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ARTE4: CUADROS HISTÓRICOS, DE LEONARDO DA VINCI. Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci escuchar) fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor) nacido en Vinci el 15 de abril de 1452[2] y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años de edad, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.[2] Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva,[3] Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.[4 Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.[Nota 2] Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable),[Nota 3] puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época.[Nota 4] Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS. DA VINCI

LA ANUNCIACIÓN. DA VINCI

LEDA Y EL CISNE. DA VINCI

LA VIRGEN DE LAS ROCAS. DA VINCI

EL HOMBRE DE VITRUVIO

Categoría:Cuadros de Leonardo da Vinci

ARTE4: FUTURISMO. CUADROS. El Diccionario Oxford de Inglés traza las primeras huellas de uso (en inglés) de la expresión "futurista" en 1842, refiriéndose a escrituras futuristas cristianas. El siguiente uso de este término se daría con los futuristas italianos y rusos de principios del siglo XX (1910-1920), un movimiento artístico, literario y político que trató de rechazar el pasado y que abrazó bastante acríticamente la velocidad, la tecnología, y el cambio violento de las cosas. Curiosamente, a los primeros autores visionarios modernos como Julio Verne, Edward Bellamy, e incluso H.G. Wells no fueron caracterizados como futuristas en su día, sino más bien como los filósofos de la previsión, término estrechamente relacionado.

Futurismo

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CUADRO FUTURISTA BELEN DO PARA.

Belém o Belén es la capital del estado brasileño de Pará, la cual cuenta con una población estimada de 1.408.847 habitantes,[1] [2] siendo la ciudad más poblada del estado. Su área metropolitana está conformada por los municipios de Ananindeua, Belém, Benevides, Marituba y Santa Bárbara do Pará,[3] la cual tiene una población estimada de 2.146.595 habitantes.[1] Es la "puerta" de acceso al norte del Brasil, y el principal punto de entrada para la Amazonía,[4] ya que se encuentra en la desembocadura del río Amazonas. Está entre las 10 ciudades más grandes e influyentes de Brasil.[5] Ciudad de origen portugués, fue fundada en 1616 con la construcción del Forte do Presepio, hoy Forte Castelo. Su situación representaba un sitio estratégico en el cual los portugueses podían controlar la navegación en la región y evitar ataques de invasores extranjeros.

Religión [editar]

El municipio alberga una de las mayores procesiones religiosas de Brasil y la fiesta más grande del estado de Pará, el Círio de Nazarét. Las festividades comienzan el segundo domingo del mes de octubre y rinde homenaje a Nuestra Señora de Nazaret, patrona del Estado. Organizado desde 1793, actualmente se reúnen en torno a 1,5 millones de seguidores, que van en una procesión por la ciudad hasta la Basílica de Nazarét, donde la imagen es venerada.

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Futuristas o futurólogos, son los que especulan sobre el futuro.

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Definición [editar]

El Diccionario Oxford de Inglés traza las primeras huellas de uso (en inglés) de la expresión "futurista" en 1842, refiriéndose a escrituras futuristas cristianas. El siguiente uso de este término se daría con los futuristas italianos y rusos de principios del siglo XX (1910-1920), un movimiento artístico, literario y político que trató de rechazar el pasado y que abrazó bastante acríticamente la velocidad, la tecnología, y el cambio violento de las cosas. Curiosamente, a los primeros autores visionarios modernos como Julio Verne, Edward Bellamy, e incluso H.G. Wells no fueron caracterizados como futuristas en su día, sino más bien como los filósofos de la previsión, término estrechamente relacionado.

El uso de futurista y su sinónimo futurólogo, en el contexto moderno de pensar y analizar el futuro, comenzó a mediados de los años 1940, cuando el profesor alemán Ossip K. Flechtheim acuñó el término futurología proponiéndola como una nueva ciencia de la probabilidad. Flechtheim sostenía que aunque la previsión sistemática no nos desvelaran mas que el subconjunto más altamente probable de procesos de cambio así como trazara su avance, seguiría teniendo un crucial valor social.[1]

También a mediados de los años 1940 las primeras instituciones de consulta profesional "futurista", como RAND y SRI comenzaron a participar en la planificación de largo alcance, viendo la tendencia sistemática, el desarrollo de escenarios, y la visión de futuro, primero, en relación con la Segunda Guerra Mundial y el contrato con el gobierno militar y, a partir de la década de 1950, para instituciones privadas y las corporaciones. En el periodo de fines de 1940 hasta mediados de 1960 se sentaron las bases conceptuales y metodológicas en el campo de los modernos estudios sobre el futuro. The Art of Conjecture (El Arte de la Conjetura) de Bertrand de Jouvenel en 1963, e Inventing the Future (Inventar el futuro) de Dennis Gabor, en 1964 se consideran los principales trabajos clave, y el primer curso universitario en EEUU dedicado enteramente al futuro fue impartido por el futurista Alvin Toffler en La Nueva Escuela en 1966.[2]

Hoy en día el término "futurista" describe con mayor frecuencia los autores, consultores, y otros líderes de organizaciones implicados en la interdisciplinariedad y el pensamiento sistémico para asesorar a organizaciones privadas y públicas sobre cuestiones tan diversas como las tendencias globales, escenarios plausibles, oportunidades en mercados emergentes, y la gestión del riesgo.

Más en general la etiqueta incluye grupos profesionales y académicos tan dispares como visionarios, consultores de previsión, estrategas corporativos, analistas políticos, críticos culturales, planificadores, comerciantes, predictores, desarrolladores de predicción de mercado, roadmappers, investigadores de operaciones, gestores de inversión, actuarios y otros analistas del riesgo, y todos los individuos orientados hacia el futuro educados en cualquier disciplina académica, incluida la antropología, estudios de la complejidad, informática, economía, ingeniería, biología evolutiva, historia, gestión, matemáticas, filosofía, ciencias físicas, ciencias políticas, psicología, sociología, teoría de sistemas, estudios de la tecnología, y otras disciplinas.

Futurología [editar]

Artículo principal: Futurología

Futurología o "futures studies" a menudo se abrevia con "tres P's y W", o de lo posible, probable, y futuros preferible, además de los comodines (wildcards), que son de baja probabilidad pero de alto impacto en caso de que ocurran. Incluso con alto perfil de acontecimientos probables, como la caída de los costes de telecomunicaciones, el crecimiento de la Internet, o el envejecimiento demográfico de los países, a menudo existe un considerable grado de incertidumbre en la tasa o la continuación de una tendencia. Por lo tanto, una parte clave de la futurología es la gestión de la incertidumbre y el riesgo.[3]

Futuristas y futurología [editar]

No todos los futuristas participan en la práctica de la futurología como se la define generalmente. Los futuristas preconvencionales (véase más adelante), en general, no. Al mismo tiempo futuristas religiosos, astrólogos, ocultistas, adivinos Nueva Era, etc, que usan metodologías que incluyen el estudio, ninguna de sus revelaciones personales o trabajos basados en creencias entran dentro de una definición consensuada de la futurología, tal como se utiliza en el mundo académico o por profesionales de estudios futuros.

Futuristas notables [editar]

Artículo principal: Lista de futurólogos

Véase también [editar]

Referencias [editar]

  1. Flechtheim, O (1972). Prospectiva - ¿La Nueva Ciencia de la Probabilidad? en Toffler, A. (1972). Los futuristas p. 264-276
  2. Bell, W. (1997). Foundations of Futures Studies: Volume 1 New Brunswick: Transaction Publishers., p. 60. ISBN 1-56000-271-9.
  3. The Future: An Owner's Manual, World Future Society
  4. Patrick Dixon sitio oficial: 11 millones de visitantes - 180 vídeos futurista visto por 700.000 <! - Bot generado título -->
  5. Harkins
  6. 6903,545653,00. Html Modificar nuestro ADN o se hará cargo de los robots, advierte Hawking, septiembre 2 2001
  7. citar noticias | Último = | First = | Coautores = | Title = Mover a Nueva Planeta, dice Hawking | = Trabajo | Páginas = | Publisher = BBC | Fecha = 2006-11-06 | Url = http://news.bbc.co.uk/2/hi/uk_news/6158855.stm | Accessdate = 2008-02-21))
  8. a b Visiones serie. BBC (2007).

Enlaces externos [editar]

  • Futurist (ASF definition) Twelve developmental types of futures thinking (Doce tipos en desarrollo de pensamientos futuros).

ARTE4: LEY DE LA FRONTALIDAD. Ley de la frontalidad, o frontalismo, es la denominación del modo peculiar empleado por los antiguos egipcios en sus representaciones escultóricas de la figura humana. Esta Ley se mantuvo constante en las esculturas de reyes y dioses durante unos tres mil años.

Ley de la frontalidad

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Ejemplo de Ley de la frontalidad:
Conjunto escultórico del faraón Micerino (ca. 2500 a. C.) en el Museo de El Cairo.

Ley de la frontalidad, o frontalismo, es la denominación del modo peculiar empleado por los antiguos egipcios en sus representaciones escultóricas de la figura humana. Esta Ley se mantuvo constante en las esculturas de reyes y dioses durante unos tres mil años.

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Historia [editar]

Julius Lange formuló la ley de la frontalidad para describir la escultura del Antiguo Egipto y la de los pueblos anteriores a los griegos del siglo V a. C. La escultura griega de la época arcaica también observa dicha ley.

Características [editar]

Es una de las convenciones del arte del Antiguo Egipto consistente en esculpir la figura del faraón, o los dioses, para ser contemplados preferentemente de frente. Las figuras son muy simétricas, como si se hubieran esculpido respecto de un plano central vertical, siendo las dos partes muy semejantes.

Aparentemente, esta forma de representación podría asociarse a la incapacidad o ingenuidad del escultor, pero en realidad existen razones simbólicas para comprender esta técnica escultórica. La Ley de la frontalidad se fundamenta en el principio de valorar el aspecto de estabilidad y firmeza del faraón y los dioses, como seres inmutables y eternos, los gobernantes imperecederos.

En contraposición a la Ley de la frontalidad en la escultura egipcia, los escultores griegos fueron los primeros artistas clásicos que abandonaron el frontalismo. Herederos de la tradición griega, encontramos en el arte renacentista, por ejemplo Miguel Ángel, y en el arte barroco por ejemplo Bernini la concepción de la escultura como una manifestación espacial, más allá de su perspectiva frontal.

Otras áreas de aplicación [editar]

En el teatro, también se aplica un criterio similar al frontalismo, pues los actores no deben dar la espalda a los espectadores.

En el cine se aplicó en sus inicios, pero gracias a la movilidad de la cámara, que permite el uso de los más diversos ángulos de visión, se abandonó rápidamente el frontalismo.

Enlaces externos [editar]

ARTE4: CUADROS DE SALVADOR DALÍ. "LOS PLACERES ILUMINADOS". Los placeres iluminados es un famoso cuadro realizado por Salvador Dalí en 1929. Está pintado al óleo y collage sobre lienzo, mide 238 x 347 cm y se encuentra en el Museo del Arte Moderno en Nueva York.

Los placeres iluminados

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Los placeres iluminados es un famoso cuadro realizado por Salvador Dalí en 1929. Está pintado al óleo y collage sobre lienzo, mide 238 x 347 cm y se encuentra en el Museo del Arte Moderno en Nueva York.

Descripción [editar]

(Por completar)


Enlaces externos [editar]

ARTE4: CUADROS DE SALVADOR DALÍ. "LA ÚLTIMA CENA". La Última Cena o El sacramento de la Última Cena[1] es un famoso cuadro realizado por Salvador Dalí en 1999. Está pintado al óleo sobre lienzo, mide 167 x 268 cm y se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington DC. Esta obra es una representación moderna de la famosa Última Cena de Leonardo da Vinci, cuya iconografía recupera. Se enmarca en la llamada etapa "atómica" de Salvador Dalí (años 1990).[1]

La Última Cena (Dalí)

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Para otros usos de este término, véase La Última Cena (desambiguación).
La Última Cena
Salvador Dalí, 1999
Óleo sobre lienzo - Surrealismo
167 cm × 268 cm
Galería Nacional de Arte (Washington)

La Última Cena o El sacramento de la Última Cena[1] es un famoso cuadro realizado por Salvador Dalí en 1999. Está pintado al óleo sobre lienzo, mide 167 x 268 cm y se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington DC. Esta obra es una representación moderna de la famosa Última Cena de Leonardo da Vinci, cuya iconografía recupera. Se enmarca en la llamada etapa "atómica" de Salvador Dalí (años 1990).[1]

Descripción [editar]

El cuadro está muy relacionado con el número doce. La sala donde se encuentran Jesús y sus apóstoles es un dodecaedro. Al fondo de esta se vislumbra un paisaje al amanecer, cosa que pinta de manera mas fea que el anochecer, aún cuando la cena fue de noche. Esa escena refleja un paisaje típico de la costa ampurdanesa recordando al mar y las rocas que podría ver el propio Dalí en Cadaqués.[1] Cristo, en el centro, parece estar predicando ante los discípulos, los cuales inclinan sus cabezas y rezan. Las apariencias de los discípulos son distintas entre sí. Cada uno porta una túnica distinta e inclusive parecen ser personas de distintas razas y países. Los trece personajes rodean una mesa de piedra sobre la cual hay un vaso de vino y un pan partido en dos; el pan y el vino están tratados como un auténtico bodegón.[1]

Cristo no es representado como se acostumbra. Su pelo es claro y no tiene barba. Su túnica es la única que deja al descubiertio su pecho. Observando con más detalle, vemos que Cristo es transparente en su parte inferior, ya que la barca que se encuentra en el paisaje puede verse a través de él.

Sobre todo el conjunto está el torso de Cristo, símbolo de su entrega al hombre, de su carne. Extiende sus brazos y al igual que el Cristo que se encuentra abajo, se difumina poco a poco.

Referencias [editar]

  1. a b c d L. Cirlot (dir.), National Gallery of Art, Col. «Museos del Mundo», Tomo 30, Espasa, 2007. ISBN 978-84-674-3834-5, págs. 136-139

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ARTE4: CUADROS DE SALVADOR DALÍ : CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ. Cristo de San Juan de la Cruz es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1951. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 205 x 116 cm. Se conserva en el Museo Kelvingrove, en Glasgow, Reino Unido.

Cristo de San Juan de la Cruz

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Cristo de San Juan de la Cruz
Salvador Dalí, 1951
Óleo sobre lienzo - Surrealismo
205 cm × 116 cm
Museo Kelvingrove, Glasgow, Bandera del Reino Unido Reino Unido

Cristo de San Juan de la Cruz es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1951. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 205 x 116 cm. Se conserva en el Museo Kelvingrove, en Glasgow, Reino Unido.

La originalidad de la perspectiva y la habilidad técnica a la hora de pintar el cuadro lo han hecho muy popular, hasta el punto de que en los años cincuenta, un fanático realizó un acto vandálico contra él de poca gravedad. Durante los años cincuenta, el artista volvió a recurrir varias veces al tema de la crucifixión. Un ejemplo es el Corpus hypercubus, pintado en 1954. Para pintar este cuadro se basó en las teorías contenidas en el Discurso sobre la forma cúbica del arquitecto del siglo XVI, Juan de Herrera, responsable del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Dalí tomó al famoso doble de Hollywood, Russ Saunders, como modelo para pintar a Cristo, aunque hay quien afirma que el artista tomó como modelo en realidad al trapecista Diego Schmiedl.

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[editar] Inspiración

Dalí se inspiró de un dibujo del místico San Juan de la Cruz conservado en el monasterio de la Encarnación de Ávila y en una imagen que decía haber soñado de un círculo dentro de un triángulo. Esta figura, que según él era como el núcleo del átomo, era similar al dibujo del monasterio, así que decidió usarla en el cuadro.

El paisaje en calma se inspira en Port Lligat y en un dibujo de Velázquez para la rendición de Breda. Los pescadores están inspirados en una pintura de Le Nain

[editar] Descripción

El Cristo de San Juan de la Cruz es una de las obras más conocidas y representativas de Dalí. La pintura muestra a Jesús crucificado, tomado en perspectiva y visto desde arriba, cuya cabeza, mirando hacia abajo, es el punto central de la obra. La parte inferior del cuadro es un paisaje apacible, formado por la bahía de Port Lligat. Abajo a la derecha, dos pescadores se afanan en el pequeño puerto. Ambos son en realidad pintores famosos retratados por Dalí. Entre el crucificado y la bahía se interponen unas nubes de tonos místicos y misteriosos, iluminadas por el resplandor que emana de la cruz y de Cristo. La obra simboliza al Cristo Redentor. El fuerte claroscuro sirve para resaltar la figura de Jesús y provocar un efecto dramático.

Cristo es representado de forma humana y sencilla. Tiene el pelo corto, muy distinto a las representaciones clásicas de Jesús con el pelo largo, y tiene una posición relajada. El letrero en la parte superior de la cruz donde se dice que se colocaron las iniciales INRI, está representado con una hoja de papel pequeña y doblada.

Dalí utilizó un trapecista profesional como modelo para pintar a Cristo. Cabe señalar que Cristo no está herido ni está clavado a la cruz; no hay llagas ni heridas ni mucho menos sangre. Parece que flota junto a la cruz.

Esta es posiblemente, la obra más humana y humilde que se ha pintado sobre la Crucifixión de Cristo.

[editar] Descripción de Dalí

En el número especial de 1952, editado por la Scottish Art Review, Dalí explica la pintura con las siguientes palabras:

La posición de Cristo ha provocado una de las primeras objeciones respecto a esta pintura. Desde el punto de vista religioso, esa objeción no está fundada, pues mi cuadro fue inspirado por los dibujos en los que el mismo San Juan de la Cruz representó la Crucifixión. En mi opinión ese cuadro debió ser ejecutado como consecuencia de un estado de éxtasis. La primera vez que vi ese dibujo me impresionó de tal manera que más tarde, en California, vi en sueños al Cristo en la misma posición pero en paisaje de Port Lligat y oí voces que me de decían: "¡Dalí tienes que pintar ese Cristo!".
Y comencé a pintarlo al día siguiente. Hasta el momento en que comencé con la composición, tenía la intención de incluir todos los atributos de la crucifixión –clavos, corona de espinas, etc.- y de transformar la sangre en claveles rojos sujetos en las manos y los pies, con tres flores de jazmín sobresaliendo de la herida del costado. Las flores hubieran sido realizadas a la manera ascética de Zurbarán. Pero justo antes de finalizar mi cuadro, un segundo sueño modificó todo esto, tal vez a causa de un proverbio español que dice: A mal Cristo, demasiada sangre.
En ese segundo sueño, vi el cuadro sin los atributos anecdóticos: sólo la belleza metafísica del Cristo-Dios. También había tenido al principio la intención de tomar como modelos para el fondo a los pescadores de Port Lligat, pero en ese sueño, en lugar de ellos, aparecía en un bote un campesino francés pintado por Le Nain, del cual sólo el rostro había modificado a semejanza de un pescador de Port Lligat. Sin embargo, visto de espadas, el pescador tenía una silueta velazqueña. Mi ambición estética en ese cuadro era la contraria a la de todos los Cristos pintados por la mayoría de los pintores modernos, que lo interpretaron en el sentido expresionista y contorsionista, provocando la emoción por medio de la fealdad. Mi principal preocupación era pintar a un Cristo bello como el mismo Dios que él encarna.

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ARTE4: CUADROS DE SALVADOR DALÍ: CONSTRUCCIÓN BLANDA CON JUDÍAS HERVIDAS. Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) es un cuadro realizado por el pintor español Salvador Dalí en 1936. La obra, de estilo surrealista, está pintada al óleo sobre lienzo y mide 100 x 99 cm. Actualmente se encuentra en el Philadelphia Museum of Art.

Construcción blanda con judías hervidas

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Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil)
Salvador Dalí, 1936
Óleo sobre lienzo - Surrealismo
100 cm × 99 cm
Philadelphia Museum of Art

Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) es un cuadro realizado por el pintor español Salvador Dalí en 1936. La obra, de estilo surrealista, está pintada al óleo sobre lienzo y mide 100 x 99 cm. Actualmente se encuentra en el Philadelphia Museum of Art.

Descripción [editar]

Esta obra es una de las más agresivas pintadas en toda la historia. Muestra el horror de la Guerra Civil Española que se inició en el año en que fue pintada. En realidad, Dalí terminó la obra seis meses antes del estallido de la guerra y, hasta que ocurrió este acontecimiento, la pintura no tuvo el subtítulo "Premonición de la Guerra Civil". Aun así, Dalí parece ya saber que la posibilidad de una guerra era inminente, y pinta un monstruo amorfo de carnes que se estrangulan unas con otras.

La figura está constituida por una pierna y una extremidad de la que surge otra. Estas dos partes se intentan despedazar. Debajo del monstruo amorfo hay un pie, el cual tiene un dedo de gran tamaño. Arriba se encuentra una cabeza sonriente inclinada hacia arriba, pareciendo ser cegada por el Sol. Esta cabeza recuerda mucho la pintura de Goya Saturno devorando a sus hijos, de carácter sombrío y terrorífico. Así Dalí, define el cuadro como una obra bélica, dado que Saturno es además el Dios de la Guerra.

La pintura también se inspira en El coloso de Goya, a quien había sugerido la obra los horrores de la invasión francesa de España durante las Guerras Napoleónicas. Sin embargo, la creación de Dalí es aún más visionaria que la de Goya.

Como en otras obras de Dalí, el elemento principal del título del cuadro (las judías o frijoles) se encuentran en una parte minúscula del mismo, solo como un elemento secundario, recordando a La jirafa ardiendo donde la jirafa sale en un tercer plano muy alejado. Las judías cocidas son una de las frecuentes alusiones de Dalí a la comida en sus obras. Reflejan el carácter nutritivo que él otorga incluso a la arquitectura:

Basta decir que el modelo no podría existir para mí si no es en forma de metáfora intestinal. No solo el modelo, sino la misma objetividad ha sido comida. Por tanto, yo no puedo pintar más que a través de ciertos sistemas de delirio de la digestión.
Salvador Dalí

Un biombo se encuentra en el centro y, a la izquierda, un hombre, copia de otra pintura de Dalí, El farmacéutico del Ampurdán que no busca absolutamente nada.

El fondo es un paisaje rocoso, semidesértico y montañoso. El cielo, pintado de una forma extraordinaria, muestra algunas nubes de color verde claro y azul oscuro. La escena se desarrolla en el Ampurdán, la región de Cadaqués, Figueras, Port Lligat, los lugares más cercanos a Dalí. Dalí ya había tenido una breve experiencia de guerra civil cuando, en 1934, se proclamó la República de Cataluña y el artista huyó a Francia debido a los desórdenes producidos.

Bibliografía [editar]

  • Porcu, Constantino (2005). Los Grandes Genios del Arte Contemporáneo - El siglo XX - Dalí. Unidad Editorial S.A.. ISBN 84-96507-83-1.

Enlaces externos [editar]

ARTE4: LA MADONNA DE PORT LLIGAT, DE SALVADOR DALÍ. La Madonna de Port Lligat es un cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1950. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 144 x 96 cm. Se encuentra en Tokio, en la Colección Grupo Minami.

La Madonna de Port Lligat

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La Madonna de Port Lligat
Salvador Dalí, 1950
óleo sobre lienzo - Surrealismo
144 cm × 96 cm
Colección Grupo Minami

La Madonna de Port Lligat es un cuadro del pintor español Salvador Dalí realizado en 1950. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 144 x 96 cm. Se encuentra en Tokio, en la Colección Grupo Minami.

La pintura innaugura una etapa en la obra de Dalí caracterizada por los múltiples cuadro de asunto religioso que pinta. Incluso pidió audiencia al papa Pío XII a quien regaló una versión más pequeña del cuadro.

La obra está inspirada en los cuadros de altar recacentistas, sobre todo en la Pala de Brera de Piero della Francesca (en el gesto de la Madonna, en el huevo colgando y en la concha del revés). El cuadro presenta muchas de las características ya presentes en Leda atómica y en la Separación del átomo (Desmaterialización junto a la nariz de Nerón).

Primera versión [editar]

Antes de pintar la obra definitiva, realizó un estudio con la misma composición pero con colores distintos. Esta versión de medidas mucho más pequeñas da una idea de lo que sería la versión definitiva.

Descripción [editar]

En el cuadro aparece una virgen o Madonna con el rostro de Gala, la mujer del pintor, con el niño Jesús en su regazo. La Madonna tiene una abertura rectangular en su tronco y delante de este está el niño Jesús, el cual también tiene una abertura en su tórax, donde a su vez hay un trozo de pan. Dalí describe esto como "un tabernáculo en el cuerpo de Jesús que contiene el pan sagrado".

Los dos personajes están encima de un pedestal y bajo un arco. Los diversos elementos del cuadro aparecen sin tocarse unos con otros, al igual que en la Leda atómica, sostenidos en equilibrio como los elementos que constituyen el átomo.

En la parte superior del cuadro se encuentra una concha de la cual cuelga un hilo que sostiene un huevo. Estos objetos son para Dalí símbolos de la vida y lo más parecido a la perfección euclidiana. El arco blanco que se sitúa sobre Gala permanece dividido en cuatro partes y parece estar descuidado y depintado en varias zonas. Junto a la cabeza de la Madonna están dos bajorrelieves ornamentales que tienen a su vez dos esferas pequeñas flotando. Sobre uno de los arcos está clavado un hilo que sotiene un pedazo de carne cruda.

Junto a Gala hay dos mesas de madera. Destacan junto a uno de los muebles, un caracol de mar y una cesta con un pan. El pedestal tiene diversos símbolos impotantes para Dalí. Sobre este están situados, de izquierda a derecha, un trapo, una abolladura, una flor blanca deshojada y otra floreciente. El pescado, dos judías o frijoles y un cesto. El pedestal tiene una abertura frontal dividida en tres partes. En la parte izquierda hay un rinoceronte dividido en varias partes, en el centro un huevo escoltado por cuatro piezas y a la derecha una especie de busto que sufre una explosión en su cara y flota como si no hubiese gravedad.

Hay un fondo muy claro con el paisaje flotante donde Gala está representada en diversas posiciones vestida de novia. Al final, como si fuese una escena teatral, Dalí pinta en los extremos superiores dos telones.

Muchas de las imágenes que aparecen en el cuadro han sido pintadas ya numerosas veces por el artista, como Gala, que aparece aquí dos veces pintada con un vestido de novia, la bahía de Portlligat, el pez, las conchas y el trozo de corcho colgado del clavo. Otras constituyen el inicio de futuras obsesiones, como el rinoceronte con el cuerno roto que considera un símbolo de castidad.

Enlaces externos [editar]