de Madonna
• 52 páginas de las mejores sesiones fotográficas de la cantante, para conmemorar 20 años de carrera artística.
• El libro costaba $24 dolares cada uno.

Referencias

1. ↑ "rock music." Encyclopædia Britannica. 2008. Britannica Concise Encyclopedia. 2008 Madonna en la historia de la "música rock". Encyclopædia Britannica 2008.
2. ↑ ^{a b c d e} Bigrafía de la familia de Madonna desde 1955 hasta 1984 (en inglés)
3. ↑ ^{a b c} Biografía de Madonna (en inglés)
4. ↑ Certificación de Madonna en Estados Unidos (en inglés)
5. ↑ Primer sencillo de Madonna en alcanzar el número 1 en Inglaterra (en inglés)
6. ↑ ^{a b} 10 Momentos que crearon en Madonna un ícono MSN.com (en inglés)
7. ↑ ^{a b c d e f g h i j} Historia de Madonna en las listas
8. ↑ Geordie Greig meets Madonna (6 de Noviembre de 2005) (en inglés)
9. ↑ Sigerson, David (17 de julio de 1986). «True Blue review» (en inglés). Jann S. WenerRolling Stone. Consultado el 29-05-2008.
10. ↑ Los 500 mejores álbmes de todos los tiempos según Rolling Stone(del 201 al 300)Rollingstone.com (en inglés)
11. ↑ Las 500 canciónes más grandes de todos los tiempos según Rolling Stone(del 201 al 300)Rollingstone.com (en inglés)
12. ↑ Ventas de Like a prayer
13. ↑ Smith, Neil (24 de mayo de 2004). «Show Stealer Madonna on Tour» (en inglés). BBC. http://news.bbc.co.uk/2/hi/entertainment/3704915.stm. Consultado el 12-02-2008. «This, after all, was the tour that introduced Jean-Paul Gaultier’s infamous conical bra outfit and featured the singer simulating masturbation during Like a Virgin.». 
14. ↑ «Madonna: Rebel without a Cause» (PDF). Rutgers University. Consultado el 27-05-2008.
15. ↑ Kirschling, Gregory. «The Naked Launch» (en inglés). Entertainment Weekly (Time Inc.). http://www.ew.com/ew/article/0,,365681,00.html. Consultado el 27-05-2008. 
16. ↑ «Erotica: Album details» (en inglés). Madonna.comIcon: The Official Madonna Website. Consultado el 09-06-2008.
17. ↑ International, Publication. «Madonna’s 25 Most Popular Songs» (en español). How Stuff Works. Consultado el 26-05-2009.
18. ↑ Busari, Stephanie (24 de marzo de 2008). «Hey Madonna, Don’t Give Up the Day Job!» (en inglés). CNN (Turner Broadcasting System). http://www.cnn.com/2008/SHOWBIZ/Movies/03/18/madonna.movies/?iref=mpstoryview. Consultado el 21-03-2008. «Apart from a role in Evita, for which she won a Golden Globe best actress award, Madonna’s contribution to the film world can be, at best, described as forgettable.». 
19. ↑ Rooksby, p. 50
20. ↑ Críticas de Amazon.com a Ray of Light. Madonna Village. 1998. Archivado el 5 de mayo de 2006.
21. ↑ Críticas de Rolling Stone a Ray of Light. Madonna Village. 1998. Archivado el 5 de mayo de 2006.
22. ↑ «That thing: Lauryn Hill sets Grammy record» (en inglés). CNN. 24 de febrero de 1999. http://www.cnn.com/SHOWBIZ/Music/9902/24/grammy/index.html. Consultado el 09-02-2008. «Pop queen Madonna, now 40, earned three Grammys.». 
23. ↑ «The Rolling Stone 500 Greatest Albums of All Time» (en inglés). Rolling Stone (Jann S. Wenner). http://www.rollingstone.com/news/story/5938174/the_rs_500_greatest_albums_of_all_time/4. Consultado el 06-06-2008. 
24. ↑ «American Pie» (en inglés). BBC Radio 2. Consultado el 09-06-2008.
25. ↑ Zahlaway, Jon (27 de septiembre de 2000) (en inglés). Madonna’s "Music" claims No. 1 spot on álbum chart. http://www.livedaily.com/news/1892.html. Consultado el 28-05-2008. 
26. ↑ Lee, Hann C. (23 de marzo de 2001). «Controversial new Madonna video airs on the Web» (en inglés). CNN. http://archives.cnn.com/2001/TECH/internet/03/23/madonna.video.idg/. Consultado el 09-06-2008. 
27. ↑ «Die Another Day» (en inglés). GreenCine (2002). Consultado el 09-06-2008.
28. ↑ «Golden Raspberry Awards past winners database» (en inglés). Los Angeles Times (Tribune Company). http://theenvelope.latimes.com/extras/lostmind/year/2002/2002gr.htm. Consultado el 14-06-2008. 
29. ↑ «American Life by Madonna: Review» (en inglés). Metacritic. Consultado el 30-12-2007.
30. ↑ «Madonna - Entertainer» (en inglés). BBC h2g2. Consultado el 03-01-2008.
31. ↑ Debut de American Life en el número uno del Billboard 200. Revista Billboard. 2003. Archivado en Junio de 2006.
32. ↑ Certificación de American Life en los Estados Unidos. Sitio Web Oficial de la Recording Industry Association of America (buscador). 7 de julio de 2003. Archivado en Junio de 2006.
33. ↑ Warn, Sarah (15 de septiembre de 2003). «VMA’s Madonna-Britney-Christina Kiss: Progress or Publicity Stunt?». AfterEllen.com. Consultado el 28-05-2009.
34. ↑ Gardner, Elysa. «Madonna, Spears, Aguilera shock at MTV Awards». USA Today (Gannett Company). http://www.usatoday.com/life/music/awards/mtvmusicawards/2003-08-28-mtv-vma_x.htm. Consultado el 10-01-2007. 
35. ↑ «Madonna Ready to Dance on World Tour» (en inglés). China Daily (4 de abril de 2006). Consultado el 23-05-2008.
36. ↑ Madonna tiene nueva discográfica. MTV.com, Junio de 2004. Archivado el 29 de mayo de 2006.
37. ↑ «Hollywood, music stars join forces in tsunami telethon». ABC News. http://www.abc.net.au/news/stories/2005/01/16/1282814.htm. Consultado el 14-06-2008. 
38. ↑ «Madonna: Full Biography». MTV. Consultado el 09-06-2008.
39. ↑ «Confessions On A Dance Floor». Metacritic. Consultado el 03-01-2008.
40. ↑ Caulfield, Keith (23 de mayo de 2006). «U.S. Radio hangs up on Madonna». Nielsen Business Media, Inc. Consultado el 30-12-2007.
41. ↑ «Madonna Storms to 12th UK Number One». The Epoch Times. http://en.epochtimes.com/news/6-2-26/38705.html. Consultado el 30-12-2007. 
42. ↑ «Madonna Smashes Record in UK Charts». RTE Entertainment. http://www.rte.ie/arts/2006/0228/madonna.html. Consultado el 10-06-2008. 
43. ↑ Críticas de la gira Confessions. Monster and Critics. Abril de 2006. Archivado el 28 de junio de 2006.
44. ↑ «Top 25 Tours of 2006». Nielsen Business Media, IncBillboard. Consultado el 30-12-2007.
45. ↑ Furtado llega hasta la cima del Billboard 200, y el "Secreto" de Madonna se enlista. Revista Billboard. 28 de junio de 2006.
46. ↑ DrownedMadonna.com. 8 de junio de 2006. Archivado Junio de 2006.
47. ↑ «Madonna Writes New Song "Hey You" for Live Earth» (17-05-2007). Consultado el 17-05-2007.
48. ↑ «Madonna’s Hard Candy Debuts At #1 in 37 countries». Madonna.com (22-12-2008). Consultado el 23-12-2008.
49. ↑ Hasty, Katie (7 de mayo de 2008). «Madonna Leads Busy Billboard 200 with 7th #1». Nielsen Business Media, IncBillboard. Consultado el 07-05-2008.
50. ↑ Madonna grabará nuevos temas para su colección de grandes éxitos
51. ↑ «Madonna’s ’Sticky & Sweet’ Tour: 58 Shows - 2,350,282 Fans!!!». International Business Times (22 de diciembre de 2008). Consultado el 24-05-2009.
52. ↑ Lewis, Randy (29 de diciembre de 2008). «’08 tour leader: Madonna». Los Angeles Times. http://www.latimes.com/entertainment/news/music/la-et-tours29-2008dec29,0,4292189.story. Consultado el 07-01-2009. 
53. ↑ «Madonna’s ’Sticky & Sweet Tour’ Goes Back on the Road Summer 2009». ReutersIcon:Official Madonna club (30 de enero de 2009). Consultado el 24-05-2009.
54. ↑ «Madonna Closes Tour In Tel Aviv; 2nd Highest Grossing Trek Of All Time». BillboardBillboard (2 de septiembre de 2009). Consultado el 06-11-2009.
55. ↑ Rebenaque, Juan (23 de julio de 2009). «Celebration será la despedida de Madonna de Warner Bros» (en español). www.zm.nu. Consultado el 23 de julio de 2009.
56. ↑ Lanzamiento de Celebration en EE.UU.
57. ↑ ^{a b} Celebration: Lista de canciones (en inglés)
58. ↑ Madonna filmará sus shows en Argentina para el DVD de su gira Sticky and sweet.
59. ↑ Rivalidades del Pop, Mariah Carey vs. Madonna Consultado el 6 de julio de 2008
60. ↑ «Madonna Live: The Virgin Tour» (en inglés). IMDb (1985). Consultado el 11 de mayo de 2010.
61. ↑ «Madonna: Who’s That Girl - Live in Japan» (en inglés). IMDb (1987). Consultado el 11 de mayo de 2010.
62. ↑ «Madonna: Ciao, Italia! - Live from Italy» (en inglés). IMDb (1988). Consultado el 11 de mayo de 2010.
63. ↑ Walters, Barry. «Crucifixes, Leather and Hits». Rolling Stone. Consultado el 6 de enero de 2006. «extravagancia elaboradamente coreógrafiada, sexualmente provocativa, la mejor gira mundial de 1990»
64. ↑ «Madonna: Blond Ambition - Japan Tour 90» (en inglés). IMDb (1990). Consultado el 11 de mayo de 2010.
65. ↑ «Madonna: Blond Ambition World Tour Live» (en inglés). IMDb (1990). Consultado el 11 de mayo de 2010.
66. ↑ «Madonna: Truth or Dare» (en inglés). IMDb (1991). Consultado el 11 de mayo de 2010.
67. ↑ «Madonna: The Girlie Show - Live Down Under» (en inglés). IMDb (1993). Consultado el 11 de mayo de 2010.
68. ↑ «Madonna: Drowned World Tour 2001» (en inglés). IMDb (2001). Consultado el 11 de mayo de 2010.
69. ↑ «I’m Going to Tell You a Secret» (en inglés). IMDb (2005). Consultado el 11 de mayo de 2010.
70. ↑ «Madonna: The Confessions Tour Live from London» (en inglés). IMDb (2006). Consultado el 11 de mayo de 2010.
71. ↑ La Segunda (30 de diciembre de 2008). «Madonna y Celine Dion encabezaron ranking de giras en 2008». Consultado el 31 de diciembre de 2008.
72. ↑ Live Nation Global Touring (2008-12-22). «Madonna’s ’Sticky & Sweet Tour’: #1 Grossing Tour in History for Solo Artist». Comunicado de prensa. Consultado el 2008-12-27.
73. ↑ «Madonna: Sticky & Sweet Tour» (en inglés). IMDb (2010). Consultado el 11 de mayo de 2010.

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Madonna.Commons
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Madonna. Wikiquote
• Sitio web oficial de Madonna (en inglés)
• Ficha de Madonna en inglés y en español en Internet Movie Database.

 Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Madonna"

Categorías: Nacidos en 1958 | Anexos:Madonna | Madonna | Cantantes de Estados Unidos | Cantantes en inglés | Cantantes de pop | Músicos de pop | Actores de Estados Unidos | Bailarines de Estados Unidos | Cantautores de Estados Unidos

 

MÚSICA4: MÚSICA AMÉRICANA: MILEY CYRUS. Party In The U.S.A. - Official Music Video. Miley Ray Cyrus[3] (nacida como Destiny Hope Cyrus; Nashville, Tennessee; 23 de noviembre de 1992), es una actriz, cantante y compositora estadounidense. Es conocida por su papel como Miley Stewart/Hannah Montana en la serie original de Disney Channel Hannah Montana.

Miley Cyrus

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Saltar a navegación, búsqueda

Miley Cyrus
Información personal
Nombre real	Miley Ray Cyrus (nacida como Destiny Hope Cyrus)
Nacimiento	23 de noviembre de 1992 (17 años)
Origen	Nashville, Tennessee, Estados Unidos
Ocupación(es)	Actriz, cantante, compositora
Información artística
Tipo de voz	Contralto
Género(s)	Pop, pop rock[1]
Instrumento(s)	Voz, guitarra y piano
Período de actividad	2001[2] - presente
Discográfica(s)	Hollywood Records
Artistas relacionados	Billy Ray Cyrus, Jonas Brothers, Demi Lovato, Trace Cyrus, Timbaland
Web
Sitio web	Web oficial
Ficha	Miley Cyrus en IMDb

Miley Ray Cyrus^[3] (nacida como Destiny Hope Cyrus; Nashville, Tennessee; 23 de noviembre de 1992), es una actriz, cantante y compositora estadounidense. Es conocida por su papel como Miley Stewart/Hannah Montana en la serie original de Disney Channel Hannah Montana.

Contenido [ocultar] 1 Los primeros años 2 Carrera profesional 3 Vida privada 4 Controversia 5 Filmografía 6 Discografía 7 Tours 8 Premios y nominaciones 9 Referencias 10 Enlaces externos

//

Los primeros años

Miley nació en Nashville, Tennessee, el 23 de noviembre de 1992,^[4] hija de Leticia "Tish" Finley y del cantante country Billy Ray Cyrus.^[5] Tiene dos medio-hermanos, Christopher Cody y Trace, siendo éste último el vocalista y guitarrista de la banda Metro Station^[6] y una medio-hermana mayor, Brandi. Tiene un hermano menor, Braison y una hermana menor, Noah, que también es actriz.^[7]

La llamaron Destiny Hope (Destino Esperanza) porque creyeron que daría esperanza a las vidas de la gente. Se ganó su sobrenombre "Miley" porque sonreía mucho ("Smiley") cuando era pequeña. Cyrus fue a la Heritage Middle School, donde sufrió acoso escolar,^[8] y ahora tiene un tutor privado.^[9] Creció en la granja de sus padres a las afueras de Nashville.^[10]

Carrera profesional

Miley se empezó a interesar por la actuación a raíz de su participación en el programa televisión que protagonizaba su propio padre, Doc, donde interpretó a Kylie.

En 2003, debutó en la gran pantalla e interpretó a una adolescente llamada Ruthie en la película de Tim Burton Big Fish bajo el nombre de Destiny Cyrus. Además, apareció en el vídeo musical de If Heartaches Have Wings, y en Colgate Country Showdown con su padre.

Con tan sólo 11 años cuando hizo su primera audición para Lilly Truscott, de la compañía Disney, pero los ejecutivos de la compañía la rechazaron por considerarla demasiado joven para el papel.

Miley audicionó para lo que sería la próxima serie de televisión de Disney Channel, Hannah Montana, y fue elegida por ser "una persona dinámica y que aprovecha y ama cada segundo de la vida" (según declaraciones de un ejecutivo de Disney Channel). Actualmente sigue actuando en la serie como Miley Stewart, quien bajo un pseudónimo, es la sensación de la música pop adolescente, Hannah Montana, también ficticia. Cyrus también actúa como Hannah Montana en la vida real, aunque ya tiene un disco bajo su verdadero nombre.

Vida privada

En marzo de 2008 inició un proceso legal para cambiar su nombre a "Miley Ray Cyrus".^[11]

Miley mantiene una estrecha amistad con Mandy Jiroux (bailarina y cantante de coro de Hannah Montana), Lesley Patterson (animadora), Demi Lovato, y los co-protagonistas de Hannah Montana, Emily Osment y Mitchel Musso.

Cyrus se convirtió en la artista juvenil mejor pagada en 2007, con $25 millones de dólares, y sido vinculada sentimentalmente con Liam Hemsworth, Justin Gaston y anteriormente con Cody Linley y con Nick Jonas de los Jonas Brothers.

En 2008 publicó su primer libro, Miles To Go, en el cual habla sobre sus relaciones con sus amigos y parejas, el acoso escolar y sus objetivos para el futuro.

Controversia

A finales de abril de 2007, la revista Vanity Fair publicó fotos de la artista semidesnuda con fines artísticos. Esto provocó una controversia por su figura inocente, e hizo peligrar la permanencia de la artista en la serie Hannah Montana al ser considerada un posible mal ejemplo para sus fans según la empresa Disney. A causa de la reacción, pidió disculpas en una rueda de prensa por la mala interpretación que generaron sus fotos. También declaró que la fotógrafa, Annie Leibovitz, la "presionó emocionalmente" para publicar dichas fotos.

Filmografía

Películas
Año	Título	Rol	Notas
2003	Big Fish	Ruthie	Se la acredita como "Destiny Hope Cyrus"
2007	High School Musical 2	Chica en la piscina	Cameo
2008	Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert	Ella misma	Papel protagónico
	Bolt	Penny	Voz
2009	Hannah Montana: The Movie	Miley Stewart / Hannah Montana	Papel protagónico
2010	La última canción	Verónica "Ronnie" Miller	Papel protagónico
	Sex and the City 2	Ella misma	Cameo
2011	Wings	Laurel	Papel protagónico
Series y programas de televisión
Año	Título	Rol	Notas
2003	Doc	Kylie	Papel secundario
2006-2010	Hannah Montana	Miley Stewart / Hannah Montana	Protagonista
2006	That's So Suite Life of Hannah Montana	Miley Stewart / Hannah Montana	Crossover
	Disney Channel Games	Ella misma	Especial de televisión
2007	The Emperor's New School	Yatta	Voz
2007-2008	Los sustitutos	Celebrity Star	Voz
2008	Studio DC: Almost Live	Ella misma	Especial de televisión
2009	El hormiguero	Ella misma	Invitada especial
2009	Wizards on Deck with Hannah Montana	Miley Stewart / Hannah Montana	Crossover

Discografía

Artículo principal: Discografía de Miley Cyrus

Artículo principal: Discografía de Hannah Montana

Álbumes de estudio 2007: Hannah Montana 2: Meet Miley Cyrus 2008: Breakout 2010: Can't Be Tamed Extended Play 2009: The Time of Our Lives Álbumes en vivo 2008: Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert CD + DVD 2009: iTunes Live from London - EP

Bandas sonoras 2006: Hannah Montana 2007: Hannah Montana 2: Meet Miley Cyrus 2008: Bolt 2009: Hannah Montana: The Movie 2009: Hannah Montana 3

Tours

• 2007-2008: Best of Both Worlds Tour
• 2009: Wonder World Tour
• 2010/2011: Hannah Montana: World Tour 2010/2011

Premios y nominaciones

Artículo principal: Premios y nominaciones de Miley Cyrus

Referencias

1. ↑ allmusic ((( Miley Cyrus > Overview ))) Allmusic
2. ↑ Miley Cyrus
3. ↑ «Miley Turns Her Back On Destiny». E! Online (01-05-2008). Consultado el 02-05-2008.
4. ↑ Los Angeles Superior Court documents of name change. cyrus name change 2.pdf
5. ↑ David Hiltbrand (2006-05-14). 1c20hannah.html "Miley Cyrus braced for Disney stardom". The San Diego Union-Tribune..
6. ↑ Miller, Gerri (julio, 2007). «POP-Corn - Miley Rocks». Scholastic News Online. Consultado el 29-07-2007.
7. ↑ «"BILLY RAY CYRUS - Bio"» (en ingles). cmt.ca. Consultado el 29-10-2006. «Children: Destiny Hope, Braison Chance, Noah Lindsey, with Tish; Christopher Cody, from a previous relationship; and stepchildren Brandi, and Trace.»
8. ↑ Ken Beck (19-03-2006). Teen Miley Cyrus leaves Tennessee hills for Hollywood with dad Billy Ray and family in tow. The Tennessean. http://www.tennessean.com/apps/pbcs.dll/article?AID=/20060319/ENTERTAINMENT12/603190321/1339/ENTERTAINMENT. Consultado el 07-10-2006. 
9. ↑ Jacques Steinberg (2006-04-a20). Hannah Montana and Miley Cyrus: A Tale of Two Tweens. The New York Times. http://www.nytimes.com/2006/04/20/arts/television/20cyru.html?ei=5088&en=ce83bf6f2ce0ed7d&ex=1303185600. Consultado el 07-10-2006. 
10. ↑ Associated Press (25-05-2006). Life Imitates Art for Teen Miley Cyrus. MSN TV News. http://movies.msn.com/tv/article.aspx?news=224154. Consultado el 07-10-2006. 
11. ↑ «Miley Cyrus Changes Her Name!». ETonline.com (28-01-2008).

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Miley Cyrus.Commons
• Sitio web oficial de Miley Cyrus
• Ficha de Miley Cyrus en inglés y en español en Internet Movie Database.
• MySpace oficial
• Miley Cyrus en YouTube

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Miley_Cyrus"

Categorías: Nacidos en 1992 | Miley Cyrus | Actores de Estados Unidos | Cantantes de Estados Unidos | Cristianos